_Reino de Mondongo_

Clairy Browne & The Bangin' Rackettes

2012-01-25T13:18:00.001+01:00

2011. Lo comentaba ayer en el caralibro. Ando gratamente sorprendido por el sonido y, por qué no decirlo, también por el show que monta esta banda. No, no es nada nuevo, no deja de ser fundamentalmente 60's Soul, pero lo hacen con tanta convicción y tienen tan currado el espectáculo que da gusto verlos y oírlos. Clairy Browne & The Bangin' Rackettes son una banda de Melbourne, Australia, formados a finales de 2009 y con 3 trabajos en el mercado. A principios de 2011 lanzan su primer EP con 5 temas al que sigue un single de 2 temas tres meses después. No es hasta noviembre de 2011 que lanzan su primer y esperado LP de título "Baby Caught The Bus". La proximidad de su propuesta a la de otros revivalistas del soul es más que evidente, pero en mi modesta opinión estos que nos ocupan hoy asoman la cabeza por encima del resto. Y nada, para que os hagáis una idea ahí abajo tenéis unos enlaces de escucha a los que puedes añadir los muy recomendables vídeos que hay en YouTube (¡esas coreografías!). ¡Salud!

Clairy Browne and the Bangin’ Rackettes bring back the sounds of hard hitting Northern Soul, jump blues, doo-wop, ska and gospel straight out of East Harlem via a backyard operation in Melbourne.

This nine piece band fronted by leading lady Clairy Browne and her harmonizing girl group– the Bangin’ Rackettes have come a long way from their debut performance at a juke joint in Melbourne in late 2009. CB/BR have been tearing down the house at venues all over the country, including the Forum Theatre for Melbourne International Arts Festival, touring with the Big Day Out, Golden Plains, Melbourne International Comedy Festival and a national tour with the Cat Empire.

Rounding out this year of firsts, Clairy Browne and the Bangin’ Rackettes launch their debut self-titled EP recorded with award-winning producer Steve Schram. This small collection of songs gives a glimpse into the many sides of this R’n’B big band. From the dark and soulful aggression of “Bats”, to upbeat ska party tune “Don’t Say Don’t” and the shimmery, bittersweet pop song – “Champagne”, this first release shows broad tastes yet an authentic sound.

Drawing influence from Etta James, Tina Turner, The Shirelles and Sister Rosetta Tharpe; Clairy Browne & the Bangin’ Rackettes set their own scene. Sweaty, gritty dancehall circa 1964, big make-up and even bigger hair, late night dirty dancing, cigarettes hidden in beehives, high gloves and lights down low.

"When Clairy Browne & The Bangin' Rackettes appeared, every eye in the room was seduced by that sparkling golden dress and those amazing tasseled gloves. But despite her looks and charm, Browne is one chica I'd hate to be on the wrong side of. A song inspired by Dolly Parton's Jolene brought out Browne's dark side she spat out the words "Back off Stephanie" with such menace the entire room took a step back. But if you're out there Stephanie, put your fears aside, this is one soul show worth seeing."

Inpress Magazine

“Champagne featured bright keys, rounded saxophone beautifully melodious verses and a less polished but more upbeat chorus. Clairy Browne and The Bangin’ Rackettes make music that is purely intoxicating, combining dirty doo-wop with sultry soul, slow hips and unison fingersnapping. “

Life Music Media.com

Puedes escuchar sus temas en FACEBOOK, BANDCAMP o MYSPACE.

También, como es costumbre, en Spotify (más abajo)

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Rainbow - On Stage

2012-01-24T20:48:00.004+01:00

1977. La última vez que hablamos por aquí de Rainbow fue para rendir tributo al entonces recién fallecido Ronnie James Dio. El hueco que nos dejó sigue ahí y la única manera de llenarlo es escuchar de nuevo alguna de las innumerables muestras de talento que nos legó. Ya en aquel post advertía que me había saltado este directo, así que aquí estamos, supliendo la falta.

Con una formación totalmente engrasada y que llevaba junta desde la gira del primer disco, Rainbow, en aquella época, eran una auténtica fuerza de la naturaleza. Unos Blackmore y Dio pletóricos, empujados por el torbellino de Cozy Powell tras los tambores, y flanqueados por dos obreros del rock como son Jimmy Bain y Tony Carey. Un auténtico lujo. Da un poco de cosa pensar que dos de las tres patas fundamentales de este banco ya no están entre nosotros. Qué se puede decir, perra vida... Sirva también esto de homenaje a uno de mis baterías favoritos del género, por cierto.

El repertorio, de tan sólo 6 (extensos) temas, se compone de material de sus dos anteriores lanzamientos, el "Kill the King" que aparecería en versión de estudio en el siguiente y el "Mistreated" de la última época de Blackmore en Deep Purple. También hay que decir que el segundo corte es un medley de tres temas, así que la suma asciende en realidad a ocho. Alguno puede pensar, y no le culpo, que se les va la pinza con la duración de las canciones pero lo cierto es que hay tal comunicación entre los músicos, un ensamblaje sonoro tan perfecto, que es una auténtica gozada acompañarles en cada jam e improvisación. Casi que te pones a dar palmas como el público en "Mistreated". :-)

Me podría tirar la vida hablando de este disco, también de cómo conseguí mi primera copia original en cassette, comprada a un tipo que por una situación económica precaria, malvendía sus discos casi con lágrimas en los ojos. Pillé un par y no volví. Se te partía el corazón. Que la vida nos libre de vernos en una situación así. Pero bueno, subamos 2 puntos el volumen del ampli y alegrémonos por seguir vivos. ¡Salud!

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The Jimmy Castor Bunch - It's Just Began + Phase Two

2012-01-21T13:17:00.003+01:00

1972. Vaya semanita, amigos. Se nos han ido gigantes de la música como Johnny Otis o, ayer mismo, Etta James, como bien sabréis por otros medios. Pero me apetece recordar a un tipo bastante más olvidado, a pesar de sus éxitos setenteros, y que también nos dejó hace unos días, el sin par Jimmy Castor.

Como podéis leer más abajo Jimmy empezó como compositor poco antes de entrar en los Teenagers en sustitución de Frankie Lymon. Más tarde se pasó al saxo, aunque sin abandonar labores vocales, grabando para otros músicos e iniciando una breve carrera en solitario. En la década de los 70 fundó su propia banda, The Jimmy Castor Bunch, cuyos dos primeros LP's (ambos de 1972) están reunidos en esta edición en CD.

Tampoco os voy a decir que esto es la pera, tiene temas muy chulos pero lo que son los discos completos no acaban de chutar. Que sobran temas, vaya, amén de prólogos y epílogos que no aportan nada, pero como digo hay unas cuantas canciones donde su particular amalgama de funk, R&B y ritmos latinos te incita al bailoteo cosa mala.

Y poco más os cuento, sirva este post como homenaje a su persona.

D.E.P. James Walter "Jimmy" Castor (June 23, 1940 – January 16, 2012

A master of novelty/disco funk, saxophonist Jimmy Castor started as a doo wop singer in New York. He wrote and recorded "I Promise to Remember" for Wing with the Juniors in 1956, a group whose roster included Al Casey, Jr., Orton Graves, and Johnny Williams. Castor replaced Frankie Lymon in the Teenagers in 1957 before switching to sax in 1960. He appeared on several soul-jazz and Afro-Latin sessions and had a solo hit with "Hey Leroy, Your Mama's Callin' You" on Smash in 1966. Castor also played sax on Dave "Baby" Cortez's hit "Rinky Dink." He formed the Jimmy Castor Bunch in 1972 and signed with RCA. Their first release, It's Just Begun, launchedCastor's next phase with the song "Troglodyte (Cave Man)." It was a Top Ten R&B and pop smash. Castor continued the trend in 1975 with "The Bertha Butt Boogie" and later recorded "E-Man Boogie," "King Kong," "Bom Bom," and "Amazon." The Castor band included keyboardist/trumpeter Gerry Thomas, bassist Doug Gibson, guitarist Harry Jensen, conga player Lenny Fridle Jr., and drummerBobby Manigault. Thomas left to join the Fatback Band. Castorrecorded as a solo performer from 1976 until 1988. He had one of his bigger hits in many years with a 1988 revival of "Love Makes a Woman," which paired him with disco diva Joyce Sims. Castor had his own label, Long Distance, during the decade.

[by Ron Wynn, Allmusic]

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Tres Hombres [3000 Hombres!] - ¡Our Favourite Songs!

2012-01-15T12:21:00.002+01:00

2003. Tres Hombres (más adelante cambian a "3000 Hombres!" por cuestiones legales) se forman en 2002 como uno de los múltiples proyectos paralelos de los miembros de Vacazul, en este caso para rendir tributo a la música negra en la más amplia expresión del término, mezclando blues, soul, funk, reggae, rhythm & blues, etc.

Como os decía, publicaron los dos primeros discos como Tres Hombres, para pasar a llamarse 3000 Hombres! en el tercero y cuarto. Actualmente la banda está en stand-by.

No me voy a enrollar porque he encontrado en Facebook el texto de más abajo que explica la historia mucho mejor de lo que podría hacerlo yo. Sólo añadir que es una excelente selección de temas y están fantásticamente interpretados, no podía ser de otra manera con estos musicazos. ¡Salud!

[Extraído del FACEBOOK de la banda]

TRESMIL HOMBRES graba como cuarteto su primer disco "OUR FAVOURITE SONGS" en septiembre de 2002 y sale publicado de la mano del sello de Soraluce GAZTELUPEKO HOTSAK (www.hotsak.com) en marzo de 2003. Este disco es un recorrido por algunas de las canciones favoritas de la banda, un homenaje a los artistas que les han influido y un paso adelante en la carrera de TRESMIL HOMBRES.

En enero de 2004 se edita su segundo disco, en formación de sexteto, con más baile que nunca. Se titula “SESIONES 224-226”, publicado por Gaztelupeko Hotsak y Cambayá Club de Blues, en una unión sin precedentes entre los dos sellos de blues más prestigiosos del estado, contiene particulares revisiones de temas de MC5, Miles Davis, James Brown, Rufus Thomas, Led Zeppelin, Elmore James, ZZ Top, Grant Green, Bob Marley ,etc... Todo en clave de funk, rock, blues, soul, acid-jazz, y el personal estilo de Tresmil Hombres.

El tercer disco de TRESMIL HOMBRES “¿Baila señorita?” se edita en Noviembre de 2005 en formato vinilo y cd en el sello Gaztelupeko Hotsak. En este nuevo trabajo se incluyen tres temas originales y un montón de versiones personales de latin, blues, soul, funk, rock... Incluye colaboraciones de Marcos Coll, armónica de Los Reyes del K.O., la percusión de Muñeco, de Amparanoia, el saxo de Iñaki, el trombón de Ove Larsson, el saxo de Gautama y el trombón de Norman Hogues.

El cuarto disco de TRESMIL HOMBRES "Music Mass Construction - Live at Bogui Jazz" se edita en marzo de 2008 a través del sello HOTSAK.Es un directo que resume la trayectoria de la banda y en el que la experimentación e improvisación esta muy presente. Grabado en directo en la sala BOGUI JAZZ de Madrid, es el colofón a casi dos años de actividad semanal en esta sala del circuito madrileño de jazz y blues,en la que la banda ha tenido una presencia constante con actuaciones periódicas y regentando la blues jam session. Colaboraciones de Ove Larsson, Gautama del Campo, Norman Hogues, Daniel Charras y Julian Maeso.

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Georgia Satellites - S/T

2012-01-02T20:00:00.010+01:00

1986. Debut en formato LP de la que fue banda de Dan Baird, prototípica "bar band" de vida azarosa que, a pesar de llevar uno de sus temas al número 2 del Billboard (sólo lo paró el "Livin' on a prayer" de Bon Jovi), ha quedado semi-olvidada en una esquina de la historia. El tema en cuestión es "Keep your hands to yourself", que ya apareció en el EP previo ("Keep the faith", 1985) y repiten en este, pero el resto no le van en absoluto a la zaga. Canciones para corear a grito pelado en el bar con cerveza en todo lo alto.

En estilo no andan muy lejos de lo que hacían Tom Petty, Jason & The Scorchers o el mismísimo John Fogerty, quizá con un toque más sureño y honky tonk. Lo único que flojea y desentona en el disco es la definitivamente ampulosa producción, pero qué queréis, eran los 80s... Por lo demás, chapeau!
Pues eso, supongo que para los habituales será un grupo de sobra conocido, pero nunca está de más acordarse de ellos por si queda algún despistado. ¡Salud!

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V.A. - Sticky Soul Fingers [A Rolling Stones Tribute]

2011-12-26T13:11:00.002+01:00

2011. Antes de que salte alguno, aclaro que no compro (malditas) revistas musicales, pero me enteré del regalo de este disco con el último número de Mojo y me hice con él. Con el disco, digo, que de la revista pasé. 4 eurillos con envío incluído desde la Pérfida Albión me pareció un precio más que razonable. Pues bien, el título no engaña en absoluto, esto viene a ser la reinterpretación en clave soulera de todos los temas del "Sticky Fingers" (1971) de Rolling Stones por parte de artistas actuales como Sharon Jones, Aloe Blacc, Black Joe Lewis o Lee Fields entre otros, manteniendo el orden original de las canciones y con el añadido de "Angie", del álbum "Goats Head Soup" (1973). Interesante propuesta y revisión de temas mil veces escuchados que aquí adquieren una nueva dimensión. A destacar también la portada, obviamente basada en la que adornó la edición española del disco homenajeado. Pues eso, que está muy entretenido. ¡Salud!

[Está en Spotify pero no encuentro la forma de enlazarlo. En cualquier caso, se puede escuchar ahí o descargar a través de infinidad de blogs y webs]

Los Deltonos - La Caja de los Truenos

2011-12-12T12:14:00.002+01:00

2011. Recién salido del horno y aún con sólo dos escuchas (consecutivas) encima me apetece recomendaros el que es el novísimo disco de Los Deltonos.

Hoy mismo sale a la venta y en espera del formato físico estoy dando caña al mp3 que acompaña la compra del disco. Aviso a navegantes, vinilo en edición limitada a 500 unidades.

Si bien sigue el camino marcado en los dos anteriores lanzamientos, lo cierto es que las sonoridades que inundan los discos en solitario de Hendrik Röver se han adueñado de parte de este lanzamiento.

Impecable grabación, como de costumbre realizada en Guitar Town Recordings de Muriedas y autoeditado por el sello de mismo nombre.

Bueno, poco más os cuento, sabéis que no hago críticas y además en este caso tampoco podría. Que me está encantando, voy a por la tercera vuelta y las que quedan... Haz el favor de comprarlo y apoyar a uno de los tipos más honestos del panorama musical español. ¡Salud!

Conecta con Los Deltonos por aquí:

Facebook - Web Oficial (pre-escucha de todos los temas)

[Todavía no está en Spotify]

Lou Rawls with Les McCann Ltd. - Stormy Monday

2011-12-08T13:49:00.004+01:00

1962. Bueno, habiendo comentado y recomendado ya hace unos meses una edición conjunta de su segundo y tercer disco creo que está de más el ponerme de nuevo a presentaros a este tipo. El que lo conozca ya sabe lo que hay; el que no... que deje de perder el tiempo y le ponga remedio. Desbordante clase y maravilloso debut acompañado del trío de Les McCann.

Hoy no es un día de tormenta y, gracias al cielo, tampoco es lunes, pero, no me preguntéis por qué, hoy es un día ideal para ponerse este disco. ¡Salud!

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Tift Merritt - See You On The Moon

2011-12-06T12:47:00.004+01:00

2010. Último y delicioso disco hasta la fecha de la talentosa Tift Merrit, cantautora estadounidense (Carolina del Norte, 1975) que lleva publicados desde finales de los 90's cuatro discos de estudio y dos directos, amén de otros dos EP's.
En la propuesta de Tift Merritt hay algo íntimo y falto de pretensión que hace su música enormemente atractiva. Una música delicada pero a la vez llena de fuerza y energía. Tift juega en la liga de unas Neko Case o Lucinda Williams por ocupar el podio que aún no han dejado vacío otras como Emmylou Harris.
Maravillosa producción de Tucker Martine que amplía el abanico de sonoridades habitual de Tift, añadiendo a su sobrio estilo arreglos más que interesantes. Sólo por la inicial "Mixtape", una de las más bonitas declaraciones de amor que he escuchado, ya merecería la pena. Si aún no has tenido la suerte de oírla ponle remedio a la voz de ya. ¡Salud!

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The Parlor Mob - And You Were A Crow

2011-11-24T12:36:00.009+01:00

2008. Ahora que publican un nuevo disco que aún no me he echado al oído me apetece recomendaros este primer largo de The Parlor Mob, banda formada en Nueva Jersey en 2004 con el extraño nombre de What About Frank. Bajo esta denominación se autoeditaron un LP en 2005, llamando la atención de Capitol con la que publican un EP ya con el nombre de The Parlor Mob. Tras ciertos problemas con la discográfica firman en 2006 por Roadrunner, sello que ha iniciado en los últimos años una apertura estilística bastante interesante, y graban a finales de 2007 este LP que nos ocupa, con un sonido que les acerca a bandas actuales como Wolfmother, pero que lejos de ser una copia de estos lo cierto es que bebe de las mismas fuentes, esto es: hard rock setentero con Led Zeppelin, Black Sabbath, Uriah Heep o Deep Purple en el punto de mira. La asociación con Wolfmother viene fundamentalmente por el timbre de voz de Mark Melicia una especie de cruce entre Andrew Stockdale y Shannon Hoon. Y eso os cuento, interesantísima banda, pero como siempre mejor escuchar y hacerse una idea por uno mismo.

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Carla Olson - Honest As Daylight. The Best of Carla Olson 1981.2000

2011-11-22T13:19:00.001+01:00

2001. Soberbio recopilatorio que publicó el sello barcelonés Houston Party Records hace 10 años y que reúne lo más significativo de la carrera de Carla Olson, recogiendo temas de The Textones (con los que publicó 2 discos), de sus discos en solitario y de sus colaboraciones con Gene Clark (The Byrds) y Mick Taylor (John Mayall's Bluesbreakers, The Rolling Stones). Además de los citados en el disco aparecen otros ilustres como Percy Sledge, Mark Lindsay (Paul Revere & The Raiders), Ian McLagan (Small Faces, The Faces, The Rolling Stones...) o Ry Cooder. Pues eso, una artista que, para los que no la conozcáis y os hagáis una idea, podríamos emparentar en cuanto a sonido con gente como Tom Petty o John Mellencamp, aunque con perspectiva femenina, claro. Dale una oportunidad. ¡Salud!

Este en particular no está en Spotify. Otros discos de Carla Olson.

The Allman Brothers Band - S/T

2011-11-19T11:47:00.005+01:00

1969. Vamos con el excelente debut homónimo de Allman Brothers. Recomendación rápida porque no hay mucho que decir que no se haya dicho mil veces. El disco salió a la venta tan sólo 8 meses después de la formación de la banda, aunque hay que decir que los componentes ya tenían los "cojones pelados" en proyectos previos o como músicos de sesión. Merece la pena comentar que el gran Eddie Hinton fue tanteado para entrar como guitarrista, puesto que finalmente fue ocupado por Dickie Betts (aparte, claro, de Duane Allman). Y nada, que menos hablar y más escuchar. ¡Salud!

This might be the best debut album ever delivered by an American blues band, a bold, powerful, hard-edged, soulful essay in electric blues with a native Southern ambience. Some lingering elements of the psychedelic era then drawing to a close can be found in "Dreams," along with the template for the group's on-stage workouts with "Whipping Post," and a solid cover of Muddy Waters' "Trouble No More." There isn't a bad song here, and only the fact that the group did even better the next time out keeps this from getting the highest possible rating.

Extraído de Allmusic.com.

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Muddy Waters - Fathers and Sons

2011-11-07T19:09:00.007+01:00

1969. Si necesitabas una nueva muestra de la grandeza de Muddy Waters allá va este Padres e Hijos. ¿Quieres café? ¡Toma dos tazas! Porque este doble LP grabado y publicado en 1969 nos muestra a un Muddy en excelente estado de forma rodeado por sus habituales compinches Otis Spann (piano) y Sam Lay (batería) y por otro lado algunos de los blancos más prometedores del género y por entonces ya realidad contrastada como eran Michael Bloomfield (guitarra; Butterfield Blues Band, Dylan, Electric Flag), Paul Butterfield (armónica; Butterfield Blues Band) y Donald "Duck" Dunn (bajo; Booker T. & The MG's). Casi nada, pero es que además participan en temas concretos Phil Upchurch o Buddy Miles, un auténtico all-star.

El disco consta de dos partes bien diferenciadas, por un lado las grabaciones de estudio en las que se emplearon 3 días consecutivos y por otro 6 temas en directo grabados el cuarto día. Así del tirón, como debe ser si el talento y la habilidad acompañan. Esta reedición "extendida" que tengo entre manos añade 4 temas inéditos a los 10 de estudio de la versión original. Mejor que mejor.

Y bueno, poco más os cuento, el más grande con unos discípulos de aúpa. Algunos quisieron ver en este disco una suerte de "entrega de testigo" pero lo cierto es que a Muddy le quedaban aún unos cuantos discos más que disfrutables. Y díganme algo en los comentarios, leñe, que es gratis.¡Salud!

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Jesse Dee - Bittersweet Batch

2011-10-30T10:52:00.003+01:00

2009. Estaba convencido de haber hablado ya de este disco, pero usando el buscador del blog me doy cuenta que no, que mi escasa memoria me vuelve a engañar. Otro olvido imperdonable, porque este "Bittersweet Batch" es uno de los discos de soul más interesantes de los últimos años.

Vale, cierto, quizá salió al calor del éxito de Eli "Paperboy" Reed, pero la verdad es que Jesse Dee tiene personalidad propia y se nos presentó con un debut bajo el brazo que no le iba en absoluto a la zaga al "Roll with it" (2008) del de los periódicos. De hecho, ahondando en la relación entre uno y otro, este disco lo co-produce Jack Younger, que ya co-produjo varios temas del de Eli. No es casualidad.

Y bueno, no os aburro más, un disco que sin dejar de ser un ejercicio de estilo y beber de las fuentes clásicas nos ofrece un sonido impecable y unos temas a la altura de los grandes del género. Mientras esperamos la continuación puedes escuchar algo de este debut en su Facebook, MySpace o Spotify. ¡Salud!

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BR5-49 - BR5-49

2011-10-18T11:53:00.001+02:00

1996. Soberbio primer disco de esta banda liderada y fundada por Gary Bennett y Chuck Mead (guitarras y voces) que a mediados de los 1990's se propuso reivindicar los sonidos country mezclándolos con rockabilly, honky tonk y toneladas de actitud.

No hay mucho más que comentar aparte de que este debut es su mejor trabajo y una auténtica obra maestra para escuchar una y otra vez. Instrumentación impecable y un lujo de voces. La banda la completaban Don Herron (dobro, violín, mandolina...), Smilin' Jay McDowell (contrabajo) y "Hawk" Shaw Wilson (batería).

Si no los conoces... de verdad que te envidio, a poco que te interese el género vas a disfrutar como un enano con este disco. Quedas avisado. ¡Salud!

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Slim Cessna's Auto Club - Unentitled

2011-10-16T12:11:00.004+02:00

2011. No soy para nada de hacer listas y mierdas similares pero este es sin duda, para un servidor, uno de los discos del año, o al menos de lo que llevamos del mismo. Dudo que en lo poco que queda caiga de ese pedestal.

Llegué a la banda hace relativamente poco tiempo, de la mano del loco de Jay Munly. Investigando en su trayectoria llegamos a este que es el último disco en que ha estado implicado, con Slim Cessna's Auto Club, banda mutante que va cambiando de miembros manteniendo un estilo único que les ha hecho ganar adeptos y reputación, también cimentada por unos directos intensos e impactantes. En estos tiempos en que tan difícil es echarse algo original a la oreja es una bendición encontrarse bandas que, con elementos comunes y conocidos, consiguen una mezcla sugestiva y sorprendente. El disco ha sido publicado en marzo de este año por Alternative Tentacles, el sello de Jello Biafra (Dead Kennedys), que dice de ellos: "This is the country band that plays the bar at the end of the world". Casi ná.

Pues eso, a pesar de que este en particular no está en Spotify no creo que os cueste mucho encontrarlo, o bien podéis echar una oreja a los anteriores, que sí están disponibles. Es de esos grupos que es mucho más fácil escucharlos que describirlos, hasta aquí llego, así que ya tardas. Slim Cessna's Auto Club, señores, no se arrepentirán. ¡Salud!

The Word - The Word

2011-10-05T11:53:00.001+02:00

2001. Hoy venimos a predicar "la palabra". Vamos con un disco algo olvidado pero extremadamente interesante. The Word, este proyecto de supergrupo creado en 2001, nos legó únicamente este álbum homónimo, una auténtica maravilla dentro de la llamada sacred steel music.

Para su grabación se juntaron los tres miembros de North Mississippi Allstars, esto es, Chris Chew y los hermanos Luther y Cody Dickinson, con el teclista John Medeski de los jazzeros Medeski, Martin & Wood y el portento de la pedal steel guitar Robert Randolph.

Repertorio de corte gospel-blues con excelentes versiones de tradicionales y algún tema creado para la ocasión. El disco es enteramente instrumental, pero la verdad es que en ningún momento se echa en falta una voz que acompañe, digamos que la guitarra de Randolph habla por sí misma.

Lo de este chaval es impresionante. Con 22 años en ese momento, no había grabado más que una canción para un recopilatorio y de hecho se ganaba la vida como pasante en un bufete de abogados, si bien es cierto que tocaba asiduamente para la iglesia pentecostal, situación en la que fue "descubierto".

Tras la excelente recepción que tuvo este disco comenzó una prometedora carrera que nos ha dado unos cuantos grandes discos bajo el nombre de Robert Randolph and the Family Band.

Poco más os cuento, disco impresionante que no dudaría en conseguir por cualquier medio, aunque lo cierto es que no es demasiado barato. [Corrijo: mira aquí]

Los que me conocéis ya sabéis que no tengo nada de religioso, pero este tipo de grabaciones me "llegan" como si fuera el más ferviente y devoto creyente, qué cosas... ¡Salud!

Little Milton - Waiting for Little Milton

2011-09-25T20:14:00.004+02:00

1973. Se lo decía el otro día a un amigo, los discos de este hombre yo los compro "a ciegas", sin haber escuchado una sola nota (tal vez debería decir "a sordas"), pero doy fe de que siempre se acierta. Qué maravilla, amigos. No me enrollo mucho porque es uno de los invitados habituales del blog, tan solo comentar que en este lanzamiento con la mítica Stax profundiza en su personal visión del blues, con arreglos orquestales y profusión de vientos, a cargo, como no podía ser de otra manera, de los no menos míticos Memphis Horns. Y por supuesto mucho soul, la marca de la casa. Milton está imponente a la voz, qué potencia la de este hombre, y en nómina aparecen insignes como Bobby Manuel, Joe Turner, Al Jackson o Willie Hall. No será su disco más apreciado pero qué queréis que os diga, si os va mínimamente el rollo yo me haría con él. ¡Salud y mucho blues!

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The Move - Shazam

2011-09-12T16:52:00.002+02:00

1970. De Birmingham tenían que ser. Una ciudad que nos ha dado a Black Sabbath o Judas Priest, además de ellos mismos, algo debe tener. Este es el segundo largo de The Move y posiblemente su obra más completa. The Move, como ya hemos contado por aquí, nacen en 1965 y pronto se convierten en uno de los grupos más interesantes de las islas británicas, gracias fundamentalmente al enorme talento compositivo de su líder Roy Wood, además de sus acertados arreglos y orquestaciones. Tras el primer y homónimo LP la banda sufrió un par de cambios y llegó a este segundo disco flotando en una nube de vapores lisérgicos que le dan un maravilloso aire alucinado entre ecos de música clásica y una amalgama de pop psicodélico y proto hard-rock.

Esta edición en CD incluye, junto a los 6 (extensos) temas originales de "Shazam" el EP en directo de 1968 "Something else from The Move", además con los 4 temas añadidos (outtakes) de su respectiva reedición en CD (se puede comprar aparte, pero ya os digo que está todo aquí). Un disco como una catedral de una banda de esas que mejora a cada escucha. Hale, y no he citado a E.L.O. (bueno, ahora sí...) ¡Salud!

Fenton Robinson - Somebody Loan Me A Dime

2011-09-09T12:07:00.001+02:00

1974. "Somebody loan me a dime", primer disco de Fenton Robinson para Alligator, es también el título de su canción más reconocible y recordada. El tema data de 1967, cuando Fenton lo grabó para una pequeña discográfica de Chicago, pero adquirió verdadera repercusión con la versión no acreditada del primer disco de Boz Scaggs, en la cual la guitarra estaba a cargo del por aquel entonces músico de sesión en Muscle Shoals Duane Allman, luego fundador de Allman Brothers. Como decimos el listo de Scaggs se cuidó de acreditar el tema a su creador, lo que originó conflictos de derechos y una rectificación más adelante. Robinson, que tampoco era tonto, recuperó el tema para este disco, sin duda su trabajo más logrado, en el que estuvo acompañado por el también magnífico Mighty Joe Young, de quien ya hemos hablado en el blog hace tiempo y que ha sido acompañante de grandes como Otis Rush o Magic Sam. Excelente también la sección de vientos, con unos arreglos en su justa medida. Y bueno, yo ya te he puesto en la pista, si tienes tiempo, paciencia e interés te animo a que investigues un poco la vida de este hombre de voz melosa y guitarra afilada, te llevarás alguna sorpresa. ¡Salud!

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Eddie Hinton - A Mighty Field of Vision - The Anthology 1969-1993

2011-08-21T13:24:00.005+02:00

2005. Excelente recopilatorio de otro de esos tipos que han ido quedando olvidados en un rincón del tiempo a pesar de su excelente (aunque escasa) discografía y del relativo interés que se despertó a partir de su muerte en 1995.

Me puso tras su pista el insigne PolloMike de El Corral del Pollo. Por entonces no tenía yo la suerte de conocer a este Hinton, para algunos el Otis Redding blanco. Como bien puntualizaba el compañero bloguero ese apelativo es una chorrada como una catedral, pero ya sabéis, cosas del márketing. Si bien tiene una voz apasionada es bastante improbable que nos volvamos a echar a las orejas un tipo del nivel de Otis. También es verdad que las influencias de Hinton son más variadas y que sus comienzos como músico de sesión y compositor en la Muscle Shoals Sound Rhythm Section le dan un bagaje muy diferente. No me voy a enrollar más, si se os da bien el inglés echadle un ojo al artículo de abajo, muy completo e ilustrativo. Recomendadísimo. Gracias Pollo, ¡Salud!

Edward C. "Eddie" Hinton (1944-1995) was a guitarist and singer-songwriter whose career spanned the most vital part of the soul music era in Muscle Shoals. In the late 1960s and early 1970s, Hinton, who was white, participated in many recordings with black soul artists from Aretha Franklin to the Staple Singers to Percy Sledge. As a singer, Hinton is regarded among blues and soul aficionados as one of the great "blue-eyed soul" singers. As a guitarist, Hinton's playing reflects an authentic Delta blues style. Hinton often wrote in collaboration with Muscle Shoals composers such as Donnie Fritts, Marlin Greene, and Dan Penn. A Muscle Shoals session musician from 1967 until his death in 1995, Hinton also was the lead guitarist with the Muscle Shoals Rhythm Section in the early-to-mid 1970s.

Eddie Hinton was born in Jacksonville, Florida, on June 15, 1944, to Laura Deanie and Horton C. Hinton. Hinton's parents divorced in 1949, and he and his mother moved to Tuscaloosa, Tuscaloosa County, where his mother married Paul Perkins some years later. Eddie had a close bond with grandfather Pryde Edward Hinton, a Church of Christ preacher, and later incorporated religiously inspired oratory into his music, notably in his song "Dear Y'All."

Eddie showed a musical aptitude as a child and learned to play guitar and sing, being inspired by teen singing idol Ricky Nelson. Eddie played basketball in high school and became a fan of the University of Alabama's Crimson Tide football team. He attended the University of Alabama for three years but withdrew when his musical pursuits beckoned. He had a natural gift for music and played drums and guitar equally well. He played in the Tuscaloosa area in the 1960s with a number of bands, including The Spooks and The Five Minutes. Among the players in the latter group were Johnny Sandlin (drums), Paul Hornsby (keyboard), and Paul Ballenger (guitar), who would later form a publishing partnership with Hinton. Hinton replaced Ballenger and guitarist Charlie Campbell in the newly reformed Five Minutes in 1965, and the band subsequently reformed again as Hour Glass, absorbing Duane and Gregg Allman into the line-up. When Hour Glass signed with Liberty Records and spent a year in Los Angeles, Hinton decided to remain behind to work in the recording scene in Muscle Shoals. Hinton began to record and produce for several recording studios in the Shoals, particularly Quin Ivy's Quinvy Studio in Sheffield, where Hinton and Marlin Greene wrote and produced songs for soul artists Don Varner and Bill Brandon on Quinvy's Southcamp imprint. When Duane Allman returned to the Shoals from Los Angeles in 1968, he and Eddie shared an apartment. Hinton's production work at Quinvy Records drew upon a blend of soul and blues styles that became quintessentially part of the so-called Muscle Shoals "sound," exemplified in Hinton's work with the Staple Singers and the Muscle Shoals Rhythm Section (MSRS).

In 1969, Hinton collaborated with Johnny Sandlin on a project that included Duane Allman, the Muscle Shoals Rhythm Section, and the Memphis Horns. The record was released under the title The Duck and the Bear and has come to be considered a seminal recording in the southern rock genre. Hinton also was closely associated with the burgeoning southern rock scene centered around the Allman Brothers Band, formed by the brothers that same year. He was asked by guitarist Duane Allman to join the band but declined the offer and remained a session musician in Muscle Shoals. During Hinton's career in Muscle Shoals, he worked on recordings by Percy Sledge at Quinvy and with Otis Redding and Arthur Conley at FAME Studios. As a solo artist, Hinton released a single on Pacemaker Records (1969) featuring an original titled "Dreamer," and after April 1969 became a mainstay atMuscle Shoals Sound Studio in Sheffield. There, Hinton contributed to sessions with the Staple Singers, Cher, Lulu, Johnnie Taylor, Bobby Womack, Ronnie Hawkins, R. B. Greaves, Wilson Pickett, Joe Tex, Johnny Jenkins, Herbie Mann, Arif Mardin, Don Covay, Solomon Burke, and Boz Scaggs.

Hinton recorded as part of the MSRS at Atlantic Records in New York, playing on Aretha Franklin's 1970 album This Girl's In Love With You. That same year, Hinton played with the MSRS on Laura Nyro's albumChristmas and the Beads of Sweat (1970). Beyond his exemplary work with the Staple Singers, Hinton played on William Bell's Wow (1970), Elvis Presley's Elvis Country (1971), and Johnnie Taylor's Tailored in Silk(recorded between 1971 and 1973), Hinton fronted the MSRS on the Chuck Berry classic "Too Much Monkey Business" recorded in 1971 for a never-released MSRS project on Island Records.

An important songwriter and musical collaborator, Hinton co-wrote, with Marlin Greene, the southern soul classics "Cover Me" (1967) and "It's All Wrong But It's Alright" (1968) for Percy Sledge, and "Down In Texas" for Don Varner (1967). Eddie and Paul Ballenger produced Don Varner's cover of the Dan Penn and Spooner Oldham song "Power of Love," which became a hit for Hour Glass in 1968. With Donnie Fritts, Hinton composed "Breakfast in Bed" for Dusty Springfield (1969), "Choo Choo Train" for the Box Tops (produced by Dan Penn in 1968). Hinton contributed his song "Three Hundred Pounds of Hongry" to Tony Joe White's The Train I'm On (produced at Muscle Shoals Sound in 1972), and his songs "Can't Beat the Kid" and "Every Natural Thing" for John Hammond's Muscle-Shoals album Can't Beat the Kid (1975) and Hinton also contributed "Just a Little Bit Salty" to Bobby Womack's Home is Where the Heart Is, recorded at Muscle Shoals Sound Studio in 1976. In 1977, Hinton recorded a solo album, Very Extremely Dangerous, at Muscle Shoals Sound Studio; it was produced by Barry Beckett for the Capricorn label and included a strong set of original songs as well as collaborations with Dan Penn and Donnie Fritts.

Hinton lived in Macon, Georgia, in the early 1980s, fronting a band called the Rocking Horses. The band drew its repertoire from Hinton'sVery Extremely Dangerous album and also wrote and played some new material. Hinton recorded six songs under producer Jimmy Johnson's direction at Muscle Shoals Sound Studio in 1982 that were released as an album in 1986 under the title Letters from Mississippi. The album circulated under the Rounder and Mobile Fidelity imprints and garnered a great deal of insider interest. Hinton made two more albums for Bullseye: Cry and Moan (1991) and Very Blue Highway (1993), recorded at Birdland Studio in Town Creek, Lawrence County.

In the early 1990s, Hinton moved to Birmingham and was living there when he suffered a heart attack and died on July 28, 1995. He was buried in Tuscaloosa. Since Hinton's death there has been much retrospective interest in his musical legacy. Johnny Sandlin produced an excellent compilation of never-released tracks titled Hard Luck Guy (1999) and British producer Peter Thompson has compiled three albums of Eddie's unreleased music, accompanied by the MSRS and others. Hinton remains one of the true innovators in the Muscle Shoals music legacy. In 2001, Hinton was awarded a bronze star and recognized as a music achiever by the Alabama Music Hall of Fame.

Peter B. Olson

University of Memphis and Mississippi State University

(extraído de aquí)

Para ampliar la información podéis entrar AQUÍ, listado de todas las sesiones del bueno de Eddie.

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Buddy Guy - Hold That Plane!

2011-08-12T11:46:00.000+02:00

1972. Vale, de acuerdo, no es el mejor disco de Buddy Guy, pero tampoco se entienden las pobres críticas que te encuentras por la red comentando este lanzamiento. Sospecho que algún "crítico" ni siquiera lo ha escuchado, la verdad. En fin, que aquí tenemos lo último que grabó Buddy con Vanguard, en 1970, aunque no vio la luz hasta dos años después. Un notable LP, en mi modesta opinión, del tipo con el que se mataban por tocar Page, Clapton o Hendrix, quizá el mejor guitarrista vivo de blues y uno de los 5 más grandes de la historia. Lo dicho, a la mierda los juicios previos, opina por ti mismo. ¡Salud!

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PD: Hay un error en la lista de canciones del CD, "My time after a while" es el último tema, no el cuarto. Cosas de las reediciones...

Scott H. Biram - Something's Wrong / Lost Forever

2011-08-09T13:06:00.000+02:00

2009. Ahora que anuncia la edición de un nuevo álbum para octubre de 2011 me apetece recordar el último disco de esta One Man Band, el fantástico "Something's Wrong / Lost Forever". Seguramente sea su disco más accesible, así que también supongo que es un buen punto de partida para aquellos que no le conozcan.

Tras varios discos editados de manera independiente y un accidente que casi acaba con su vida Scott H. Biram ficha por Bloodshot Records y por fin empieza a tener algo de la repercusión que merece su propuesta, una amalgama de blues, country y punk tocada únicamente por él mismo, salvo la ayuda ocasional de otros músicos en el estudio. Música cruda y salvaje, despojada de todo artificio, de un tipo que parece de vuelta de todo y de hecho lo más seguro es que lo esté. Se le espera con ansia. ¡Salud!

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Elf - Elf

2011-08-08T12:29:00.002+02:00

1972. Después del enorme vacío que nos dejó la muerte de Ronnie James Dio (Ronald Padavona) los fans del pequeño gran hombre no nos olvidamos de él y cada poco tiempo regresamos a algún punto de su longeva carrera para rendirle nuestro sencillo y personal tributo, consistente simplemente en reescuchar una y otra vez sus muy variados discos. Su historia es más que conocida pero me apetecía comentar lo paradójico de que uno de los cantantes más reconocibles y alabados del hard rock y el heavy metal empezara su carrera como bajista, los caminos del señor son inexcrutables, amigos. Tras varios grupos y numerosos cambios de formación y denominación se hizo cargo también de las voces, aún sin abandonar el bajo, al menos hasta este disco.

Elf provienen de manera casi inalterada de la banda The Electric Elves, que más tarde pasó a llamarse The Elves y por fin acortó su nombre al Elf que todos recordamos. Ni qué decir tiene que la escasa estatura de sus miembros algo tiene que ver con su nombre, vamos que muy altos no eran los amigos, no.

También es más que conocido el hecho de que telonearon a Deep Purple y el bueno de Ritchie Blackmore se encaprichó de la voz de Ronnie, fichó a toda la banda para la grabación de su primer álbum en solitario (Ritchie Blackmore's Rainbow) previa patada al guitarrista para finalmente echarlos a todos excepto a Dio, que le acompañó en los 4 primeros y mejores discos de Rainbow (3 de estudio y un directo).

No podemos culpar al pequeño Padavona por dejar a sus antiguos compañeros a un lado para seguir en compañía del irascible Blackmore, que desde luego le ofrecía unas posibilidades de futuro a su carrera que difícilmente hubiera siquiera soñado con los elfos. Antes de todo esto de Rainbow también participó en el extraño "Butterfly Ball" (1974) de Roger Glover, el bajista de Deep Purple que junto a Ian Paice (el eterno baterista de DP) produjo este disco.

Pero bueno, volviendo a lo que nos ocupa, Elf grabaron 3 discos de estudio bajo este nombre, discos que permanecen como ejemplo perfecto de elegante y maravilloso hard rock setentero, como este impecable debut homónimo. Para el segundo álbum Ronnie se deshace del bajo y concentra todas sus fuerzas en la parte vocal, algo que ya hacía en estudio pero se hacía más difícil de compaginar en directo. Pero bueno, esa ya es otra historia. ¡Salud!

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Old Crow Medicine Show - Tennessee Pusher

2011-07-28T11:55:00.000+02:00

2008. Último disco hasta la fecha de Old Crow Medicine Show, que ya pasaron hace cosa de un año por aquí. En estos tres años de sequía discográfica han seguido girando y varios de sus miembros han publicado discos en solitario, por lo que no se puede decir que estén en el dique seco. El disco fue producido por (el puto) Don Was, algo que quizá explique su tono más pausado y tranquilo que los anteriores. Colaboran dos monstruos como Jim Keltner y Benmont Tench, lo que demuestra el respeto con el que empiezan a contar en la profesión. Esperemos que más pronto que tarde nos ofrezcan material nuevo y no se deshagan, como tantos otros, como azucarillo en el café. Lo tienen todo para triunfar, sólo falta que los dioses se pongan de su parte. ¡Salud!

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Mother Superior - The Heavy Soul Experience of Mother Superior

2011-07-27T11:36:00.001+02:00

1996. Fantástico primer largo de este trío que ya nos visitó hace unos años. No hay mucho que añadir al hecho ya sabido de que es una de esas bandas enormes que nunca han llegado a disfrutar del éxito que merecen. A estas alturas de la película, para qué nos vamos a engañar, dudo que alcancen un estatus mayor y pasen de ser una banda admirada por iniciados y compañeros de profesión a tener el favor del público, pero eso no hace si no darle más valor a su propuesta. Lo dicho, gran banda a la que volveremos cada cierto tiempo para disfrutar de su sabrosa mezcla de estilos y su personalísima forma de entender la música. Echadle un oído también a sus colaboraciones con otros artistas, no desmerecen. ¡Salud!

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Frankie Miller - ...That's Who! - The Complete Chrysalis Recordings (1973-1980)

2011-07-25T11:29:00.002+02:00

2011. Bueno, supongo que muchos conocéis a este señor así que me voy a limitar a poner un texto de su página oficial y a comentar simplemente que esta antología es un acto de justicia para con este artista, bastante olvidado e infravalorado como pocos. Se reúne toda su producción setentera que además es la de mayor calidad en su lamentablemente corta carrera. También es una forma muy económica de hacerse con sus discos (15 euros de nada, andar pirateando esto es tontería y además bastante miserable, pero tú mismo), algunos de los cuales estaban a precios prohibitivos para quienes intentamos limitar lo suficiente nuestro gasto en música con el fin de poder seguir comiendo el resto del mes... La única pega que se le puede poner al pack es la escueta presentación, que se limita a 8 páginas con los créditos y en la que se echa en falta una pequeña biografía. Desde 1994 Frankie vive apartado de la vida pública tras sufrir una hemorragia cerebral de la que no se ha recuperado convenientemente. Ojalá pudiéramos verle de nuevo en activo. Si te van los Joe Cocker o Rod Stewart de los buenos tiempos no te lo dejes pasar ¡Salud!

FRANKIE MILLER…THAT’S WHO!

THE COMPLETE CHRYSALIS RECORDINGS (1973-1980)

“The only white guy that’s ever brought a tear to my eye…he was that good.” Rod Stewart

Frankie Miller...That's Who! collects together the seven studio albums that Frankie recorded for Chrysalis Records between 1973 and 1980. Having collaborated with, or had his songs covered by, artists as diverse as Thin Lizzy, UFO, Robin Trower, Ray Charles, The Eagles, Bob Seger and Cher, among many others, this versatile singer and songwriter has successfully applied himself to everything from soul and blues, to hard rock and country, all with equal aplomb.

This collection kicks off with his 1973 debut, Once In A Blue Moon, an album that firmly established the Glaswegian's songwriting and singing credentials, ably backed by Brinsley Schwarz. His 1974 follow up, High Life, was apparently remixed and released by Chrysalis without Frankie, or producer Allen Toussaint's consent; this four disc set includes the whole of the previously unreleased original mix, available for the first time. 1975’s The Rock, inspired by Alcatraz prison close to where the album was recorded in San Francisco, was produced by Elliot Mazer, famed for his work with Neil Young and Joni Mitchell, among others. The album features two of his best know tracks, ‘A Fool In Love’ and ‘Ain’t Got No Money’.

1977’s Full House was produced by Chris Thomas (Sex Pistols, Roxy Music, Pink Floyd), and features his singular take on John Lennon’s ‘Jealous Guy’, as well as songs with long term collaborators Robin Trower and Free’s Andy Fraser.

With Jack Douglas at the helm, the harder rock of 1978’s Double Trouble, should come as no surprise, not least for a guest appearance from Aerosmith’s Steve Tyler, as well as a fruitful writing partnership with Paul Carrack (Ace, Squeeze & Mike + The Mechanics). 1979’s Falling In Love (titled A Perfect Fit for its American release) features Frankie’s biggest hit single, ‘Darlin’’, as well as his buoyant cover of Bob Marley’s ‘Is This Love’. 1980’s Easy Money was his last long player for Chrysalis, bringing this set to a close. Also included, available on CD for the first time, are single edits for ‘Loving You Is Sweeter Than Ever’ and ‘I'm Old Enough’, and ends with his version of Randy Newman’s ‘Sail Away’.

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Saint Jude - Diary of a Soul Fiend

2011-07-14T12:15:00.000+02:00

2010. Interesante primer lanzamiento de esta banda británica, publicado a mediados de 2010 y que nos llegó avalado por quizá unas demasiado entusiastas críticas y la producción y bendición del afamado Chris Kimsey. Lo cierto es que su propuesta dista mucho de ser original e instantáneamente la asociamos a los Big Brother & The Holding Company de Janis Joplin, a clásicos modernos como The MotherStation o los más recientes Grace Potter and The Nocturnals si nos guiamos por la voz femenina o a The Black Crowes o Cry of Love si ampliamos la mirada, pero a pesar de lo poco que aporta el disco al género la factura es impecable, si bien como digo es más un ejercicio de estilo que otra cosa. También, no nos vamos a engañar, el hecho de tener una cantante guapetona les ha ayudado a la hora de ganar atención, que ya somos mayorcitos y sabemos de qué va la vaina. Rock clásico con tintes soul que no te va a cambiar la vida pero te hará pasar un rato entretenido. Tampoco pierdes nada por probar... ¡Salud!

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Clutch - From Beale Street to Oblivion

2011-07-13T11:21:00.003+02:00

2007. La primera vez que me enfrenté a este disco casi me caigo de culo. Qué cosa más tremenda, señores. Parece mentira que una banda con 7 discos anteriores llegue al octavo y destape el frasco de las esencias de esta manera, publicando un disco que roza la perfección y que sigue siendo, en mi humilde opinión, su mejor trabajo. Riffs tremendos, enormes melodías, breaks impactantes y una fuerza en los temas que no se ve muy a menudo. Su sonido está a medio camino entre el stoner rock y un blues rock endurecido que paga tributo a los clásicos, como en la fantástica "Electric worry", basada en el "Worried life blues" de Big Maceo. El disco suena como un cañón, y es que no podía ser de otra manera con Joe Barresi a los controles, un tipo que ha sido ingeniero en los mejores discos de Kyuss no se puede equivocar demasiado. Mantienen desde sus comienzos la misma formación (Neil Fallon, Tim Sult , Dan Maines y Jean-Paul Gaster), a la que se sumó en este y el anterior disco el teclista Mick Schauer. Si aún te corre sangre por las venas estoy seguro que te gustará. ¡Salud!

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Grant Green - Am I Blue

2011-07-07T20:08:00.002+02:00

1963. Bueno, no os voy a engañar, no es ni de lejos uno de los mejores discos de Grant Green, pero lo estaba escuchando esta mañana y me he dicho "para el blog".

Este "Am I Blue" nos muestra otra de las múltiples facetas de Grant Green en un disco atmosférico, nocturno y relajado, en el que todo está al servicio de la cálida guitarra de Green. Esto último no es decir poco, ya que está acompañado por un cuarteto de lujo, de esos que cuando ves la portada y lees los nombres se te hace la boca agua. Johnny Coles (tp), Joe Henderson (ts), John Patton (org) y Ben Dixon (dm) - ahí es nada - acompañan de manera comedida a Grant (g) en un disco que podríamos decir que es "fácil" para el profano y que resulta ser una excelente manera de adentrarse en el universo jazzístico. A destacar la extensa pieza final de 14 minutos que se hacen hasta un poco cortos. Ah, lleva el sello RVG, como es costumbre en la casa. Pues eso, para que os hagáis una idea... ¡Salud!

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Mumford & Sons - Sigh No More

2011-06-26T12:15:00.001+02:00

2009. Volvemos después de una ausencia más prolongada de lo deseable y volvemos con Mumford e Hijos, banda inglesa (formada en 2007) de lo que podríamos llamar indie folk que poco a poco ha ido ganando adeptos y reconocimiento, amén de sustanciosas ventas. El disco lo publicaron originalmente en UK a finales de 2009 pero ha ido cogiendo rodaje durante 2010 e incluso aún en 2011 han sacado nuevo single. Esta versión que tengo entre manos se publicó a finales de 2010 y contiene, aparte del disco original, un segundo CD con casi todos los temas en directo y un DVD con una especie de documental de gira, además de una excelente presentación. Ni es nada nuevo ni descubren la pólvora, pero suenan tan bien... Me limito a poner el enlace a Spotify para que juzguen ustedes mismos si aún no los conocen. Salud!

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Mississippi Mudsharks - The Train Rolls On

2011-06-16T12:18:00.002+02:00

2006. Pues tendríamos que haber hablado de este disco hace mucho tiempo, pero ya veis que lo mío no es la actualidad. Autodenominados como "Grease Punks", más una manera de definir su actitud que su música, que la podríamos englobar en lo que se da en llamar American Roots Music, los amigos de Mississippi Mudsharks tienen una historia repleta de cambios de formación. A partir de su segunda reencarnación abrazan un sonido sucio y pantanoso, con los pies firmemente anclados en el blues pero tirando de ritmos hipnóticos de inspiración vudú y sobretodo mucha actitud. Son tipos que llevan 2 décadas pateándose los más sórdidos garitos de la América profunda pero que por fortuna se han hecho alguna visita a Europa como en la que nos deleitaron hace 2 o 3 años, no recuerdo bien. Os pongo abajo la historia de la banda sacada de su página web. Si me aceptáis el consejo, haceos con este disco cueste lo que cueste, lo agradeceréis. ¡Salud!

Playing in bands since the age of sixteen, Scottie "Mad Dog" Blinn cut his teeth with legendary San Diego bluesman Tomcat Courtney in the late '80's. By 1992, at the age of 23, Blinn hooked up with drummer Tom Essa, who was drumming for the rock band Natashia's Ghost. With bassist Mike "Sandalwood Haze" Jones joining up, they formed the Mississippi Mudsharks, a hard rockin' blues band that took the San Diego scene and developed a young, loyal following.

By 1994, the Mudsharks were gigging 300 nights a year, and put out their first CD "Workin' For Nickels And Dimes", and opening for every major blues headliner coming through town. What really set the band apart in the blues scene was the energy coming off the stage at every show, the "we don't give a fuck if it's too loud" attitude, and the effort they put into writing original songs.

With all the hard work paying off, the band was touring the southwest and California regularly, the European market was taking notice, and they were opening shows for the likes of Buddy Guy, George Clinton And P-Funk, Dick Dale, and Willie Nelson. Even Brian Setzer and Clarence "Gatemouth" Brown would drop by to sit in! But the highlight was getting to hang with ZZ Top several times, including a night where Blinn and "idol" Billy Gibbons pulled an allnighter in Dallas, Texas, talking cars, guitars, blues, and playing guitar.

By 1996, the Mississippi Mudsharks were on their way to Europe, where their first CD hit #1 on the CrossCut Records Blues Charts. Following up the tour, they returned home to record their second CD, "Traditional Heavy". This CD also hit #1 on the CrossCut Blues Charts, and by 1997 the band received the honor of receiving their third straight San Diego Music Award for "Best Blues" ('95, '96, '97).

1998 brought more of the same for the Mudsharks, with touring and more recognition in Europe, ranking #2 at the Cologne, Germany's "Talkin' Blues Show".

By 1999, everyone wanted to go in different directions. They put out one more CD, the live "Whatcha Hear Is Whatcha Get", and toured Europe one more time. Blinn also formed a new hard rockin' trio , The Tiki Torchers, with former "Hooters" drummer Dave Uosikkinnen and Tim Butler (Hot Rod Lincoln) on bass. They put out the CD "Hoodoo Charm". Blinn's efforts earned him San Diego Music Award nominations for "Best Blues" with the Mudsharks, "Best Blues CD "with the Tiki Torchers, and "Artist Of The Year" the same year. "Hoodoo Charm" went to #4 on the CrossCut Blues Chart, following Stevie Ray Vaughan & Albert King, Rory Gallager, and Luther Allison.

After a 2001 European tour with The Tiki Torchers, Blinn hooked up with old friend and former harmonica player for Social Distortion, Eric "Jailhouse" Von Herzen, and formed "Mississippi Mud".

This proved to be a great turning point in the musical direction of the band. After three European tours and two CD's, "Mississippi Mud" (2002, nominated "Best Blues Album at the SDMA's), and the EP, "The Hangin' Tree" (2004), Blinn and Von Herzen had planted the seed for a "new sound" they coined "Grease Punk".

After a serious illness sidelined "Jailhouse" in 2005, Blinn regrouped with original Mudshark drummer Tom Essa, and bassist "Big" Mike Lars. The Mississippi Mudsharks were back! 2006 brought a new CD of originals, "Train Rolls On", which hit #3 on the CrossCut Blues Charts, was nominated for "Best Blues Album" by the San Diego Music Awards, and has received great reviews for it's hard edged roots/punk sound. The band immediately went on a festival and club tour in Europe for two months to support the CD, and came home fired up.

2007 had the boys at it again with a Summer European Tour, hitting Germany, Belgium, Holland, and Switzerland for festival and club dates. The tour was probably the best yet, hitting hard and groovin' their

European friends and fans at packed shows night after night.

2008 started off on a high note with the return of Eric Von Herzen on harmonica and vocals (fresh off of playing with Social Distortion on the So. Cal. leg of their tour), and Greg "Whiskey Willy" Willis on bass (both of "Missisippi Mud"). A new CD titled "Voodoo Doll" was recorded, and the band hit the roadon an extensive 8 week European tour to promote it. One of the main highlights was opening for one of "Mad Dog's"favotrite bands, "Tito & Tarantula" at the Rockhouse in Salzburg, Austria.

2009 brings the release of "Voodoo Doll", with special guests such as Jonny "Two Bags" Wickersham(Social Distortion), Joey Harris (The Beat Farmers), and Tim Butler (Hot Rod Lincoln). Also, the return of "Big" Mike Lars on bass/vocals!

With a new booking agency on board (Teenage Head Music, Belgium), the Mississippi Mudsharks will be hitting the road from September-October, breaking new ground in Spain and France.

~~The Mississippi Mudshark's Sound~~

Although steeped in Traditional Blues and American Roots music, the Mississippi Mudsharks were never ones for being pidgeon-holed into any one catagory. They've always approached their music with a great sense of originality and cross-over appeal. "Grease Punk" is the term they've coined to describe their blend of Traditional Blues, Country, and Surf, done with a "fuck you" attitude.

Eric "Jailhouse" Von Herzen got his nickname directly from Mike Ness of Social Distortion...for obvious reasons going back to his younger, wilder days. Von Herzen's harmonica swings from dark and melodic, to a full steam rollin' freight train that'll knock you on your ass and keep on going.

The driving force behind the band's sound comes from Tom "Sleepy T" Essa on the drums. Solid and hypnotic, Essa lays down the foundation for eveyone else to build upon. He is the backbone, and a show unto himself.

Layin' down a groove on the bass that's 4 lanes wide is "Big" Mike Lars. Mike is as cool to watch as he is to listen to. And his tone and attack is as big as he is.

Scottie Blinn's aggressive guitar style, gravely vocals, and propensity for putting drunk patrons in their place, earned him the nickname "Mad Dog" by partner Eric "Jailhouse" Von Herzen. He approaches the Blues, and all Roots styles, with that same aggressive attitude that'll sock you in the gut every time.

With their roots firmly planted, these guys blur the lines between American Roots, Rock, and Punk with an original sound all their own. Blinn likes to compare it to his '52 Chevy..."flat black on the outside, but a souped up 350 under the hood and loud-ass lakespipes off the sides." Dark, Greasy, and Raw... The Mississippi Mudsharks.

http://www.doublebarrelrecords.com/Home.htm

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Lou Rawls - Black and Blue / Tobacco Road

2011-06-01T11:56:00.001+02:00

1962-1963. Escuchando estos dos discos, de lo mejor que publicó Lou Rawls, uno puede sentir como la atmósfera se torna densa y todo se llena de humo. Te transportas a un oscuro garito donde ocasionalmente un choque de copas y algún comentario al oído acompaña, como un susurro, esta música deliciosa. Pero no nos pongamos poéticos y vayamos al lío.

Este CD recoge los que fueron el segundo y tercer disco de Lou Rawls, excepcional cantante alabado por el mismísimo Frank Sinatra, y que también tuvo su pequeña carrera como actor. Si bien tuvo algún éxito de manera esporádica (nunca masivo) lo cierto es que no tiene el reconocimiento que sin duda merece, a pesar de seguir grabando hasta poco antes de su muerte en 2006. Se cruzó también con Sam Cooke, metiendo coros en algún tema de DIOS, que es como conocemos en la familia a Cooke, y le puso voz a personajes de animación. Un todoterreno, vaya. Y poco más os cuento, acojonantes versiones y un plantel de músicos que quita el hipo, músicos comandados por Onzy Matthews, que se encarga de la dirección musical y los arreglos. Absolutamente recomendado. ¡Salud!

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Fuzz - Uno

2011-05-19T12:11:00.001+02:00

2007. Llevaba un tiempo queriendo hablar de este grupo que me descubrió el amigo Pablo Poveda hace unos años y creo que ahora que están a punto de publicar su segundo álbum es el momento de comentar el que fue su debut. Fuzz lo formaron en 2006 tres músicos provenientes de otras bandas, a saber: Frankie, voz y guitarra, fue miembro fundador de Sugarless; Pablo Rodas, bajo, estuvo con Sex Museum más de 10 años y Charlie Sánchez, batería y técnico de sonido de unos cuantos grupos, que fue reemplazado antes de la salida al mercado del disco por Juli "el Lento", extraordinario batería que ha tocado con decenas de bandas que sería largo enumerar. Excelente hard rock de corte setentero, con letras en castellano y un poso stoner más que marcado. Un power trio con las ideas claras de los que esperamos grandes cosas en un futuro muy cercano. Así sea. ¡Salud!

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The Count Bishops - S/T

2011-05-06T11:55:00.003+02:00

1977. Si hubo algún grupo capaz de cuestionar la supremacía de los Dr. Feelgood en los terrenos de R&B y el así llamado Pub Rock en los años 70 estos fueron los fantásticos The Count Bishops (más adelante conocidos simplemente como The Bishops). Con este primer largo se ponían como digo casi a su altura, pero lo cierto es que llegaron unos años más tarde que los maestros.

Aunque no hay que desdeñar la influencia del estilo que practicaban en el advenimiento del punk rock la verdad es que fueron años duros para aquellos que no se subieron al carro punkarra, si bien gozaban del respeto de estos, respeto que no tenían músicos de otros estilos y generación. Pero claro, sólo ver las pintas y la actitud de la banda te das cuenta que se hubieran "merendao" a cuanto punk se les pusiera en el camino.

Este que os propongo es el debut de la banda, grabado en 1977 para Chiswick y reeditado en CD por Ace Records en 2005, un fantástico álbum de Rhythm & Blues, Rock y unas gotas de Power Pop que además cuenta con la colaboración en un tema del gran Jools Holland, por entonces en Squeeze. Tremendo disco. ¡Salud!

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Langhorne Slim & The War Eagles - S/T

2011-05-01T12:37:00.004+02:00

2007. Penúltimo álbum de Langhorne Slim, que además es mi favorito y el disco con el que les conocí. Estos dos hechos suelen ir de la mano, ya sabéis, el que golpea primero golpea dos veces. La banda está formada por Sean Scolnick (alias Langhorne Slim), Paul Difligia y Malachi De Lorenzo. Sean procede del pueblo del que sacó el nombre de la banda y el suyo propio, Langhorne, en Pensilvania. Tras algún lanzamiento independiente forma estos The War Eagles y fichan por Narnack, más tarde por la defunta V2 Records y con Kemado Records para este segundo largo con el que adquieren cierta fama y repercusión. Esta bien merecida fama les lleva a actuar en el programa de David Letterman o en los festivales de Newport o Lollapalooza, además de girar con The Avett Brothers, Drive-by Truckers o Josh Ritter. Hablando de Josh Ritter, su teclista mete piano, teclados y acordeón, además de co-producir este disco. En materia estilística, la banda se mueve entre el neo folk y el alt. country, todo ello pasado por el tamiz de la peculiar voz nasal de Sean. Pégale una escucha, que merece la pena. ¡Salud!

Outside of Philadelphia I was born and raised, and in the playground I spent quite a few of my younger days. At the time I had a preference for brunettes but years pass and we change. When my tendencies turned toward blondes I began to hear the call of the big rotten apple and at eighteen, away I went. Gone were the lonely, sweaty summer nights of PA. The crickets were still cricken’ but not in my ears. I was in New York and I was looking for action. Some crave love, some seek danger but I was on the hunt for open mics and not to brag—I found ‘em. In a section of the city once referred to as alphabet on the lower east side there lurks a lot of white guys with acoustic guitars. This minor mass of songsters would meet one, two and sometimes three times a week in the back of bars, smoking, drinking and sharing with each other our newest creations. It was there that I met some good friends and came of age beginning to play my own shows and tour.

In 2004, I met Malachi DeLorenzo and Paul Defiglia (aka “The War Eagles”) and we recorded our first full length, When the Sun’s Gone Down, for Narnack Records. A stone was stepped and two years later we were offered a deal to record with the now-defunct V2 Records. With an EP released (Engine, produced by Brian Deck) and a full-length recorded, we were feeling good. Then, one sunny day hanging out with Grandmom May and Grandpop Jack, the call came that V2 was no more. It was time to start looking for a new home.

The next thing you know we are shooting pool and sipping on Jameson down in the East Village with Kemado Records. I had found that home for myself as well as my new record, the record that we had made at Sam Kassirer’s (keyboard player for Josh Ritter) Great North Sound Society Studio in Maine. It is now time, with great pride and immense relief that we detach our claws and send this sucker out there into the world.

I’m not sure that there’s any other kind, but the songs I write are love songs. Some are literal, about specific events, people and relationships in my life; a form of therapy, self-help for the flowers and the shit along the road of life. Others come from a place far more mysterious. Either way, I’m in it to capture the feeling, the truth of an emotion, changing only names and events to protect the innocent. At the moment, my favorite songs on the album are “Diamonds & Gold”, “Spinning Compass” and “Restless.” Some came out of the blue, others took some sweat but if the feeling’s there, then you’ve got something and it don’t make a damn difference how it happened. I hope that you feel it.

This collection of songs represents our most comfortable, cohesive and soul-shaking music to date. It has been a great pleasure for me working with Sam, Malachi and Paul on this. And after all the good, bad and not so pretty all I can say is—please enjoy.

Love and Peace, Langhorne.

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4º aniversario

2011-04-28T12:14:00.000+02:00

Bueno, pues se me ha pasado otra vez. El pasado 22 de Abril este blog cumplió 4 añitos en la red. Gracias a todos los que habéis pasado en este tiempo y.. seguimos para bingo. Nos vemos en el quinto. Abrazos!

Black Joe Lewis & The Honeybears - Tell 'Em What Your Name Is!

2011-04-21T13:45:00.001+02:00

2009. Hablamos hace unas semanas del EP debut de esta gente así que ya toca este primer LP, uno de los hallazgos de ese 2009 que se nos aleja aceleradamente. Tampoco hay mucho que decir, aquí encontraréis más o menos lo mismo que en ese EP, obviamente en mayor cantidad. Temazos hay unos cuantos, "Gunpower", "I'm Broke", "Boogie", Bobby Booshay"... que se alternan con intensos medios tiempos como "Big Booty Woman" o "Master Sold My Baby". Gran disco y gran banda para pasar un buen rato y mover la patita. ¡Salud!

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Van Morrison - Tupelo Honey

2011-04-12T19:51:00.001+02:00

1971. Quizá no sea el mejor, tampoco es el más conocido ni el más exitoso, pero este quinto álbum, vaya usted a saber por qué, es uno de mis favoritos del de Belfast. Por lo visto su intención original era grabar un disco de country pero lo cierto es que la personalidad y forma de hacer las cosas de Van Morrison está por encima de etiquetas. ¿A qué suena? Pues suena a Van The Man es su mejor época, un artista que de aquella, y durante mucho tiempo, estuvo en estado de gracia. Todo lo que grababa era excelente. Aquí alterna canciones digamos que directas con maratones donde se explaya y se gusta, temas de inacabable crescendo que, paradójicamente, a veces saben a poco. Como de costumbre le acompañan auténticos musicazos entre los que cabe destacar, por su fama posterior, al guitarrista Ronnie Montrose, que también se encarga de la mandolina. Y eso os cuento, todo con sus habituales aires "camperiles" que te harán pasar un rato bien entretenido, oye. Un disco a recuperar. ¡Salud!

Acojonante, este disco no está en Spotify. Ahora vas y lo cascas... :))

Jimmy Cliff - The Harder They Come (OST)

2011-04-05T11:09:00.001+02:00

1972. Venga, nos hemos levantado de buen rollo. El disco de hoy es la banda sonora de la mítica película de Perry Henzell "The Harder They Come", protagonizada por el propio Jimmy Cliff y que además de ser un excelente recopilatorio reggae también fue una de las responsables de la popularización del género más allá de Jamaica. Aparte de canciones del propio Cliff aquí encontraréis a lo mejor de cada casa, temas de DJ Scooty, The Maytals o Desmond Dekker que, con el "acompañamiento adecuado" (ya me entendéis), te acercarán un poquito a Jah. Vale, todo esto es una gran tontada de un servidor, pero te aseguro que a poco que te guste el género este disco te pondrá de un buen rollo importante. Escapa un rato de las prisas y el ruido y deja Babilonia al cadencioso ritmo que marcan estos amiguetes. ¡Salud!
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V.A. - New Orleans Funk Experience

2011-03-27T12:20:00.002+02:00

2010. Temendo este recopilatorio que pillé hace unas semanas, incontestable reunión de lo más granado de la escena funkorra de Nueva Orleans, principalmente de finales de los años 60. Bueno, en honor a la verdad aquí encontramos también soul, rhythm and blues y rock'n'roll, pero siempre pasado por el especial tamiz sonoro que impregna todo lo que sale de NOLA. El CD, como la misma escena musical de la ciudad en esos años, gira en torno a la persona de Allen Toussaint, compositor de muchos de los temas aquí incluídos y productor de otros tantos, además de formar la banda que serviría de apoyo a Lee Dorsey y que acabaría convirtiéndose en una de las mejores secciones rítmicas del género, los míticos The Meters. Por aquí desfilan, entre muchos otros, Eddie Bo, Betty Harris, Eskew Reeder, Huey "Piano" Smith, Zyla Mays, Skip Easterling, Warren Lee... ¡lo mejor de cada casa! Pocas veces te voy a recomendar con tanto énfasis un disco, pero este bien lo merece y es que no tiene el más mínimo desperdicio. ¡Yastastardando!

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No seas "miserias" y píllatelo en Amazon UK o Play. ¡Bueno, bonito y barato!

R.I.P. Pinetop Perkins

2011-03-22T11:06:00.009+01:00

Joseph William Perkins

(July 7, 1913 – March 21, 2011)

Ayer nos dejó uno de los grandes, tanto que estuvo dando guerra hasta el final.

Descansa en paz, Pinetop Perkins. Tus ágiles dedos se echarán de menos.

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Actuación en Austin City Limits (a partir del minuto 35)

Sepultura - Arise

2011-03-21T13:12:00.002+01:00

1991. Sencillamente uno de los 4-5 mejores discos de thrash metal de la historia. Sepultura, banda como todos sabéis de origen brasileño, siempre estuvo a la sombra de sus controvertidos maestros, los norteamericanos Slayer, hasta que con este "Arise" (sin duda su mejor obra) se ponen a la altura de los jefes y, si se me permite, casi que los superan. De principio a fin van cayendo temazos convertidos de inmediato en clásicos de la banda, inamovibles en los set list de gira. "Arise", "Dead embryonic cells", "Desperate cry"... dan comienzo a un disco que va un paso más allá de a donde llegaron con el anterior "Beneath the remains" (1989) y para el que vuelven a contar con el mítico Scott Burns en la producción. Una banda en estado de gracia que jamás volvió a ponerse en contacto con las musas como lo hizo con este disco. Un clasicazo incontestable con el que partirte el cuello como si no hubiera mañana, riffs diabólicos y un trabajo percusivo que quita el hipo. La reedición de 1997 viene con 4 temitas extra, entre ellos una versión del "Orgasmatron" de Motörhead hasta entonces solo disponible en la versión brasileña del disco. ¡Salud!

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Thunder Express - We Play For Pleasure

2011-03-18T10:09:00.005+01:00

2004. Robert Dahlqvist es conocido fundamentalmente por haber pertenecido a The Hellacopters, banda en la que entró sustituyendo a Dregen a comienzos de 1999 y con los que grabó 4 LPs y otros tantos EPs.

En 2004, aún en la banda, decide formar su propio proyecto para dar salida a sus inquietudes creativas. En estos Thunder Express, que obviamente tomaban su nombre del disco de MC5, Robert se encarga de la guitarra y la voz solista. No nos vamos a engañar, no es un gran cantante, pero tiene su rollo y salva la papeleta con personalidad y ganas. El sonido del disco oscila entre los MC5 o The Stooges y The Rolling Stones y Faces, con paradas en Cheap Trick, así todo mezclado.

Tres años más tarde, en 2007, grabaron su segundo disco, "Republic Disgrace", para mí aún mejor que este debut. Tras la disolución de The Hellacopters el amigo Dahlqvist, con más tiempo libre, se pone a cantar en sueco y muta Thunder Express en Dundertåget. Sí, no parece una decisión muy comercial y desconozco los motivos que le llevaron a pasar a cantar en su idioma natal, pero así son las cosas. Como Dundertåget han publicado 2 álbumes hasta la fecha. Además ha colaborado en este tiempo con otras bandas como Diamond Dogs o The Solution. Un tipo activo, sin duda. Y poco más, un disco más que interesante y muy recomendable. ¡Salud!

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V.A. - Woody Allen's Movie Music

2011-03-13T20:05:00.001+01:00

2002. No hay que ser muy listo ni especialmente perspicaz para darse cuenta, viendo cualquiera de sus películas, que Woody Allen es un apasionado de la música, particularmente la de los años 30 y 40 del siglo pasado. Sus películas suelen empezar y terminar con alguna tonadilla clásica, además de estar salpicadas de excelentes temas en todo su desarrollo. Como también sabréis el propio Woody es clarinetista y toca a menudo con su banda, por lo que podemos decir sin temor a equivocarnos que estamos ante un auténtico melómano. Tampoco vamos a decir que le guste de todo, no es así, y no veo yo al tipo escuchando, por poner un ejemplo, heavy metal.

Sus gustos se centran fundamentalmente en las big bands de las décadas citadas, con alguna inclusión ocasional de fragmentos de clásica.

Este CD recoge una selección de temas incluidos en sus películas que no voy a pasar a detallar, pero que a buen seguro conoceréis. Justo aquí debajo tenéis el scan con los autores, los intérpretes y la película en la que se incluyó cada tema, creo que son datos suficientes.

Música ideal para esta lluviosa y resacosa tarde de domingo. ¡Salud!

Aquí una portada diferente de otro disco de idéntico título y contenido.

Ya lo siento pero tampoco lo encuentro en Spotify.

The Starkweather Boys - Archer St. Blues

2011-03-06T13:55:00.009+01:00

2007. No os voy a engañar, la verdad es que llegué a este disco siguiendo los pasos de JD McPherson y el asombro que nos produjo su disco debut, del que ya hablamos hace un tiempo en el blog. Una mínima investigación nos lleva de cabeza a este que a su vez fue el debut de The Starkweather Boys, banda liderada por el veterano Kevin Wright (pedal steel, guitarra solista y voces), si bien lo cierto es que una aplastante mayoría de los temas estaban compuestos por JD McPherson (voz solista y guitarras). El grupo se formó en 2004 en Oklahoma y, viniendo cada uno de ellos de una vertiente distinta de la música americana, practicaban una perfecta mezcla de rock'n'roll, jump blues, swing, r&b, country, etc... 12 temas, 10 de ellos de su propia autoría, a los que se unen un par de versiones de Eddie Boyd y Little Richard. Casi nada. Poco más os cuento, un disco muy pero que muy disfrutable de escasos 30 minutos de duración que se pasan en un santiamén y en el que ya se apreciaban las excelentes maneras de McPherson. ¡Salud!

"Oklahoma's rockinest quartet" serves up a plate of hot bluesy rockers accompanied by a couple of sweet Country/Hillbilly numbers, full blast Rockabilly and a Swamp Pop, the wonderful original "Little Mae". Band leader and song writer J.D. McPherson screams and begs on the majority of songs, tales of love gone bad in a style similar to Larry Williams and Little Richard, whose powerful "True Fine Mama" is one of only three cover versions. The rich cultural heritage of Oklahoma (Think Bob Wills Western Swing) is displayed in their "Archer St. Blues" with fiddle and trombone. Lead guitarist Kevin Wright also plays steel guitar on a few songs and a piano pounder is added to the line-up on four songs. You can make out a Burnette Brothers approach on the fast "Straight Razor Baby" but the majority of songs are uptempo black rockers, Jump Blues and the occasional stroll reminiscent of the great Larry Williams and Little Richard, with sizzling guitar solos and belted lyrics. The Starkweather Boys have it down cold - energetic '50s music & sound and cool artwork, too. Lyrics are included. starkweatherboys.com. - Gaby Maag-Bristol

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Black Joe Lewis & The Honeybears - Black Joe Lewis & The Honeybears EP

2011-02-26T13:10:00.004+01:00

2009. Ahora que están a punto de editar su nuevo disco, que llevará por título "Scandalous" (2011), me apetece recordar el debut de la banda con Lost Highway Records, un fantástico EP de 4 temas, 2 de los cuales sólo podéis encontrarlos en este vinilo, mientras que los otros 2 sí que aparecieron en el LP "Tell 'em what your name is!" lanzado un par de meses más tarde.

Supongo que ya los conoceréis, han aparecido en infinidad de blogs y demás, así que no me voy a enrollar mucho, tan sólo comentar que son una tremenda banda de soul, r&b y blues que bebe de los clásicos pero dándoles un toque actual muy de agradecer. Música negra realizada, curiosamente, por una banda mayoritariamente de blancos. Música atemporal para bailar y disfrutar. Música maravillosa, en definitiva. ¡Salud!

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Vintage Trouble - The Bomb Shelter Sessions

2011-02-22T11:40:00.005+01:00

2010. Vintage Trouble es la última banda formada por el cantante y guitarrista Ty Taylor tras su paso por bandas como Dakota Moon, Ghost Hounds y su participación en diversos musicales, aunque hay que aclarar que aquí se limita a labores vocales, dejando de lado las 6 cuerdas.
El tipo nació en 1969, por lo que podemos decir que ya es todo un veterano en mil batallas, de hecho adquirió cierta fama hace unos años al presentarse a un programa de televisión destinado a cubrir la plaza de cantante en INXS (!!!). Sí, amigos, tampoco le vamos a condenar por ello, supongo que si vas llegando a una edad y no eres capaz de pillar "tú tren" te intentas subir al que sea con tal de viajar...

Pero bueno, lo cierto es que el tipo tiene una clase acojonante, canta como dios y es otro nombre más a apuntar al revival soul de los últimos años. Hazte con él antes de que se agoten, me consta que quedan pocas unidades.

El disco fue grabado en directo en el estudio durante 3 días de principios de 2010, los músicos que le acompañan son más que buenos y las composiciones son todas originales de la banda, algo que les da la credibilidad que le suele faltar a quienes abusan de versiones.

Más abajo la info sacada de su página. ¡Salud!

Vintage Trouble, based in Los Angeles, is the brainchild of Ty Taylor (vocal) and Nalle Colt (guitar). Combining their love for original soul and rhythm & blues, the two set up a basic home studio in Venice Beach and started crafting the beginnings of Vintage Trouble. Already a friend of both, Rick Barrio Dill (bass) came along and added his shared bass influences and energy into the newly formed project. To make the band complete, Richard Danielson (drums) was recruited not long after to add the authentic and edgy take that was needed on the drums. With these collective energies and inputs in place, a new kind of soul band had been born with unlimited creativity and force.

The power foursome then moved to commune, create and rehearse amongst the famed musical lore of Laurel Canyon. Within two weeks of rehearsals in early 2010, the group quickly began playing local shows and late night speakeasies. Led by timeless vocal tone and presence, small tweed amps, and a mission to move as many people as possible, the band quickly gained a reputation as a high energy and truly mesmerizing live act whose performances feel like down-home revivals with an uptown edge. Sticking to their roots of mid-century original soul music and recording techniques, the band used a lean three-day recording session with full takes and no-frills to turn out 12 new songs a mere two months into the project. With singles like "Gracefully", "Nancy Lee", "Still & Always Will" and "Blues Hand Me Down", the resulting sound brings you back to the days of vinyl records, sweaty juke joints, and the feel and essence of the original soul movement.

Vintage Trouble. Get into it. And be prepared for the awakening.

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José Ignacio Lapido - En Otro Tiempo, En Otro Lugar

2011-02-20T12:43:00.002+01:00

2005. Vamos con mi disco favorito de Lapido, esta cuarta entrega discográfica del granadino tras dos LPs - "Ladridos del perro mágico" (1999) y "Música celestial" (2002) - y un EP - "Luz de ciudades en llamas" (2001) - anteriores, amén de su carrera con 091, por supuesto.

Para este "En otro tiempo, en otro lugar" Lapido formó su propio sello discográfico (Pentatonia Records) a través del cual también ha publicado sus dos siguientes referencias, "Cartografía" (2008) y el más reciente "De sombras y sueños" (2010).

Y qué queréis que os diga, uno de mis artistas favoritos en castellano y uno de los mejores letristas de este mediocre país, además de un guitarrista mucho más que solvente. Sí, ya sabemos que no es el mejor cantante del mundo y tiene una peculiar forma de encarar sus temas, pero seguramente sea eso lo que le hace único.

Se me hace imposible destacar algún tema sobre los demás en un disco que hay que escuchar de cabo a rabo y, una vez que llega al final, volver a darle al play.

El despistado que quiera conocer más de su carrera tiene la web oficial más abajo y alguna otra cosa de quienes saben mucho más que yo. ¡Salud!

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*** Entrevista del compañero Javistone para Freek Magazine

Duke Ellington and Johnny Hodges Play The Blues - Back To Back

2011-02-16T20:49:00.001+01:00

1959. Vamos de vuelta al jazz. Al jazz con mucho blues, eso sí. No creo que haga falta mucha presentación si hablamos de Duke Ellington, uno de los músicos más importantes del siglo XX. Líder durante décadas de su propia big band, auténtica escuela para infinidad de jazzeros, gustaba de cuando en cuando de volver a formatos más básicos para salir de sus rutinas.
Johnny Hodges, por su parte, es uno de esos músicos que formó parte de la banda de Duke durante muchos años. Excepcional saxofonista, echó a volar por su cuenta a mediados de los años 50 con resultados discretos.
A pesar de su tirante relación, en 1959 vuelven a unir fuerzas en este disco compuesto de clásicos blues en el que paradójicamente Ellington, prolífico como pocos, no firma ninguno de los temas (tres de los cuales son de W.C. Handy). En las mismas sesiones se grabaron más temas que aparecieron en el álbum "Side By Side" del mismo año. Andaban sueltos los tipos.
Entre el resto de la banda destaca sobremanera el trompetista Harry "Sweets" Edison, complemento perfecto para Hodges, y la completaban Les Spann a la guitarra, Jo Jones a la batería y Al Hall o Sam Jones en el bajo.
Y nada más os cuento, no os esperéis jazz a toda pastilla ni experimentos raros, esto es pura melodía, un disco que puedes poner a tus suegros, aunque suene mal decirlo. Pero, por encima de todo, una puñetera delicia para un rato tranquilo en casa. Hoy es lo que tocaba. ¡Salud!
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El Goodo - Coyote

2011-02-09T12:20:00.002+01:00

2009. Vamos hoy con una banda de Gales que con este "Coyote" nos presentaban su segundo lanzamiento, un disco variado y vitalista que oscila entre la psicodélia sesentera, el power-pop, el folk y el garage, todo ello regado con excelentes melodías y grandes juegos vocales.

El disco fue originalmente editado por Grease Records en 2009 y reeditado en 2010 por Dell'Orso Records, que es la copia que tengo yo.

El curioso nombre de la banda, como algunos ya habréis imaginado, está extraído del segundo tema del álbum debut de Big Star, la banda de Chris Bell y Alex Chilton.

¿Favoritas? "Pete", "I can't make it" o "I saw her today", aunque cuesta decidirse. Y eso os cuento, fue uno de os mejores discos del ya lejano 2009 pero nunca es tarde para descubrirlo si aún no lo has hecho. ¡Salud!

Hailing from inside the valleys surrounded by the majestic mountains of South Wales, five piece multi-instrumental group, El Goodo consists of the talents of Pixy, Jason, Lewie, Matty and Elliott. They were first noticed by the Super Furry Animals who, in 2005 picked up their first self-titled album and released it under their Placid Casual label and subsequently were their tour’s opening act, introducing El Goodo as a band worthy of critical and mass appeal. They have received accolades from both their home isle and the United States, touted as Artist of the Month by Spin Magazine in 2005. Besides touringnationally around the UK with Super Furry Animals, El Goodo has graced the stage with heavy-weights such as The Zombies, Dead Meadow, Preston School of Industry, Beulah, Essex Green and the Keys just to name a few, solidifying their rise as psychedelic champions.

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Spiders - Spiders

2011-02-09T12:19:00.001+01:00

2011. Llevo unos días enganchado a este prometedor debut en 10" de los suecos Spiders. Me llegó hace un par de semanas, nada más salir al mercado, y casi me da un mal cuando abrí el sobre de cartón y salieron las cuatro arañas de plástico que se pueden ver en la foto de abajo. Vale, en seguida se nota que son de coña, pero en el primer momento el susto fue mayúsculo, y es que uno ya no está para estos sobresaltos... :)

El EP se compone de tan sólo 4 temas en la onda hard rock setentero con un punto blues y otro garajero, pero cuatro temas que hacen pensar en una banda con grandes posibilidades de cara al futuro. Habrá que seguirles la pista, pero para que nos os pille en fuera de juego ya tardáis en darle una escucha a este fantástico EP. ¡Salud!

SPIDERS from Sweden release debut record on 10-inch vinyl by the end of January, 2011. With female lead singer and members from bands like Witchcraft, Graveyard and Madamm you know you’re in for a treat.

SPIDERS mix garage punk and early hard rock with bluesy melodies. The band is fronted by a female lead singer possessing an awesome voice with attitude, reminding of a new Jinx Dawson or Mariska Veres. In addition to that we find the guitarist from Witchcraft, the drummer from Graveyard and the bass player from Midwest in the line-up.

SPIDERS’ songs reveal the bands incredible songwriting prowess and the music is full of energy and raw rock riffs.

SPIDERS was formed in Gothenburg in February 2010. A few months later the band appeared at one of Sweden’s most successful music festivals, Way Out West. It was around this time SPIDERS for the first time as a band stepped into the studio with producer Don Ahlsterberg (The Soundtrack of Our Lives, International Noise Conspiracy, Jose Gonzalez) and started recording. Crusher Records now have the very proud honor to present the result: a 10-inch vinyl EP ready to detonate.

The members of the band:

Ann-Sofie Hoyles – vocals, John Hoyles – guitar, Matteo Gambacorta – bass, Axel Sjöberg – drums

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Gary Moore, espérame en el cielo.

2011-02-07T12:14:00.014+01:00

D.E.P. Gary Moore
(4 de abril de 1952 - 6 de febrero de 2011)

Sirva esta entrada como tributo al maestro que nos dejó ayer mismo, de manera inesperada y repentina. La verdad es que es de esas noticias que te cogen desprevenido, nada hacía presagiar este desenlace, pero demasiadas veces la vida es así de puta, por no decir cruel.

Últimamente mi relación con Gary no pasaba por su mejor momento, a pesar de haber sido un ferviente seguidor de buena parte de su obra, en los últimos años se habían acumulado demasiados desengaños y lo cierto es que lo tenía un poco abandonado.

La terrible noticia de ayer me ha hecho volver a ponerme algunos de sus discos y ha recuperado para Gary el rinconcito que nunca debió perder en el baúl de mis afectos.

Suena "Back on the Streets". Ojalá volvieras a ellas, Gary, a las calles de Belfast que te vieron crecer. No siendo así, espérame en el cielo y guárdame un sitio en primera fila para el concierto en que te reunirás con tu viejo amigo. Abraza a Phil de mi parte.

Descansa en paz, amigo. :_(

PD: Ahí van algunos de los discos que tengo en los que participó el maestro, no soy capaz de encontrar más en mi discoteca, aunque me consta que, haberlos, haylos.

JD McPherson - Signs & Signifiers

2011-02-06T13:29:00.002+01:00

2010. Con el título de disco del año bajo el brazo y ganando fama y seguidores día a día se nos presenta JD McPherson y su debut para Hi-Style Records. McPherson se dio a conocer como cantante y guitarrista de The Starkweather Boys, con los que grabó un disco en 2007 ("Archer St. Blues"). Acompañado del veterano Jimmy Sutton (también productor del disco) al bajo y Alex Hall a la batería, demás de múltiples colaboraciones, se ha grabado esta maravilla de añejo rhythm and blues y rock & roll con un sonido para el que el término "espectacular" se queda muy pero que muy corto. Si escuchas este disco y no caes inmediatamente rendido a sus pies probablemente sea porque se ha parado la sangre en tus venas y, sin tú saberlo, ya estés muerto. Queda dicho. Os pongo abajo el texto que aparece en la página del sello, en el que tenéis toda la información necesaria para decidiros a su compra. Hay quien está esperando a una posible edición en vinilo pero de momento bienvenido sea este CD que tiene enganchado a todo aquel que lo escucha. ¡Salud!

JD McPHERSON / SIGNS & SIGNIFIERS - featuring Jimmy Sutton and Alex Hall

With a strong singing voice that moves from smooth and sweet, to raw and rockin' on a dime, JD McPherson channels Little Richard, James Brown, Charlie Feathers, to name a few. Hi-Style Records is excited to present the debut release by JD McPherson, Signs & Signifiers! Hi-Style brought JD McPherson up from Oklahoma to the big city of Chicago to record this stellar 12 song, full length album. Produced by Jimmy Sutton (Mighty Blue Kings, Four Charms, Del Moroccos) and engineered by Alex Hall (The Modern Sounds, Del Moroccos), the album also features Sutton on bass and guitar, and Hall on drums and piano. Recorded to an old 1960's Berlant 1/4 inch tape machine, this stellar performance, and brilliant song writing by McPherson, all come together under Jimmy Sutton's impeccable production. This is authentic electrifying rock n' roll/ rhythm & blues with post-structural lyrics and arrangements.

The album also features guest musicians: Scott Ligon, (NRBQ's Terry Adams Rock & Roll Quartet), plays incredibly tasteful piano. Austin's Jonathan Doyle (Nick Curran and the Lowlifes, White Ghost Shivers) and Chicago's Josh Bell (The Del Moroccos) blow killer tenor and baritone saxophones. Susan Voelz (Alejandro Escovedo, Poi Dog Pondering), on violin, and Allison Chesley (Helen Money), on cello, contribute a beautiful string arrangement to the soulful "A Gentle Awakening". Rounding out the album's guests, guitar ace Joel Paterson, (The Modern Sounds) lends some choice guitar work to the Joey Simone classic "Your Love (All That I'm Missing)".

JD McPherson - Lead and Backing Vocals, Guitar
Jimmy Sutton - Bass, Electric, Baritone, and Acoustic Guitars, Backing Vocals
Alex Hall - Drums, Piano, Organ, Backing Vocals

Black Mountain - Black Mountain

2011-02-04T21:10:00.003+01:00

2005. Este es uno de esos grupos que de primeras te descolocan. Luego, tras esa primera escucha desconcertante, los tienes que volver a poner y, cuando te quieres dar cuenta, estás enganchado a la banda.

Black Mountain nace en 2004 con la unión espontánea y sin pretensiones de varios músicos procedentes de otras bandas del área de Vancouver, Canadá. Por lo visto ensayaban en el mismo lugar con sus respectivos grupos y coincidían en gustos y lugares. Una cosa llevó a la otra y les dio por crear una especie de colectivo (Black Mountain Army) del que han nacido, además de Black Mountain, tropecientas bandas como Pink Mountaintops, Blood Meridian, Jerk With A Bomb y Lightning Lust, entre otras. De hecho varios de los componentes de Black Mountain militan también en los grupos citados. Vamos, que son creativos los tipos.

En este debut homónimo de Black Mountain nos encontramos un disco eminentemente de rock psicodélico, con bastantes trallazos hard-rockeros y cierta querencia indie. Todo mezclado y bien pasado por la picadora... :)

A pesar del rollo así como comunal que parece tener la banda, lo cierto es que tienen un líder claro en Stephen McBean, guitarrista, cantante y autor de todos los temas. A destacar también el sello femenino de Amber Webber, fantástico contrapunto en las labores vocales y una de las señas de identidad de Black Mountain. Tremendas "Don't run our hearts around" o "Druganaut", por citar alguna, porque cada tema es de su padre y de su madre y todo me parece aprovechable.

Y poco más os cuento, tienen hasta la fecha dos discos más que, en mi humilde opinión, son mejores que este, aunque pueden ser "acusados", con algo de razón, de haberse vuelto más accesibles con el tercero. Pero bueno, esa ya es otra historia. Vendrán más. ¡Salud!

Scorpions - Fly To The Rainbow

2011-02-02T20:34:00.006+01:00

1974. Ya tocaba. Scorpions aparecieron por el blog hace ya casi tres años con el "Taken by Force" (1977), para mí su mejor disco, y hoy volvemos a ellos retrocediendo al que fue su segundo lanzamiento, este fantástico "Fly to the Rainbow" (a pesar de la espantosa portada).

Como ya sabréis los de Hanóver se formaron unos años atrás y debutaron en 1972 con "Lonesome Crow", en el que Michael Schenker, hermano de Rudolf, se encargaba de la guitarra solista.

Los británicos UFO, de gira por Alemania, se cruzaron en el camino de la banda y podríamos decir que les "robaron" al melenas. Michael, guitarrista prodigioso y de increíble gusto para su tierna edad, se deja hacer y, quizá tentado por la mayor posibilidad de éxito con UFO, abandona a los alemanes. Esto hace que Scorpions se separen.

Poco después, tras un tiempo de inactividad forzosa, Klaus Meine y Rudolf Schenker se unen a los cuatro miembros de Dawn Road y deciden usar el nombre de Scorpions de nuevo ya que era más conocido que el de sus nuevos compañeros. Alguno se queda por el camino, pero el papelón de la sustitución de Michael recae en Uli Jon Roth, un guitarrista alucinante (en toda la extensión del término) y que además metía su peculiar voz en un par de temas, que supera la prueba holgadamente, aportando nuevos bríos al grupo. De hecho creo que con su entrada ganan en orientación y sello personal, dando lugar a los mejores años de la banda, con una tremenda sucesión de 4 discos que desembocaría en el directo en Japón "Tokyo Tapes" (1978) y finalmente en la salida de Roth, que iniciaría un nuevo proyecto: Electric Sun.

Y bueno, esta es un poco la historieta, no me apetece entrar a comentar los temas. Creo que ya lo he dicho alguna vez, tengo debilidad por esta gente en esta época, así que seguro que volverán a visitarnos. ¡Salud!

PD: Vale, he conseguido hablar de Ulrich Roth sin citar a Hendrix!. Bien por mí. Bueno... ya lo he hecho... :D

Thin Lizzy - Johnny The Fox

2011-01-30T15:15:00.000+01:00

1976. No es el mejor disco de Thin Lizzy, no os voy a engañar, pero es bastante singular por varias causas. "Johnny The Fox" supuso la continuación al exitoso "Jailbreak" (1976) y fue compuesto casi en su totalidad durante la convalecencia de Phil Lynott por hepatitis. Durante la grabación las disputas entre Brian Robertson y Lynott fueron a más, en parte motivadas por la autoría de ciertas canciones. Finalmente, durante la preparación del tour por USA, Robertson se lesiona una mano (defendiendo a Frankie Miller en una disputa de bar...), el tour se cancela y es sustituido por Gary Moore para otra gira por USA como teloneros de Queen. Moore tampoco permanecería en la banda, a pesar del interés de Lynott, y Robertson regresa para finalizar la grabación de "Bad Reputation" (1977) que realizaron casi completamente en formato trío, con Scott Gorham encargándose de casi todas las guitarras. Como no queremos hacerle un feo hay que citar también al infatigable Brian Downey, compañero inseparable de Lynott tras los tambores. Bueno, he dicho al principio que no es su mejor disco, pero eso no lo hace precisamente malo, todo lo contrario. El disco "menos bueno" de Thin Lizzy le patea el culo a los mejores de la inmensa mayoría de bandas. Esto es así. Y nada, lo de siempre, temazos con los clásicos punteos doblados y la increíble voz de Felipín. A destacar, por supuesto, el "Don't believe a word" o la fantástica "Massacre". ¡Salud!

Larry Williams & Johnny Watson - Two For The Price Of One (Ed. Especial)

2011-01-21T19:25:00.002+01:00

1967. Detrás de esta tremenda portada se esconde un discazo de similares características, un disco de soul enérgico, pasional y vitalista, una patada en los huevos y una invitación a mover el esqueleto, todo a la vez. Tanto Larry Williams como Johnny 'Guitar' Watson eran, ya por entonces, veteranos cantantes provenientes del rhythm and blues, como tiene que ser. Bueno, en realidad los caminos al soul suelen ser dos, o el r&b o el gospel, pero estos venían de donde venían. La verdad es que no puedo contar mucho más de la génesis del disco ni de qué llevó a estos dos monstruos a unir fuerzas en este portentoso disco, supongo que cosas de su sello discográfico, pero no recuerdo muchas alianzas tan provechosas como la que nos ocupa. Para información del interesado, existe otro CD con exactamente el mismo contenido, "The Best Of The OKEH Years", pero aunque sólo sea por la portada yo os recomendaría conseguir este. Tanto esta como la otra edición añaden al contenido original del disco 8 temas de Johnny Watson, de la misma época, que hacen aún más atractivo el CD. No tiene desperdicio. Lo dicho, a must, que dicen "en el guiri". Vamos, que hay que tenerlo... ¡Salud!

Nick Waterhouse & The Turn-Keys - Some Place (sg)

2011-01-18T08:02:00.007+01:00

2010. Qué cosa más grande, señores. Contamos los días para tener el LP en el mercado. Ojalá no se haga esperar. R&B actual y de altura con sonido retro 60's. Hablaremos de él. ¡Salud!

Huey 'Piano' Smith & His Clowns- Having A Good Time: The Very Best Of, Volume 1

2011-01-17T19:31:00.002+01:00

1997. Seguimos con las teclas. Pianista pionero del R&B, heredero de monstruos como Fats Domino o Professor Longhair, Huey 'Piano' Smith se ganó cierta fama como músico de sesión con Earl King o Guitar Slim, pero jamás consiguió con su propio trabajo el éxito que sin duda mereció, excepto en la época que recoge este CD, de 1956 a 1962, con 1958 como punto álgido en su carrera. Todo para el sello Ace Records, aunque también curró para Imperial o Savoy entre otros. Grabó hasta con The Supremes, no os digo más. La información que hay por la red es bastante escueta e imprecisa (tampoco estoy para ponerme a traducir el libreto...), pero se dice que se convirtió en Testigo de Jehová y dejó la industria musical a principios de los 70's. Una gran pérdida, pero quizás también una explicación a su relativo olvido. Este excelente recopilatorio recoge lo más significativo de su obra, un epidérmico y contagioso rhythm and blues que hará las delicias de profanos e iniciados. ¡Puritito R&B de Nueva Orleans, señora, para el niño y para la niña! :)) ¡Salud!

Duke Pearson - The Right Touch

2011-01-16T12:19:00.002+01:00

1967. El 13 de septiembre de ese año de 1967 Duke Pearson y siete músicos más entran en el estudio para grabar una de las joyas mejor guardadas del catálogo de Blue Note. Entre los miembros del octeto destacan, obviando a Pearson (p.), Freddie Hubbard (tp.), James Spaulding (as.), Stanley Turrentine (ts.) o Grady Tate (dm.). Un auténtico all-stars del género que nos legó esta maravilla que ha permanecido en el tiempo con su fuerza original intacta para deleite de profanos y expertos. Para el que quiera profundizar en la info os corta-pego un par de textos al respecto. ¡Salud! (9,5/10)

Duke Pearson was an accomplished, lyrical, and logical -- if rather cautious -- pianist who played a big part in shaping the Blue Note label's hard bop direction in the 1960s as a producer. He will probably be best remembered for writing several attractive, catchy pieces, the most memorable being the moody "Cristo Redentor" for Donald Byrd, "Sweet Honey Bee" for himself and Lee Morgan, and "Jeannine," which has become a much-covered jazz standard. Pearson was introduced to brass instruments and the piano as a youth, and his abilities on the latter inspired his uncle, an Ellington admirer, to give him his nickname. Dental problems forced Pearson to abandon the brass family, so he worked as a pianist in Atlanta and elsewhere in Georgia and Florida before moving to New York in 1959. There, he joined Donald Byrd's band and the Art Farmer-Benny Golson Sextet, and served as Nancy Wilson's accompanist. In 1963, he arranged four numbers for jazz septet and eight-voice choir on Byrd's innovative A New Perspective album; one of the tunes was "Cristo Redentor," which became a jazz hit. From 1963 to 1970, Pearson was in charge of several recording sessions for Blue Note, while also recording most of his albums as a leader. He also led a big band from 1967 to 1970 and again in 1972, hiring players like Pepper Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker, and Garnett Brown. Pearson continued to accompany vocalists in the 1970s, such as Carmen McRae, but he spent a good deal of the latter half of the decade fighting the ravages of multiple sclerosis. (extraído de aquí)

Duke Pearson rises to the challenge of writing for an all-star octet (with trumpeter Freddie Hubbard, trombonist Garnett Brown, altoist James Spaulding, Jerry Dodgion on alto and flute, Stanley Turrentine on tenor, bassist Gene Taylor, drummer Grady Tate, and the leader/pianist), contributing colorful frameworks and consistently challenging compositions. The set is full of diverse melodies (the CD reissue has a previously unissued take of "Los Malos Hombres") played by a variety of distinctive soloists; many of these songs deserve to be revived. This is one of the finest recordings of Duke Pearson's career. (extraído de aquí)

As an arranger, composer, pianist, and producer, Duke Pearson was Blue Note's secret weapon for more than a decade. This 1967 all star octet sessions features six great Pearson tunes and arrangements. Freddie Hubbard, James Spaulding, and Stanley Turrentine are the primary soloists. This music pops with vitality. An alternate take of "Los Malos Hombres" has been added to the original LP. (extraído de aquí)

Hasta la vista FeedBurner...

2011-01-15T10:24:00.004+01:00

Desde hoy y por tiempo indefinido deja de funcionar el servicio de suscripción Feedburner para Reino de Mondongo.

Rough Silk - Roots Of Hate

2011-01-14T11:20:00.001+01:00

1993. Pegamos un salto atrás en el tiempo y nos vamos a una época en que vestíamos chupa de cuero y lucíamos el pelo bastante más largo de lo que gustaba a nuestras abuelas. En 1993 lo que más escuchaba, con diferencia, era hard rock y heavy metal, y en esas estábamos cuando apareció esta banda de la mano de Stefan Kaufmann, el batería de Accept (y actualmente guitarra con U.D.O.). Ya he comentado alguna vez que Accept eran y aún son a día de hoy mi banda favorita en cuanto a heavy metal se refiere, por lo que cualquier cosa que tuviera algo que ver con ellos se me antojaba, a priori, como algo apetecible. Es probable que si no hubiera existido esa relación ni siquiera habría conocido a la banda, pero lo cierto es que este es un gran disco de hard rock y heavy metal melódico y que para ser su debut demuestran unas hechuras de banda ya cosolidada. Tampoco os voy a engañar, no es una banda que en general me vuelva loco, pero este primer disco y el siguiente ("Walls Of Never", 1994) me parecen muy aprovechables. Con los años tuvieron una deriva que personalmente no me interesó, además de múltiples cambios de formación y finalmente la disolución de la banda, que por cierto ha vuelto a reunirse recientemente bajo el liderazgo de Ferdy Doenberg, único superviviente de la formación original.

El disco es tremendamente sencillo de encontrar, pero si alguno no da con él y lo quiere escuchar que me ponga su correo en los comentarios o me escriba al correo del blog. ¡Salud!

Moreland & Arbuckle - 1861

2011-01-09T20:53:00.001+01:00

2008. Siempre es un placer que los amigos vengan a casa de uno a tomar el té, aunque estos sean más de destilados que de infusiones, todo sea dicho. Esta vez el duo Moreland & Arbuckle trae bajo el brazo el que fue su segundo trabajo (bonito digipack de ciudado diseño), una delicia de blues a la vieja usanza, sureño y con poso, aunque el disco, paradójicamente, lo publicó la canadiense NorthernBlues. Cosas de la globalización.

En esta ocasión Aaron Arbuckle y Dustin Moreland, cuyos apellidos dan nombre a la banda, vienen acompañados del batería Brad Horner, que también es recibido en esta su casa con los brazos abiertos.

Hay que precisar que entre el primer y este segundo lanzamiento sacaron otro como Moreland, Arbuckle & Floyd ("Floyd's Market", 2007) con el que también fue el batería de su primer LP David Floyd.

Parece ser que Brad se ha hecho definitivamente con el puesto en la banda ya que repite en el tercer disco. No pasa lo mismo con el sello. Si el primero fue autoeditado y este lo saca, como decía, NorthernBlues, para el tercero ("Flood", 2010) han fichado por Telarc. Vamos, que no paran quietos los chavales, aunque van subiendo peldaños, eso sí. Pero bueno, eso ya lo contaremos en la próxima visita. Aquí os espero. ¡Salud!

Lo de "1861", por si alguno se lo preguntaba, viene por el año en que Kansas se convirtió en estado. Sí, lo has adivinado, de allí vienen las criaturas.

VV.AA. - Hey Everybody... I Gotta New Dance

2011-01-06T12:55:00.001+01:00

2005. Otra maravillosa recopilación de VampiSoul, qué os voy a contar...

Need a new dance? There's no better place to start than the ever-growing catalog of Vampi Soul – fast becoming one of the greatest sources on this planet for older grooves! This low-priced set offers a huge amount of rare groovers from the Vampi catalog – 23 titles in all, and all picked with an ear for the genre-bending style of funk that's fast becoming standard in the international groove circuit. The tunes range from Latin soul to jazz funk, funky rock, rocking funk, socking soul, and beyond – all lovingly collected to keep a really lively sound throughout! Titles include "What You Mean" by Johnny Colon, "Inca Snow" by Traffic Sound, "Out Of Sight" by Cannibal & The Headhunters, "Call My Name" by Joe Bataan, "Loaf & Jug" by Diplomats Of Solid Sound, "Git In There" by Betty Davis, "Let The Monkey Out" by Celofunk, "South Side Of Soul Street" by Johnny Adams, "No Me Molestes" by Totem, "Meltin Pot" by Boris Gardinier, and "Soul Nuevo" by Sexteto Electrónico Moderno

The Madrid-based house of good groove, Vampi Soul, is back with another killer comp, "I Gotta New Dance", which collects 23 uptempo vintage floor-fillers from its ever-expanding catalogue of dance dementia. Viva Vampi!" NOW MAGAZINE - TIM PERLICH (Canadá)

Waylon Jennings - Lonesome, On'ry & Mean

2011-01-01T13:19:00.008+01:00

1973. Empezamos año y como estoy especialmente empanado os voy a copy-pastear la info de la wikipedia y vais que chutáis. Además, ya ha aparecido por aquí (con escaso éxito, por cierto) y sería repetirse. A quien dios se la dé, San Pedro se la bendiga. ¡Buen año a todos! ¡Salud!

Lonesome, On'ry and Mean is an album by Waylon Jennings, released on RCA Victor in 1973. It was, after Good Hearted Woman and Ladies Love Outlaws, the third in a series of albums which were to establish Jennings as one of the most prominent representatives of the country movement, reaching #8 on the country charts, with two top ten singles – "You Can Have Her" and "Pretend I Never Happened". The first album to be co-produced by Jennings himself, it allowed the singer more artistic freedom than he had been given earlier, this being the first of Jennings "outlaw" country albums. Among others, the record contains a version of Kris Kristofferson's classic "Me and Bobby McGee", as well as "Gone to Denver", a song penned in part by Johnny Cash but never recorded by him. The liner notes to the original release were written by Chet Flippo, a contributing editor to Rolling Stone. Lonesome, On'ry and Mean was re-released in 2003 with bonus tracks from the recording sessions and liner notes by Rich Kienzle. The title track was referenced by Jennings' son, Shooter Jennings in his 2006 album Electric Rodeo in the song 'Little White Lines' ("Got myself in a little mess, got busted down around Abilene / I was goin' way too fast boys, feelin' Lonesome, On'ry and Mean").
"Lonesome, On'ry and Mean" (Steve Young) – 3:41
"Freedom to Stay" (Willis David Hoover) – 3:13
"Lay It Down" (Gene Thomas) – 3:19
"Gone to Denver" (Johnny Cash, Penni Lane) – 2:32
"Good Time Charlie's Got the Blues" (Danny O'Keefe) – 3:24
"You Can Have Her" (William S. Cook) – 2:44
"Pretend I Never Happened" (Willie Nelson) – 3:05
"San Francisco Mabel Joy" (Mickey Newbury) – 3:51
"Sandy Sends Her Best" (Billy Ray Reynolds) – 2:37
"Me and Bobby McGee" (Kris Kristofferson, Fred Foster) – 4:44
Bonus Tracks
"Laid Back Country Picker" (Vince Matthews, Lee Casey) – 3:16
"The Last One to Leave Seattle" (Jennings, Steve Norman) – 3:27
"Big, Big Love" (Ray Carroll, Wynn Stewart) – 2:26

Eva Cassidy - Live at Blues Alley

2010-12-26T12:50:00.004+01:00

1996. Llevaba tiempo con ganas de hablaros de este maravilloso disco, el único en solitario publicado en vida de la fantástica Eva Cassidy, una cantante que para nuestra desgracia tuvo un paso demasiado fugaz por este cruel mundo. La verdad es que la suya es una historia triste de verdad, pero no nos enrollaremos con el drama. Me limito a comentaros que Eva empezó, como tantos otros, en grupos locales, semi-profesionales y grabando como cantante de sesión hasta que le llegó la oportunidad de grabar un álbum de duetos con Chuck Brown, que quedó impresionado por la voz de aquella jovencita en una cassette que le hizo llegar Chris Biondo (amigo y bajista de la banda de Eva). El disco resultante, "The Other Side" (1992) le ayudó a darse a conocer y finalmente le abrió las puertas de nuevos contratos discográficos que primero la llevarían a grabar y girar con la banda Pieces of a Dream y finalmente y ya con otra discográfica nos legaría este "Live at Blues Alley" (1996), fruto de la grabación de dos conciertos en sendas noches de enero de 1996. Debido a problemas técnicos la grabación de la primera noche quedó inservible, por lo que el disco se tuvo que extraer íntegramente de la segunda, con el añadido de un tema de estudio. Se dice que nuestra protagonista nunca quedó del todo satisfecha del resultado final. El repertorio estaba basado en versiones de clásicos como "Cheek to cheek" (Berlin) o "People get ready" (Mayfield), o temas más recientes como "Fields of gold" de Sting, todos ellos interpretados con acierto y personalidad por la excepcional voz de la Cassidy.

Unos meses después, en verano de ese mismo año, Eva empezó a sentirse mal. Un cáncer diagnosticado y tratado 3 años antes se le había reproducido en pulmones y huesos, de tal manera que los médicos le dieron unos meses de vida. Se eligió un tratamiento agresivo contra el cáncer que finalmente no dio sus frutos, acabando con la vida de Eva a comienzos de noviembre.

Tras su muerte y poco a poco su figura fue adquiriendo reconocimiento. Se editó el que iba a ser su primer álbum en estudio y más tarde unos cuantos más con material inédito grabado en diferentes sesiones, además de la inclusión de varias de sus interpretaciones en series y películas.

Y bueno, poco más os cuento, una pérdida tremenda de la que fue una de las grandes cantantes de los 90 y que a buen seguro hubiera dado mucho más que hablar de no haber sido por su prematura muerte. ¡Salud!

Chris Isaak - Christmas

2010-12-23T12:50:00.001+01:00

2004. Me había prometido a mí mismo no poner jamás en el blog un disco de "espíritu navideño", espíritu, por cierto, del que carezco absolutamente, pero bueno, las normas están para saltárselas, más cuando son reglas propias y a nadie más afectan.

Poco hay que contar que no hayamos dicho ya en entradas anteriores del bueno de Chris. Este "Christmas" publicado en 2004 fue su noveno disco de estudio y estaba integrado en su gran mayoría por versiones a las que hay que sumar cinco canciones originales compuestas para la ocasión. La que poseo es la edición australiana del disco, que además es la que os recomiendo ya que trae dos temas exclusivos no incluidos en el resto de ediciones.

Como de costumbre estuvo acompañado de sus fieles escuderos Kenney Dale Johnson, Rowland Salley y Hershel Yatovitz, amén de varias colaboraciones entre las que destaca la de Stevie Nicks en "Santa Claus is coming to town". Ale, ya tienes con qué entretener (con elegancia y estilo) a la familia estas navidades (y deja tranquilos a los peces en el río...). ¡Salud!

Cannonball Adderley - Somethin' Else

2010-12-19T12:41:00.003+01:00

1958. Allá vamos con otro de esos discos fundamentales, uno de los más grandes del jazz de su época y de todos los tiempos, en el que, además del titular del disco, tiene una presencia preeminente Miles Davis (al nivel de coliderazgo), en cuyos quinteto y sexteto estuvo incluido Cannonball. Un año más tarde Adderley le devuelve el favor participando en "Kind of Blue" (además de "Milestones", Porgy & Bess"...), alumbrando otro de los jalones en el camino evolutivo del hard bop para dar paso a la irrupción del jazz modal. Ahora sigamos con "Something Else", que es el LP que nos ha traído hasta aquí.

Empieza el disco con una tremenda adaptación de "Autumn leaves", Miles toma la delantera e introduce la melodía para dar paso a Adderley que desarrolla todo su genio en cada variación. A todo esto Hank Jones va metiendo su argamasa de teclas para tomar al final el liderazgo mientras Sam Jones y Art Blakey marcan con pulso firme el tempo. Pues así todo el rato... :)) Ale, ya me cansé... Tampoco me voy a enrollar con las carreras de los músicos que intervienen por que no acabaríamos nunca y para eso está Google. Una auténtica delicia de disco que debe estar en toda colección que se precie. Palabrita de N'Dongo, Mo N'Dongo (mi primo africano).

Fe de erratas: Se me fue la cabeza y puse varias veces "Adderlay" en lugar de "Adderley". Disculpen la equivocación. Queda subsanada.

Sharebee en K.O. técnico

2010-12-10T12:01:00.002+01:00

Bueno, parece ser que Sharebee está fuera de combate. No sé cual es el problema exactamente y tampoco es la primera vez. En otras ocasiones ha vuelto a funcionar en un par de días, tal como se fue volvió. Esperemos que así sea.

Un saludo y disculpad las molestias.

Queens Of The Stone Age - Songs For The Deaf

2010-12-09T12:45:00.002+01:00

2002. Para muchos estará más visto que el TBO y además lo podéis encontrar con mucha facilidad en infinidad de blogs y foros de descarga pero no por ello puedo dejar de comentar el que sin duda es uno de los grandes discos de lo que llevamos de siglo y sobradamente el mejor que ha grabado la banda.

Queens Of The Stone Age, como bien sabréis, nace de las cenizas de los ya míticos Kyuss, de hecho el nombre proviene de una chanza del que era su productor, Chris Goss, padre fundador del rock pedregoso con sus Masters Of Reality. Pues bien, tras dos discos y con una formación más bien inestable llegamos a este tercer lanzamiento donde además de Josh Homme y Nick Oliveri (columna vertebral del grupo) vuelven a contar con la colaboración de Mark Lanegan (el ex-Screaming Trees canta en 3 temas) y aparece a la batería el fantástico Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters) que no se ponía tras los tambores en un estudio desde la muerte de Kurt Cobain, y vaya, no se le había olvidado tocar, no. Hay unas cuantas colaboraciones más que no me voy a parar a enumerar, sería un poco farragoso.

Sobre el contenido del disco en sí, 15 canciones como 15 soles, entre las que destacan pepinazos del calibre de "No One Knows", "First It Giveth", "Hangin' Tree" o "Go With The Flow", pero aquí cada cual pondría las suyas y no se equivocaría, ninguna le va a la zaga a las demás. Como curiosidad comentar que los temas están unidos por una locución radiofónica en español (no sé si el locutor es real o no) que le da un puntillo curioso al disco.

La verdad es que hay un millón de detalles a comentar sobre este disco, pero ello no te debería alejar del principal objetivo de este blog, y es que si aún no te los has echado a la oreja le pongas remedio a la mayor brevedad. ¡Ya tardas!

Como decíamos ayer: la música primero se escucha y luego, si acaso, se comenta. ¡Salud!

MC5 - Back In The USA

2010-12-06T12:42:00.003+01:00

1970. Pues otros que no habían aparecido por aquí. Como el "Kick Out The Jams" me parecía demasiado evidente vamos con el segundo, este "Back In The USA" que además es mi favorito de entre los tres discos que publicaron los de Detroit, a pesar de la que considero que es una floja producción que resta contundencia a los temas y que estuvo a cargo del celebérrimo Jon Landau. Siempre digo que la música es para escucharla, no para hablar de ella, y como hoy no estoy muy hablador pero sé que a alguno le interesará el tema aquí va un enlace con suficiente info: http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article2883.html. O tirad de wiki si es menester. Salud!

Sonny Rollins - Saxophone Colossus

2010-11-26T11:44:00.005+01:00

1956 fue un año tremendamente productivo y decisivo en la carrera de Sonny Rollins. Ese año grabó nada menos que seis elepés como líder y unos cuandos más como sideman, incluyendo clásicos como "Sonny Rollins Plus 4", "Tenor Madness" (con el único dueto conocido con John Coltrane) o "Plays for Bird", pero sin lugar a dudas su pieza maestra, no ya de ese año si no de toda su discografía, es este "Saxophone Colossus", piedra angular del estilo y su trabajo más relevante históricamente.

Sonny Rollins se hizo un nombre en la escena grabando con artistas del calibre de J.J. Johnson, Fats Navarro, Bud Powell, el Modern Jazz Quartet, Miles Davis, Thelonius Monk o el quinteto de Brown-Roach , para comenzar a grabar como líder a partir de 1953, estableciendo una cierta rivalidad con Coltrane por el supremacía en el saxo tenor, si bien a partir de estilos totalmente opuestos.

Ya que citábamos antes la banda de Max Roach hay que decir que este "Saxophone Colossus" está grabado en una sesión tan sólo 4 días antes de la desgraciada muerte de Clifford Brown, el otro puntal del quinteto y que nos privó de ver las que a buen seguro hubieran sido unas provechosas uniones futuras.

Hablando de miembros, acompañan a Rollins tres monstruos como fueron Tommy Flanagan al piano (sesionero infatigable), Doug Watkins al bajo (miembro fundador de los Jazz Messengers, de temprana muerte) y Max Roach a la batería (un dios de las baquetas que ha tocado con todo cristo). Sólo queda vivo de la formación el propio Rollins, y es que ya ha llovido desde 1956...

Se queda en el tintero hablaros sobre el sello Prestige (que tiene miga...) y los vicios del amigo Sonny, pero eso ya será otro día.

Y poco más os cuento, uno de esos discos que todo aficionado tiene o debería tener, una puta obra maestra. ¡Salud!

Freddie King - Getting Ready...

2010-11-21T14:05:00.009+01:00

1971. Me costó dios y ayuda encontrar esta reedición del "Getting Ready..." del amigo Federico, pero por fin hace unos meses cayó en mis manos. Esta fue la versión (DCC Compact Classics) que me pasó hace ya unos cuantos años mi amigo David, y nunca le estaré lo suficientemente agradecido. No es fácil de encontrar, la verdad, ya que es la única edición con esos dos temas extra (grabados en las mismas sesiones) que veis en el scan de abajo; las reediciones posteriores se limitan a incluir los temas que aparecieron originalmente en el disco.

Este fue el primero de los tres discos que Freddie grabó en Shelter Records, sello creado por Leon Russell un par de años antes y que lamentablemente tuvo una existencia bastante efímera. Seguramente sea mi disco favorito de nuestro rey, donde se muestra en estado de gracia y con absoluta confianza en sus capacidades vocales (confianza que no siempre tuvo), además de estar acompañado por un plantel de músicos de auténtico lujo, como el propio Leon Rusell, Don Preston, Donald "Duck" Dunn o Charles Blackwell. Repertorio repleto de versiones, sí, pero vaya versiones! El "Going Down" que le escribió Don Nix es una de las cosas más maravillosas que te puedes echar al oído y otras como "Five long years", "Key to the highway" o "Palace of the king" creada para la ocasión te dejarán con la boca abierta. No, no es nada nuevo, pero no puede estar mejor hecho y eso sí que tiene mérito. ¡Salud!

Pat Benatar - Greatest Hits

2010-11-16T19:43:00.005+01:00

2005. Pat Benatar es una cantante neoyorquina nacida en 1953 de enorme éxito durante la década de 1980, particularmente en USA. A día de hoy lo cierto es que está bastante olvidada, pero la muchacha tuvo en su momento hasta algún número 1 en listas, amén de unos cuantos Top 10 y cuatro Grammy's. Su música oscilaba entre el pop-rock, el AOR y en ocasiones el hard-rock, pero como os podéis imaginar si hablamos de una cantante lo realmente significativo era su personal timbre de voz y su potencia, amén de cierta sensualidad un tanto andrógina, 80's style. Siempre acompañada de su marido Neil Giraldo, excelente guitarrista y solvente compositor, cimentó su carrera en la citada década con baladas, poderosos medios tiempos y algún arranque de garra que la acercaba al rock duro. Pues nada, correctísima recopilación (además ordenada cronológicamente, algo que un servidor agradece siempre) para quien se quiera acercar a la obra de esta mujer de bandera. Para alguno será un poco blandita pero a buen seguro que hará tilín a los amantes del arena rock. ¡Salud!

Sulo - Hear Me Out

2010-11-10T11:38:00.010+01:00

2008. Tercer disco en solitario del cantante y co-fundador de Diamond Dogs, Sören "Sulo" Karlsson, muy en la línea de lo que ultimamente nos ofrece su banda, con la peculiaridad de una mayor presencia de metales. Quizá es su disco más logrado, de su producción en solitario, quiero decir, y de nuevo le acompañan componentes de Diamond Dogs, a destacar Lars Karlsson (guit) y por supuesto The Duke of Honk [Henrik Widén] (teclas) que también se encarga de la producción. El repertorio está compuesto en su mayoría por temas del propio Sulo a los que hay que añadir una versión del gran Frankie Miller (acompañado de la cantante sueca Louise Hoffsten) y otra del también sueco Nisse Hellberg. Colabora asimismo la cantante Sara Löfgren, famosa por su paso por la versión sueca del programa Fama (!). Pues eso, rock en la línea The Faces/Rod Stewart bien compuesto y mejor ejecutado. ¡Salud!

Roky Erickson - Gremlins Have Pictures

2010-11-07T11:17:00.023+01:00

1986. Tremenda colección de inéditas y directos del otrora líder de 13th Floor Elevators grabadas durante el periodo 1975-1982. Fue publicado por primera vez en 1986, aunque esta que tengo yo es la reedición de 2005 de Rykodisc. Sencillamente impresionante. ¡Salud! (también mental, que a Roky no le sobra)

Cobbled together from live tapes, studio outtakes, and casually recorded demos, Gremlins Have Pictures was the lesser of the two albums Roky Erickson recorded for the Restless-distributed Pink Dust label, though it still captured the psychedelic pioneer in potent and hard rocking form. Several different backing bands appear on these tracks -- ranging from the tight and empathetic the Aliens to Texas proto-punk also-rans the Explosives -- but Erickson was in strong voice when this stuff was put on tape (no dates are included, but most of this probably dates from the early '80s), and even the lesser musicians at least try to match him for energy (and often succeed). Gremlins Have Pictures also preserves some of the less well-known titles in the Roky Erickson songbook; while "I Have Always Been Here Before" is once again recycled here, the oddball ballads "Anthem (I Promise)" and "Song to Abe Lincoln" and potent rockers "The Interpreter" and "Cold Night for Alligators" rank with Erickson's more memorable tunes, and the into-the-wind cover of the Velvet Underground's "Heroin" certainly ups the frenzy factor of the original. Gremlins Have Pictures is a patch job, but at least it's a patch job done with care and concern for the material, and musically it has a lot more going for it than the wealth of semi-authorized Erickson sets floating around. [Rykodisc's 2005 reissue adds four songs to the original 12-track American edition -- "Bermuda," "Burn the Flames," "I'm a Demon," and "The Beast."] ~ Mark Deming, Rovi All Music Guide

Roky (pronounce rock-eeh) Erickson was founding member and lead singer of psychedelic band, Texas’ infamous Thirteenth Floor Elevators. Erickson explored the far reaches of musical and personal extremes. Young musicians like Jerry Garcia, Grace Slick, and Janis Joplin jammed with the influential group. Following a nightmarish '70s mental-hospital stint that had a devastating long-term effect on his mental health, Erickson's subsequent solo work with his group The Aliens revealed a singularly brilliant songwriter and performer whose talent was no less impressive for the fact that he was singing about zombies, vampires and aliens. The demons that abound in Roky's songs are all-too-real reflections of his own troubled psyche, and the combination of the artist's oddly poetic lyrical constructions and his bracing banshee wail makes it clear, as it wasn't always, that he's not kidding! Don’t Slander Me and Gremlins Have Pictures, recorded 1975 -1982, document Roky’s genius.

The hodgepodge of outtakes and odds 'n' ends that makes up Gremlins Have Pictures is culled from the period between 1975 and 1982, and features Erickson solo as well as backed by three different groups -- the Explosives, the Aliens and Blieb Alien. Only the Explosives are remotely competent, although Roky himself is surprisingly together for many of these recordings, especially those cut in San Francisco in 1982 with guitarist Jack Johnson; the best of them is "I Have Always Been Here Before," on which Erickson acknowledges a connection between himself and fellow walking casualty Syd Barrett. Also included: a cover of the Velvets' "Heroin," ~ Jason Ankeny

American Minor - The Buffalo Creek EP

2010-11-01T14:08:00.001+01:00

2004. Uno más de esos casos de bandas que tras publicar un LP excelente desaparecen de la faz de la tierra. American Minor fue una banda formada en la pequeña ciudad de Charleston, capital de Virginia Occidental. Con sólo una maqueta anterior consiguieron firmar contrato con Jive/Zomba para la publicación de este EP, producido por el afamado John Goodmanson y que contó con la colaboración del no menos insigne teclista de los Heartbreakers de Tom Petty, el fantástico Benmont Tench. La cosa parecía ir sobre ruedas, publican un año más tarde su LP debut y, de repente, se acabó. No me preguntéis el porqué, el caso es que el grupo dejó de existir. Buscando por la red he encontrado un tema grabado recientemente por el que fue su cantante, Robert McCutcheon, que podéis escuchar clickando sobre su nombre (es otra onda, advierto). Bien, este Ep que propongo hoy se compone de 4 temas de hard rock clasicazo con tintes sureños, 2 de los cuales fueron incluídos en el LP posterior, así que tenemos otros 2 que sólo se pueden encontrar en este "The Buffalo Creek EP", nombre de una de las canciones que narra el desastre acaecido en 1972 casi a la puerta de sus casas, tras la rotura de una presa que contenía materiales residuales que acabó con la vida de 125 personas y marcó la vida de toda la comarca. Podéis leer del tema aquí. Pues eso, tal como vinieron se fueron, dejándonos un escueto legado y la pregunta de qué habría sido de ellos si la cosa hubiera seguido adelante. Afortunadamente mientras reflexionamos sobre ello podemos acompañarnos de su música. ¡Salud!

Originally from rural Charleston, WV, the guys in American Minor relocated to the college town of Champaign, IL, around 2002. The young quintet made a quick impression locally with its blend of stinging hard rock, old Faces records, and shades of blues and Southern rock, and soon a buzz was afoot. Eventually Rob McCutcheon (vocals), Bud Carroll (guitar), Bruno (bass), Josh Knox (drums), and Josh Gragg (guitar) hooked up with David Lowery, who helped them record a demo. South by Southwest followed in 2004, and American Minor caught the ear of ex-Blind Melon members Christopher Thorn and Brad Smith, who brought the band to Jive Records. American Minor signed, and issued the Buffalo Creek EP through Jive in October 2004. Their self-titled full-length followed in August 2005. (Johnny Loftus - Allmusic)

Jimmy Smith - The Sermon!

2010-10-31T13:29:00.003+01:00

1958. Poco se puede añadir a lo mil veces dicho sobre Jimmy Smith, el que es sin la más mínima duda el más importante "hammonero" de la historia, auténtico motor de su desarrollo (el del órgano Hammond B-3, of course) e inclusión por derecho propio entre los instrumentos de jazz. Smith ha tocado con TODO el mundo y sus grabaciones para Blue Note son especialmente excelsas e influyentes. En este LP de 1958, de tan sólo 3 temas grabados en 2 sesiones, está acompañado por la flor y nata del sello, Morgan, Donaldson, Coleman, Burrell, Blakey... una especie de imbatible all-stars de los que le gustaba montar a Alfred Lion, fundador del sello y productor del disco, con la habitual ayuda de RVG. Eso sí, juntos pero no revueltos, tenéis los participantes en cada tema en el scan de abajo. Hard-bop calidad suprema, señores. Convierte tu casa en una iglesia y prepárate a escuchar "el sermón". ¡Salud!

Jimmy Smith put the Hammond B-3 organ on the jazz map for good in the 1950s. The Sermon, dating from 1958, is among his best recordings, featuring the exceptional lineup of trumpeter Lee Morgan, altoist Lou Donaldson, tenorman Tina Brooks, guitarist Kenny Burrell, drummer Art Blakey, and others. Smith's smooth, vibratoless sound perfectly suits the nimble and prodding leads of the player as he touches on R&B, soul, blues and, of course, gospel. This brings us to "The Sermon," which is reason enough to seek this gem out. Smith's group takes the title tune out for a 20-minute, fully improvised, slow-blues stroll, during which each player shares the spotlight. The soul-stirring feeling set in motion by Smith rubs off on the other musicians to make this tune and album a defining moment in organ jazz, and even in soul music. The Sermon stands as a sparkling gem in the Rudy Van Gelder reissue series.

(Tad Hendrickson)

Screaming Lord Sutch - Rock & Horror

2010-10-28T12:32:00.001+02:00

1982. Pionero del llamado rock teatral, locutor de radio, candidato en elecciones británicas (llegó a conseguir que unos cuantos cientos de zumbados le votaran) pero sobre todo líder de The Savages, banda que contó en sus filas con ilustres como Jimmy Page o Ritchie Blackmore, Screaming Lord Sutch es un caso ciertamente atípico en el mundo del rock. Son mil las aventuras en las que ha estado involucrado este hombre, al que no habíamos tenido el gusto de tener hasta ahora en el Reino, tantas que no me voy a cansar en relatarlas, aunque os animo a buscar información al respecto, que merece la pena. Y bueno, fotos, busca fotos, sobre todo de los '60s. Esta especie de recopilación publicada en 1982 recoge regrabaciones (por eso lo de "especie") de temas clásicos de su carrera como "Screem and Screem" o "Jack the Ripper". Sinceramente creo que muchas suenan mejor que las originales, tocadas además por músicos de talla (componentes de The Downliners Sect, de la banda de Rory Gallagher...), pero bueno, también comprendo que se prefiera lo original. Pues eso, un tipo al que el adjetivo "extravagante" se le queda muy pero que muy corto. ¡Salud!

Judas Priest - British Steel

2010-10-25T20:19:00.008+02:00

1980. Ay, los Judas, los Judas, cuanto tiempo sin pasar por aquí... Judas Priest son como la Coca-Cola o el pan Bimbo, marcas que definen un género, y decir Judas Priest es decir heavy metal. Ni más ni menos. Dicho esto, no creo que os descubra nada nuevo de la banda así que me limito a comentar que con este disco y la entrada del ex-Trapeze Dave Holland tras los tambores se estabiliza la que vendría a ser la formación clásica de la banda, con Halford, Tipton, Downing y Hill, como siempre. Sobre el contenido estrictamente musical, Judas Priest se descolgaron en ese lejano 1980 con una de las más apabullantes colecciones de hits metaleros que te puedes echar al oído. Uno tras otro van cayendo temazos acojonantes que te enganchan a la primera y permanecerán contigo hasta que seas pasto de los gusanos, avisado quedas. A poco que te emociones te verás a tí mismo alzando el puño, poniendo cuernos, haciendo headbanging o tocando tu guitarra imaginaria, que sé que la tienes :) La edición que poseo, de la magnífica colección de remasterizados de 2001, añade dos temas extra a los 9 originales, una inédita (que, bueno, sinceramente, se la podían haber ahorrado) y la otra una versión en directo de "Grinder". "Rapid fire", "Breaking the law", "Living after midnight"... ¿Hace falta decir más?. Pues eso, ¡Salud, hijos del metal! :D

Dusty Rhodes and the River Band - Palace and Stage

2010-10-20T12:45:00.004+02:00

2009. Esos chicos de la foto con pinta de inadaptados sociales son Dusty Rhodes and the River Band, grupo proveniente de Anaheim, California que practican una curiosa mezcla de folk, soul, indie rock y demás hierbas. Formados en 2002 no es hasta 2006 que consiguen grabar su primera referencia, un EP de 6 temas llamado "Cut open like a fish" inencontrable hoy día. Un año después vuelven con su primer largo, "First you live" (2007), donde ya dan muestras de su originalidad, algo que se hace aún más patente en este segundo LP y último hasta la fecha, "Palace and Stage" (2009), que como digo viene a ser un "más y mejor" del primer disco. Imposible no citar alguna de las señas de identidad del sonido del grupo como son la inclusión de violín (que lleva el peso de la melodía en muchos temas) y el hecho de que casi todos los componentes canten en mayor o menor medida (comandados, eso sí, por el teclista Dustin Apodaca). En resumen, un grupo poco conocido por estos lares y algo fuera de la línea habitual del blog pero que merece unas escuchas. A mí me encantan. Queda dicho. ¡Salud!

MySpace de la banda.

Los Enemigos - Ferpectamente

2010-10-12T12:22:00.001+02:00

1986. Hace unos días me di cuenta de la vergonzosa ausencia en este blog de uno de mis grupos nacionales favoritos, Los (inimitables) Enemigos. Como soy un tipo ordenado (esto me lo repito mucho a ver si me lo creo...) me he dicho que lo mejor es empezar por el principio, y en eso estamos, con el debut discográfico de este trío madrileño (de Malasaña, para ser más exactos) autor de algunos de los mejores pasajes del rock español. Tampoco me voy a esforzar en hacer un repaso a su carrera ni en analizar el disco, no iba a aportar nada nuevo, pero podéis leer una interesante crónica aquí, y de paso me ahorro escribir más. :) Salud!

Boogaloo Joe Jones - Right On Brother

2010-09-26T20:12:00.011+02:00

1970. Boogaloo Joe Jones (de nombre real Ivan Joseph Jones) es una guitarrista estadounidense que se hizo relativamente conocido al ser durante años (mediados-finales de la década de 1960) guitarrista de sesión para el sello Prestige, discográfica que también editaría sus primeros álbumes en solitario, como este "Right On Brother" que nos ocupa y que fue el cuarto disco para dicho sello. A partir de 1969 adoptó el apodo de "Boogaloo" para evitar confusiones con otros músicos con su mismo o parecido nombre. Sinceramente lo conozco desde hace poquísimo tiempo pero lo que he tenido tiempo de escuchar hasta el momento, aparte de este disco, me parece excepcional, la obra de un guitarrista extraordinariamente dotado, con un estilo que bebe directamente del blues para derivar en una amalgama soul-jazz y acid jazz que lo situaba a la vanguardia del género. A pesar de este y otros discos fantásticos y sus muchas colaboraciones nunca ha sido un tipo excesivamente reputado ni conocido por el gran público, así que, como siempre, aquí estamos esparciendo la semilla en la medida de nuestras posibilidades. En este disco estaba acompañado, entre otros que podéis ver en el scan de abajo (tremendo Rusty Bryant), por el soberbio Charlie Earland, favorito personal que ya ha aparecido por aquí hace algunos meses. Otra estupenda remasterización de Rudy Van Gelder, garantía de calidad. No lo dejes escapar. ¡Salud!

John Cougar - American Fool

2010-09-16T18:34:00.005+02:00

1982. Creo que el amigo no necesita carta de presentación así que no me voy a enrollar demasiado. Sexto álbum de su cosecha y último de los publicados con el sobrenombre de John Cougar. A partir del siguiente publicó como John Cougar Mellencamp ("Uh-Huh" y "Scarecrow") para quedarse en John Mellencamp a secas a partir de "The Lonesome Jubilee". Aquí se empieza a atisbar el artista que lleva dentro, con personalidad propia, para ir dejando un poco de lado al émulo de Springsteen en que su compañía de discos siempre le quiso convertir. Este "American Fool" supone su puerta de entrada al estrellato, con enormes ventas y un número 1 en la lista Billboard (que no ha vuelto a repetir), gracias en buena parte al exitazo del single "Jack & Diane", una sencilla historia de amor adolescente. Y bueno, poco más os cuento, a pesar de que con el tiempo su música haya ganado en matices este disco que comentamos hoy es simplemente rock americano de la mejor factura y con un poso F.M. bastante acusado. Así son las cosas y así se las hemos contado. ¡Salud!

PD: Muchas gracias a todos los que pasásteis por el anterior post a saludar. ¡Se os quiere! (Tito Rosendo dixit)

¡A tomar por culo! ¡500.000 visitas!

2010-09-12T11:10:00.002+02:00