Blue Harlem - Talk To Me (feat. Imelda May)

2005. Hace unos días estuve viendo a la formación actual de Blue Harlem con Sophie Shaw, su actual cantante. El concierto, como era de esperar, fue exquisito, unos músicos más que profesionales y entregados y Sophie cantando muy bien, con personalidad y buen rollo. Venían presentando el que es su último CD, "I Dare You", pero vamos a hablar hoy de su anterior lanzamiento, este "Talk To Me" grabado a comienzos de 2005 en el que la encargada de la parte vocal era, ni más ni menos, la inigualable (y guapa) Imelda May. Dos años antes de este LP se publicó su primer disco en solitario que salió bajo su nombre de soltera, Imelda Clabby, el también fantástico "No Turning Back" (2003), que fue regrabado y relanzado hace unos meses tras el éxito de su segundo álbum, el maravilloso y ya comentado por aquí "Love Tattoo" (2008). También hay que señalar que Imelda es la esposa de Darrel Higham, una leyenda del rockabilly en las islas británicas.

Al contrario que en su obra en solitario, donde tira más hacia el rockabilly, en este disco el sonido recrea fundamentalmente el swing y jazz vocal de los años 40 y 50, por supuesto sin olvidar el blues y derivados. La banda suena impresionante, nueve tios arropando a Imelda con un conjunto de metales que tira pa'trás, aunque hay que decir que en directo la banda es algo más modesta, al menos por lo visto en mi ciudad. Muy recomendado para los seguidores de Imelda, que me consta que crecen y crecen sin parar o para los amantes de los géneros antes citados. Sí, no serán los mejores en su estilo, siempre sale el listo de "buah, es que fulanito suena mejor y es más auténtico" (pobres de espíritu...) pero el disco es muy entretenido e incita al baile cosa mala. ¡Que siga la fiesta!

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Marvin Gaye - At The Copa

1966. Esto que tengo hoy entre manos es la excelsa edición de 2005 de un concierto grabado en 1966 en el Club Copacabana, exclusivo club neoyorquino que ya había visto la actuación de otras ilustres del sello Motown como eran The Supremes, el grupo en que se dio a conocer Diana Ross. Además era escenario habitual de grandes artistas de la época y de todos los tiempos como Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. o Nat King Cole. Por lo visto Berry Gordy, el capo de Tamla-Motown, no quedó satisfecho con el resultado final y esta grabación, a pesar de tener incluso una referencia asignada en el catálogo de Motown, quedó guardada en un baúl hasta hace 4 años escasos. El hecho del prolongado "cautiverio" de este disco no tiene en absoluto que ver con la calidad del mismo. La razón fundamental fue que Gordy no vio con buenos ojos una grabacion donde Marvin demuestra toda su versatilidad y variedad de registros, escapando del sonido Motown que Gordy imponía a todas sus producciones. Aquí el bueno de Marvin emula a grandes del género como Jackie Wilson o Sam Cooke que no tenían ningún problema en interpretar "standars" si la ocasión lo requería, mezclando swing, soul y un enorme sentido del espectáculo a partes iguales. El repertorio se compone de clásicos de Porter, Holland/Dozier/Holland, por supuesto Gordy que firmaba todo lo que le dejaban y más, hasta se acerca a Brasil con un tema de Edú Lobo. Está acompañado de una orquesta de composición desconocida y tiene un sonido que es una delicia, lleno de matices y variedad, se puede oir perfectamente al público y hasta juraría que varias veces se oyen copas brindando, ya no se graban los discos así. En fin, que como os digo es una pequeña rareza en la discografía de este hombre, inédita hasta hace poco y que nos muestra el primer Marvin Gaye, bastante alejado de los discos posteriores de Motown por los que es más recordado, ya sabéis, "What's goin' on", "Let's get in on" y demás, aunque tampoco podemos olvidar sus discos de duetos con Mary Wells (que de hecho es anterior a este directo), Tammi Terrell u otros clásicos como "I heard it through the grapevine", todos más que disfrutables. Lo cierto es que este tipo tiene una de las discografías más sobresalientes que uno pueda imaginarse. Pues eso, sobretodo para completistas pero también para aficionados con un poco de curiosidad, como es mi caso. ¡Que viva el cabaret, chavales! "That's entertainment!"

Jimmy McGriff - Electric Funk

1969. Vamos de nuevo con otra racción de órgano Hammond, hoy de la mano de otro de los "dioses" del instrumento. James Harrill McGriff Jr., conocido como Jimmy McGriff, aprendió a tocar el piano a la tierna edad de 5 años. Tambien aprendió, con el tiempo, a dominar vibráfono, saxo, batería y bajo, hasta que tuvo que "servir a su país" en la guerra de Corea, donde fue policía militar. A su regreso pasó a formar parte del cuerpo de policía de Filadelifia durante un par de años. Su carrera musical, en una vocación que parece pasar de colegas a colegas, comenzó haciéndose cargo del saxo en diversos grupos, para abrazar definitivamente el órgano, según dicen, al ver tocar a Richard "Groove" Holmes en la boda de su hermana. Hay que decir que McGriff era amigo de infancia de Jimmy Smith, por lo que no era en absoluto ajeno al sonido de este maravilloso instrumento. El éxito de éste le animó a formar su propio grupo con él de organista. De hecho en una de sus bandas militó Charles Earland, de quien hablamos el mes pasado, que a su vez dejó el saxo, que era su instrumento de entonces, para pasarse también al Hammond. La historia parece que siempre se repite. Este disco que os recomiendo hoy es completamente instrumental, grabado en 1969 para Blue Note y con una formación, lamentablemente, desconocida. El único acreditado además de él es el polifacético Horace Ott, que se encarga del piano y los arreglos, además de ser el autor de 5 de los 9 temas del disco. Horace es un auténtico todoterreno cuya vida y obra dan para un post aparte, compositor, productor, arreglista, ha trabajado casi con todo el mundo y escrito algunos temas famosísimos, una barbaridad de tío. Pero como os decía es una pena que no especifiquen el resto de la formación, porque suena de miedo. La cosa, como se puede intuir por el título, se puede decir que es un jazz funketizado, lleno de melodía y con un ritmo infernal, demostrando que Jimmy estaba en forma increíble y con un dominio absoluto de su instrumento. Esto ya es un clasicazo que no puedes dejar de escuchar si te van mínimamente los sonidos jamoneros. Ah, este sí que está en Spotify. Hale, con dios!.

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Los Impala - ¡Estos son Los Impala!

1968. Vamos a dar hoy otra vuelta de tuerca al blog. Los Impala son un grupo pionero del rock venezolano que junto a otros como Los Supersónicos, Los Claners, Los Darts, Los Dangers o Los Blonders ayudaron a establecer el idioma del rock en el país sudamericano. Se forman en 1958 (o el '59, depende de la fuente consultada) en la ciudad de Maracaibo cuando sus componentes estaban aún en edad escolar. Tras unos años e innumerables cambios de formación se presentan en Caracas donde tras varios conciertos van cogiendo fama y empiezan a colaborar con Radio Caracas. Poco a poco y de nuevo con más cambios en la formación de por medio comienzan a girar por paises del entorno hasta que a finales de 1966 dan el salto a Europa, estableciéndose en España pero también girando por Reino Unido, Francia, Holanda, Dinamarca e Italia. En España graban varios discos, el primer largo con Sonoplay y el segundo con la discográfica Marfer, que es este que comentamos hoy, grabado en 1968 en Madrid. Más adelante, tras una corta estancia en Estados Unidos, grabaron un tercero, ya en su etapa plenamente progresiva. Pero en el año de 1968 Los Impala aún estaban en una época en la que mezclaban fantásticas versiones de grupos pop y rock coetáneos, con temas propios y más versiones de artistas soul. Aquí podemos encontrar 7 temas propios más 2 versiones de Joe Tex, otra de James Brown, una de Zoot Money y otra más de Procol Harum, ahí es nada! No me enrollo más porque sorprendentemente hay abundante información en la red acerca del grupo, aprate que con tanto cambio de formación y edición de EPs y singles la cosa se lía un poco y es complicada de explicar. La formación que grabó este disco es la siguiente: Bernardo Ball (batería), Frank Belisario (guitarra), Edgar Alexander Quintero (guitarra y voz), Nerio Quintero (bajo y voz) y Rudy Márquez (voz principal). Una banda más que interesante que he descubierto hace muy poquito y que os quería recomendar.

John Fogerty, Madrid 13 de Julio de 2009

Impresionante, amigos, sencillamente impresionante, no hay mucho más que añadir aunque como sabéis los que me conocéis hay pocas cosas que me dejen sin palabras, no callo ni debajo del agua. Creo que en lo que llevo de blog no he hecho todavía un comentario al respecto de ningún concierto. No es porque muchos no lo hayan merecido, es simplemente por que no soy un buen cronista de conciertos, uno conoce sus limitaciones. El desparrame propio de las actuaciones en vivo y la ingesta de diversas sustancias hacen que casi nunca sea capaz de recordar set lists y demás, aparte que casi siempre hay otros blogs y diversos medios que hacen comentarios más acertados de los que seguramente yo mismo podría hacer, pero esto que vimos ayer unos cuantos afortunados en Madrid fue demasiado especial para mí como para no hacer esta pequeña reseña en el blog. Casi dos horas estuvo el bueno de Fogerty encima del escenario dando lo mejor de él y, creo que no hay mayor halago para un músico: Haciéndonos felices. Tan simple como eso, tres mil almas vibrando al unísono con un tipo de 64 tacos con más vitalidad en el cuerpo que la mayoría de los que estabamos por allí, que por cierto quien os escribe le llega a la mitad de la edad. ¡Quién llegara a la suya con la mitad de energía!. Y bueno, como no sólo de vitalidad vive el músico hay que decir que el amigo tiene un cancionero sin parangón, como decía en el anterior post, una capacidad de conexión con todo tipo de gente y de todo tipo de edades que es para analizar. El genio de las canciones de tres minutos, el dios de la canción perfecta. Como perfecta es su puesta en escena, su entrega, su notable banda de acompañamiento y todo lo que rodeó el show. ¿Una pega? Como apasionados de su música que somos siempre queremos más, y nos quedamos con ganas de escuchar algunos temas preferidos de cada uno, algunos de los cuales va alternando en los set lists de gira, demostrando también que no va a piñón y que sabe que tiene mucho más que lo que llega a ofrecer, pero claro, tampoco le vamos a pedir que se esté 3 horas en el escenario, os recuerdo que son 64 los que calza, aunque servidor y seguro que la mayoría de los presentes lo estaríamos escuchando y viendo 15 horas seguidas llegado el caso (¡Quién lo pillara!). Salí de allí con una expresión de felicidad como pocas veces he tenido. Como le decía a mi amigo Raúl casi cada vez que empezaba un tema: "¡Qué fácil es hacerme feliz!". O bueno, fácil, fácil no tanto, ha costado unos añitos tener la oportunidad, casi el privilegio de verle. Por lo demás un viaje perfecto en todo sentido, sin llevar nada preparado salió como si lo hubieramos planeado al milímetro, ni la invasión de Polonia oye! El post concierto también estuvo más que interesante y nos dió mucho juego (y nos dará...), pero esos ya son temas que no tienen cabida en un blog fundamentalmente musical como este. :-) Ahora mismo estoy todavía hecho polvo, pero qué cojones, lo bien que lo pasamos... Un abrazo a Raúl, Rober y Óscar, compañeros de fatigas de la jornada. ¡Os quiero, tíos! Como dije hace tiempo por aquí, parafraseando a Trueba cuando recogió el Oscar, "no creo en dios, pero creo en John Fogerty". Hasta el momento me ha dado más satisfacciones. :D

John Fogerty - The Blue Ridge Rangers

1973. Vamos de nuevo con la música, que al fin y al cabo es lo que nos interesa. Aprovechando que por fin se dejará ver por España dentro de unos días rescatamos el que fue primer disco en solitario del líder de Creedence Clearwater Revival, el inimitable John Fogerty. Tras la ruptura de la banda en octubre de 1972 Fogerty se embarcó en este personalísimo proyecto donde rendía tributo a sus orígenes country y que salió al mercado originalmente como "Blue Ridge Rangers", tanto el autor como el disco llevaban ese título. No fue hasta la reedición en los años '80 que el disco se quedó con el nombre y éste se acreditó a nombre de su autor (abajo tenéis una reproducción de la portada original). Digo personalísimo y digo bien, por que no hay música más personal que aquella en la que te encargas de todos los instrumentos, y el bueno de John es lo que hizo en esta ocasión. Todo lo que suena en el disco salió de sus manos y de su voz, grabó todos los instrumentos y se dobló la voz para los coros, que cuando entran es como escuchar a 5 fogertys, lo que no está nada mal, por cierto. El repertorio está escogido entre clasicazos country a los que, en la parte vocal de algunos temas, John les da un aire gospel que da como resultado una combinación más que interesante, algo así como gospel meets country, si me permitís la expresión.

El disco salió al mercado en 1973 todavía con Fantasy, la compañía que le tenía pillado de los huevos (con perdón) en la Creedence y a la que aún debía 8 discos (!). Afortunadamente para nuestro héroe la cosa funcionó muy bien, de hecho mucho mejor que el último disco de la banda que había tenido un muy tibio recibimiento. Como sabréis John grabó otro disco más con esa discográfica ("John Fogety", 1975) y otro más que nunca llegó a publicarse oficialmente e iba a llamarse "Hoodoo". Se dice que quemó los masters para que no llegara a publicarse nunca, pero lo cierto es que corren por la red varios archivos con los temas que iban a conformar ese disco, con bastante mal sonido, todo sea dicho. Despúes vino una larga temporada de silencio y la vuelta por la puerta grande con "Centerfield" (1985) tras la compra de su contrato por parte de Asylum, en una apuesta arriegada (o no tanto, sabedores como somos del inmenso talento del amigo) pero que se vió recompensada con unas ventas millonarias. Y poco más os cuento, un disco imprescindible para conocer la figura de John Fogerty, para un humilde servidor el músico vivo más grande del mundo. Aprovecho para preguntaros: ¿Quién dirías tú?.

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