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martes, 2 de junio de 2009

Más sobre el Rango Dinámico

Lo que sigue es un texto que me ha hecho llegar Homework (un habitual y buen amigo del blog), escrito por él, al hilo del post del Rango Dinámico. Me parece muy interesante y complementario a aquel, así que con el beneplácito del autor he decidido incluirlo. Aclaro que responde también a los comentarios del post citado (atentos Lich y FerGil), para que no perdáis el hilo. Allá vá:
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¡Hola, reinantes mondongueros! No tengo por menos que darle la razón a este ingeniero. Dedico mi profesión a la tecnología de la música tanto doméstica, HI-FI, como profesional, sonido "enlatado" y directo y todo lo que hay a su alrededor desde hace 30 años y he visto todos los cambios tecnológicos. Pues bien, es cierto que el aumento de rango supone la pérdida de calidad, no por estar un CD grabado a un rango dinámico más cercano o superior a 0dB, suena mejor, al contrario, al aumentar el rango aumenta la impureza propia de la señal, distorsión armónica, relación señal/ruido mayor, etc.
Antes, en un LP o cassette era apreciable el wow y/o flutter del rozamiento de la aguja y/o cabezal sobre los soportes (vinilo o cinta), con señal baja tenía la ventaja de poder eliminarlo(o casi) con un buen ecualizador y/o reductores de ruido (Dolby).Ahora se usa el Dolby también, pero si lo escucháis detenidamente no tiene casi apreciación auditiva debido al exceso de rango(a mayor señal menos reducción o filtrado) ¿Por qué? Porque tiene el rango tan cubierto de señal (y ruido, sí, ruido) que no puede cambiar la amplitud de la señal y por lo tanto los rangos de picos y la propia modulación (resultado: nivel de señal (y rango) alto=ruido armónico (distorsión).
La señal ha de ser casi plana(no siempre)para poder modularla con el ecualizador o el mismísimo amplificador que son los encargados de modificar en sí la señal(volumen y rango)en su fase final, la potencia, no en la inicial, la señal virgen o (re)masterizada.
LICH: El criterio "radio" no es correcto en una señal origen. En las emisoras le añaden más amplitud de modulación y rango dinámico para que la FM suene HI-FI y no a AM. No es necesario en una escucha doméstica o profesional. Al contrario, mejor no del todo plana, así podrás modificarla las veces que necesites.
FERGIL: Puedes volver, claro que sí, sólo tienes que grabar tus CD's (si te da la opción tu software del quemador) a un nivel de señal de -12/-14dB (más cerca de cero=más ruido y aparente calidad).
Y no por ser digital ha de suponerse mayor calidad. Recuerdo los primeros CD's ¿Por qué suenan siempre con un rango de frecuencias más bien tirando a agudas (y medios)y con poca banda de graves?¿No os habéis percatado de ello?
La respuesta está en el artículo.
Con un buen plato, una buena aguja, una buena pletina y una buena cinta de Cr o Metal e incluso Fe/FeCr (sin EQ ni filtrado alguno) yo he hecho grabaciones de mayor calidad que un CD.
Una curiosidad ¿Sabíais que los nipones tienen una discriminación auditiva distinta a la europea o americana? (por eso les gustan tanto los sonidos agudos, en su música, instrumentos tradicionales, etc) su tendencia es aguda.
Es por eso que el sonido de fabricación americana o europeo es más bien medio-grave, molestándonos los agudos en los oídos y a ellos no. Su rango de frecuencias en graves no les permite llegar tan abajo y no las oyen y a nosotros el rango de frecuencias altas nos molesta, umbral del dolor=105 dB (imaginaros un sonido agudo a este nivel).Y así fueron grabados los primeros CD's, hasta que las discográficas occidentales dieron el toque mágico a las grabaciones digitales al estilo de los vinilos y de los rangos dinámicos usados hasta mediados de los 80.
En el 81,Philips tenía más que inventado el reproductor láser, Sony compró la patente y lo comercializó por primera vez en el 82.
Los CD's desde entonces han mejorado o mejor dicho las técnicas de grabación, el soporte sigue siendo el mismo, pero han ido en sentido contrario por esa "guerra de dB" comercialoide.
Aún así, prefiero una buena aguja y un buen plato a pesar del sonido rozamiento (y clicks en las ralladuras) de la aguja, sonido, por otro lado, ligado al inseparable vinilo, y por supuesto nostálgico, que un lector láser sin ruido en la máquina, pero no en la grabación del disco.
Siempre que podáis modificar, en el software de vuestro quemador, el rango a -12/-14 dB, HACEDLO, notaréis una gran diferencia, aunque consuma más recursos y/o memoria.
MONDONGO: Tienes razón, el problema no es que nos quieran vender la moto, el problema es que aceptamos comprarlo porque no dejan otra opción. Si no seguiría habiendo platos, pletinas y agujas en el mercado....que pena!!.
No me queda otra opción pero ME RESISTO.
Espero que este pequeño aporte os ayude en algo.
SALUDOS PARA TODOS
HOMEWORK
Junio 2009

lunes, 1 de junio de 2009

SOUL NATION Magazine

A propuesta de un amigo del blog (David) dedicamos esta entrada a una de las pocas, si no la única, revista española dedicada en exclusiva a la música negra en sus múltiples variantes. Tiene una periodicidad semestral y en la propia web tenéis método de contacto y adquisición.

Editorial:

.:: SOUL NATION Nº 8, YA A LA VENTA ::.

Con el calor regresamos. Abandonando una etapa de hibernación como el invierno en la que, mientras unos dormían, otros por el contrario no parábamos de escuchar músicas, disfrutarla en directo. Indagando en novedades y clásicos y dejándonos la sesera en un nuevo número que puedes disfrutar desde ya.
Sí, con ese calor que se pone en las cosas que se hacen con cariño, aterriza el primero de los dos números semestrales que lanzaremos este 2009. Y lo hacemos soplando las velas del 50 aniversario del sello Motown, repasando para ello sus 10 canciones más emblemáticas y entrevistando al que fuera líder de The Miracles y vicepresidente del sello en su golden age, Smokey Robinson y a Otis Williams, fundador de The Temptations. Con semejantes guías, ¿no se adivina un paseo interesante? Junto a estos iconos (artistas y sello), os traemos conversas con Eli Paperboy Red, The New Mastersounds, Beatspoke, Tortured Soul, Wayne Jackson, Heston, Fundación Tony Manero, Marc Ayza, Gospel Factory, Mauri Sanchis, Zwey, Oke o IreneB. Reforzamos con los reportajes de The Four Tops, Matthew Shipp, Quincy Jones, Ravi Coltrane, Jacques Schawarz Bart, Ty Causey, Alba. Desmenuzamos la filmografía de Spike Lee y entramos de lleno en el cálido mundo del nu jazz. Nuestro apartado de sociedad está dedicado a la figura de un luchador de la causa afroamericana como Jesse Jackson. A todo ello, súmale nuestras habituales secciones “Soul Art”, “delicatessen”, los repasos a los DVD’s o nuestra crítica de discos y piensa en que lo tienes todo por sólo 3’95 €. ¿Qué nos dices? ¡Vinimos a quedarnos!

POR ENÉSIMA VEZ...

ES: No hay links de descarga en este blog y no responderé a peticiones de este tipo.

EN:
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domingo, 31 de mayo de 2009

Sonny Rollins and Coleman Hawkins - Sonny Meets Hawk!

1963. Cuando hace unos meses me enteré de la existencia de este disco (uno es un neófito y se va enterando poco a poco de estas cosas) supe que tenía que hacerme con él. Dos de mis saxos tenores favoritos juntos, de ahí no podía salir nada malo. Coleman Hawkins es uno de los padres del uso del instrumento en el jazz moderno, un tipo que llevaba grabando desde mediados de los años 20 y auténtico lucero del alba de todos los que vinieron después. Su importancia capital en el desarrollo del instrumento no puede ser discutida. Sonny Rollins, por otra parte, es uno de sus más destacados discípulos, un tipo que dió un paso más, autor de obras memorables y fundamentales como "Saxophone Colossus", quintaesencia de su estilo y uno de los álbumes de jazz más importantes de la historia. Si Hawkins estaba entre el swing y el bop, Rollins se encontraba entre el bop y el hard, como os digo una evolución lógica. Este disco supuso por una parte la que es quizá la mejor grabación de Hawkins en los años '60 y por otra el regreso por todo lo alto de Rollins, que había estado unos años casi retirado, dicen que por la impresión que le produjo la irrupción en el panorama jazzero de John Coltrane y Ornette Coleman. Se encuentran en el Festival de Jazz de Newport de 1963 y de una colaboración encima del escenario y su excelsa comunicación surgió la idea de grabar este LP. Vale, es verdad que muchas veces la unión de dos genios de este calibre no da lugar a una obra memorable, incluso a grabaciones faltas de garra y energía. No es el caso. Aquí cada ataque del impetuoso Sonny es contestado con maestría por el abuelo, liberado de cualquier atadura estilística. Hay unos diálogos entre ambos que quitan el hipo, sin olvidar la participación de músicos más que experimentados como Paul Bley (maestro!) al piano, Henry Grimes (3, 4 y 6) y Bob Cranshaw (1,2 y 5) al contrabajo y Roy McCurdy a la batería. Grabado en dos sesiones el 15 y el 18 de julio de 1963 para las que eligieron 5 standars y una composición propia de Rollins. Impresionante.

viernes, 29 de mayo de 2009

Border Line Blues Band - Abbe's Bell Do Drier Nun

2009. El amigo Josep nos manda el nuevo disco de su banda, la Border Line Blues Band, de quienes ya nos hizo llegar su anterior lanzamiento. Como él mismo nos manda el link lo pongo por ahí abajo, pero aclaro, antes de que nadie se lleve a engaño, que este sigue siendo un blog SIN descargas musicales, salvo casos puntuales como el que nos ocupa. En este nuevo disco alternan temas propios con versiones de clásicos de siempre y una sorprendente adaptación del "Qué demasiao" de Sabina, rebautizada como su primera frase "Macarra de ceñido pantalón".

Acerca de Border Line Blues Band
BREVE HISTORIA:
La BORDER LINE BLUES BAND, como se la conoce habitualmente, nace en GIRONA el año 2001 como quinteto a raíz de la disolución de las bandas BLUES DE ROSTOLL (1990 – 1997) con dos discos en el mercado y SILUETS (1997 – 2000 ) con un disco publicado.

COMPONENTES:
Eduard Carreras - Voz y Guitarra
Josep Loredo - Saxo Tenor y arreglista
Isaac Casadevall - Batería
Llorenç Pujol - Bajo eléctrico
REPERTORIO:
Temas propios y versiones adaptadas de Elvis, B.B. King, John Lee Hooker y otros músicos que han dejado huella en el Blues. Cantando en Inglés, Castellano y Catalán, la banda viaja a través de la historia del blues, llegando a estilos más actuales como Funky, Rock&Roll y Soul. El amplio repertorio permite a la banda dirigir sus actuaciones a todo tipo de públicos.

ESPECTÁCULO 2009:
“Night & Blues” es un viaje por la historia del Blues, donde un presentador nos narra breves historias y nos cuenta anécdotas sobre el tema que seguidamente tocará la banda. De manera cronológica, empezamos este viaje en los campos de algodón de hace más de un siglo, haciendo varias escalas en Memphis, Chicago, New Orleans, hasta llegar a la actualidad. Los pactos con el diablo de Robert Johnson o las “herejías” de Ray Charles, son algunas de las estaciones en que nos detenemos en este camino.Como en todo buen viaje, Border Line Blues Band busca la diversidad de estilos para plasmar la riqueza del Blues. Entre muchos, la banda toca temas adaptados de Robert Johnson, John Lee Hooker, B.B. King, Ray Charles o Elvis, haciendo incursiones en estilos Latin, Funk y Rock&Roll. Este es un espectáculo divertido y didáctico, pensado para hacer llegar el Blues a todos los públicos.
DIRECTOS DESTACADOS:
Últimamente, hemos actuado en:Hard Rock Café de BarcelonaLa Nova Jazz Cava de Terrassa 16è Festival de Blues de RosesXè Festival de Blues de Manresa (El Sielu)Sala Jamboree de Barcelona

CDs PUBLICADOS:
Aquiteta negra (2003)
De l’Onyar al MississiPpi (2005)
All That Blues ! (2007)
ABBE’S BELL DO DRIER NUN (2009)

PD: Nos dice el propio Josep que: En el Inlay Izquierdo (* arriba a la izquierda, donde vienen los títulos de los temas*) hay un enigma numérico. Al primero que lo descifre y nos lo comunique (hay un enlace en el mismo Inlay), le dedicaremos un tema en nuestro próximo disco.

¡Saludos y suerte!

El Rango Dinámico

Reino de Mondongo Servicio Público Informa:
Este artículo ha aparecido en infinidad de medios, pero no por ello deja de ser interesante y sigue incitando a la reflexión.
El autor es el ingeniero de sonido (masterización, en concreto) Bob Speer, y la traducción corre a cargo de Xavier Blanco.


¿QUÉ HA PASADO CON EL RANGO DINÁMICO?

Hay que hacerse esta pregunta, porque somos los responsables de lo que está sucediendo a la música. La música que escuchamos hoy en día no es nada más que ruido con ritmo. Y esto no es así porque la música sea mala. Es así porque carece de rango dinámico.
Cuando la música no tiene rango dinámico, pierde la pegada, la emoción y la claridad. La industria discográfica insiste en culpar a los P2P, los MP3s, las grabadoras de CD y muchos otros por la caída de las ventas de CDs. Y aunque hay algo de verdad en sus constantes gimoteos, sólo deben culparse a ellos mismos por el robo que están cometiendo contra los consumidores. No soy un abogado de ese robo. Sin embargo, la industria musical necesita reevaluar lo que considera como buena música. La moderna música de consumo no es musical en absoluto. Se puede describir mejor como anti-musical.
Es anti-musical porque la están dejando sin vida a través de la sobrecompresión durante las etapas de tracking, mezcla y masterización. Es, simplemente, no-musical. No es nada extraordinario que los consumidores no quieran pagar por la música que se produce hoy. Cuesta demasiado y suena mal. Nuestra herencia musical está siendo amenazada por esta anti-música. ¡Ya es hora de que despertemos todos en la industria musical!
Pero, ¿qué es el rango dinámico? Rango dinámico es la diferencia entre los sonidos más suaves y los más fuertes que podemos oir. O, por decirlo de otro modo, es la diferencia entre los sonidos más leves y más potentes en una grabación. El rango dinámico se mide en decibelios (dB). El rango dinámico típico para una grabación de cassette está alrededor de los 60 dB, mientras que en las grabaciones digitales actuales (CDs) puede alcanzarse un rango dinámico de 96 dB. Comparad esto con los 120 dB o más que se dan en las actuaciones en vivo.
Durante años, hemos intentado recrear las emociones de una actuación en vivo, intentando mantener un rango dinámico lo más amplio posible. Esto siempre ha sido difícil con la grabación analógica. Teníamos que situar las señales más débiles por encima del umbral de ruido, mientras manteníamos las señales fuertes por debajo del nivel de distorsión. Para evitar que las señales débiles quedasen enterradas en el ruido de cinta, había que grabarlas al mayor nivel posible. Y para evitar la distorsión de las señales fuertes, teníamos que comprimirlas, resultando en un rango dinámico reducido.
A medida que pasaron los años, se hicieron muchas mejoras en la tecnología de grabación de cinta. Esto, junto con los sistemas de reducción de ruido, ayudó a mejorar el rango dinámico de las grabaciones, pero todavía existían limitaciones. Un buen día, asistimos al nacimiento de una nueva tecnología, llamada grabación digital. ¡Guau! Ahora, con un rango dinámico superior a 90 dB, nuestras grabaciones podían rivalizar con las actuaciones en directo. Bueno, en teoría. La industria musical tenía otros planes.
En vez de usar esta nueva tecnología para tomar ventaja de su rango dinámico, la industria musical fue en la dirección opuesta. Decidieron que "más alto es mejor". De repente, nos encontramos en una carrera para ver qué CD sonaba más alto. Y la única manera de hacer que los CDs sonasen más alto era comprimir la señal más y más. Y aquí es donde estamos hoy. Todo el mundo intenta hacer que su CD suene más alto que ningún otro. La palabra que se utiliza para este proceso es "hot" (caliente). Sí, la música de hoy se graba "hot". El resultado neto: ruido con ritmo.
En diciembre de 2001, diversas personalidades de la industria discográfica participaron en un jurado de los Grammys para elegir el CD con mejor sonido. Después de escuchar más de 200 CDs, no pudieron encontrar ni uno solo que mereciese un Grammy, partiendo de los criterios que les fueron dados. Todo lo que escucharon estaba aplastado hasta el extremo, con grandes cantidades de compresión. El apaño que hicieron fue elegir el CD que presentaba menos signos de producción. Realmente, el ganador no lo fue por su gran trabajo de ingeniería de sonido; ganó simplemente porque fue el que menos había ensuciado la señal. Pensándolo bien, quizá eso ya fuese un gran trabajo de ingeniería. De todas formas, vaya manera de ganar un Grammy.
He aquí una cita de Roger Nichols, uno de los integrantes de aquel jurado: "el mes pasado, escuché todos los CDs enviados a NARAS en la categoría 'Mejor grabación no clásica'. Escuchamos 3 o 4 cortes de los 267 álbumes enviados. Cada uno de los CDs estaba comprimido al máximo, sin rango dinámico. Los finalizers y plugins estaban configurados a tope para conseguir que cada CD sonase más alto que los demás. Nadie intentó tomar partido del rango dinámico y la limpieza de la grabación digital" (EQ Magazine, enero de 2002). Roger Nichols es ganador de un Grammy e ingeniero de sonido de Steely Dan o los Beach Boys.
El mito de los CDs Radio-ready o "preparados para la radio"
"Radio ready" es un término ambiguo creado por profesionales del márketing, cuyo único objetivo es vender productos. Pero a tí te conviene ser un artista o productor informado. La radio es la gran "niveladora"; coge las canciones suaves y sin pegada, y las nivela para competir así con los temas de volúmenes más altos. En el proceso, la dinámica natural de las canciones es totalmente destruida. Pero eso no es todo. La radio también coge canciones extremadamente comprimidas, y las aplasta todavía más.
Masterizar para radio crea una situación que puede hacer que las canciones suenen peor. Aún así, muchos argumentarán que quieren un CD masterizado a niveles altos "para que suene bien en la radio". Lo que quieren realmente es que, al escucharlo en un equipo doméstico o en el coche, suene tan comprimido como se escucha en la radio.
Pero las grabaciones no necesitan un procesamiento especial para sonar bien en la radio. La radio ya se encargará de los picos de limitación y elevará el nivel ella misma. Masterizar específicamente para la radio sólo puede servir para empeorar las cosas.
Nuestra música hoy en día no tiene vida. No hay emoción ni textura, y sin duda no hay razones para comprarla. Los jóvenes aceptan este sonido "hot" porque es todo lo que conocen. No se les ha mostrado la música que suena realmente "musical". No puedo creer lo que hemos hecho a nuestra música; de algún modo hemos permitido que la radio, con su respuesta en frecuencia y rango dinámico limitados, se haya convertido en el modelo de cómo deben sonar las cosas. Queremos que los CDs que compramos suenen como en la radio. ¿Qué ha pasado con la recreación de las emociones de un concierto en vivo? ¿Es posible que hayamos avanzado en tecnología, yendo hacia atrás en nuestra forma de pensar? No necesitamos tecnología digital para crear el sonido "hot"; podríamos haberlo hecho con las grabaciones analógicas, igual de fácil.
No caigas en la trampa de los 'CDs cañeros'
Aquí tenéis un diagrama que muestra el incremento en los niveles de los CDs. Se ve claramente cómo el nivel medio ha subido a lo largo de los años, debido a las "guerras de nivel" (Level Wars) promovidas por la industria musical.
Los CDs producidos en 1985 tenían un nivel medio de -18 dB. Esto dejaba amplio margen para picos musicales, o por decirlo de otro modo, para la pegada. Es el nivel medio, y no el nivel de pico, el que da a la música su fuerza.
A medida que entramos en los 90, podemos ver el cambio gradual que tiene lugar a medida que la industria musical entra en las Level Wars y comienza a destruir la música. El nivel medio de los CDs en 1990 era de -12 dB. Luego, como muestra la gráfica, el nivel se elevó a -6 dB en 1995. En el año 2000, los CDs alcanzaron un nivel medio de -3 dB. Es importante entender que a medida que el nivel de los CDs aumentaba, el rango dinámico se reducía.
En 2002, este aumento en los niveles medios era tan pronunciado, que causó una gran pérdida en la claridad y calidad general de los CDs comerciales. En 2005, la situación era aún peor.
Necesitamos un compromiso en cuanto a lo que debiera ser el nivel medio de los CDs. Creo que deberíamos volver al nivel de 1990 (sería preferible alrededor de -14 dB). Esto nos daría un nivel saludable, ¡así como margen para generar los picos musicales que restablecerían lo que se ha perdido en la música actual! Y hay [ otros en la industria ] que comparten mis creencias.
Espero que algún día nos despertemos de esta pesadilla. Así todos podremos grabar y masterizar música del modo en que debiera ser. Debemos tomar ventaja de lo que ofrece la tecnología digital: la capacidad de hacer grabaciones sin ruido o distorsión, ¡preservando al mismo tiempo las dinámicas naturales de nuestra música!
Gritad conmigo, muy alto: ¡QUE VUELVA EL RANGO DINÁMICO!
Por [ Bob Speer ]
Traducido por Xabier Blanco, con autorización del autor

El artículo traducido está sacado de aquí.
El original en inglés está aquí: What Happened To Dynamic Range?
Otro artículo muy interesante del mismo autor sobre el mismo tema: La muerte del rango dinámico (en inglés).
Otro más sobre la relación musica-radio: What Happens to My Recording When it's Played on the Radio?