Louis Prima - The Wildest!

1956. Hay días en que el ánimo desfallece. Días en que el peso de los acontecimientos se hace insoportable y necesitas algo que te evada, aunque sólo sea por unos momentos, del transcurrir del mundo. Y aquí entra nuestro amigo Louis Prima, dándonos la clase de energía y positivismo que necesitamos en esos momentos, con su fantástica mezcla de swing, jazz y si me apuras rock and roll y toda la vitalidad que aporta una banda comandada por el mismo Louis y su por entonces compañera sentimental Keely Smith, amén del gran Sam Butera al saxo. Exuberancia musical y clase a partes iguales. Canciones que se han ganado un lugar en la eternidad, como el celebrado medley de "Just a gigoló / Ain't got nobody", o las enérgicas "Oh Marie" o "Jump, jive, an' wail", por citar algunas. Un disco que pertenece por derecho propio a las grandes grabaciones del siglo pasado, muy por encima de estilos o etiquetas. El disco fue grabado en 2 días de abril de 1956 y en esta reedición de 2002 se han añadido 4 temas grabados en septiembre de 1956 que fueron publicadas como singles. Poco más os cuento de uno de esos discos que toda persona de bien debería tener en casa. ¡Salud!

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Lou Rawls with Les McCann Ltd. - Stormy Monday

1962. Bueno, habiendo comentado y recomendado ya hace unos meses una edición conjunta de su segundo y tercer disco creo que está de más el ponerme de nuevo a presentaros a este tipo. El que lo conozca ya sabe lo que hay; el que no... que deje de perder el tiempo y le ponga remedio. Desbordante clase y maravilloso debut acompañado del trío de Les McCann. 

Hoy no es un día de tormenta y, gracias al cielo, tampoco es lunes, pero, no me preguntéis por qué, hoy es un día ideal para ponerse este disco. ¡Salud!

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Grant Green - Am I Blue

1963. Bueno, no os voy a engañar, no es ni de lejos uno de los mejores discos de Grant Green, pero lo estaba escuchando esta mañana y me he dicho "para el blog".

Este "Am I Blue" nos muestra otra de las múltiples facetas de Grant Green en un disco atmosférico, nocturno y relajado, en el que todo está al servicio de la cálida guitarra de Green. Esto último no es decir poco, ya que está acompañado por un cuarteto de lujo, de esos que cuando ves la portada y lees los nombres se te hace la boca agua. Johnny Coles (tp), Joe Henderson (ts), John Patton (org) y Ben Dixon (dm) - ahí es nada - acompañan de manera comedida a Grant (g) en un disco que podríamos decir que es "fácil" para el profano y que resulta ser una excelente manera de adentrarse en el universo jazzístico. A destacar la extensa pieza final de 14 minutos que se hacen hasta un poco cortos. Ah, lleva el sello RVG, como es costumbre en la casa. Pues eso, para que os hagáis una idea... ¡Salud!

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Lou Rawls - Black and Blue / Tobacco Road

1962-1963. Escuchando estos dos discos, de lo mejor que publicó Lou Rawls, uno puede sentir como la atmósfera se torna densa y todo se llena de humo. Te transportas a un oscuro garito donde ocasionalmente un choque de copas y algún comentario al oído acompaña, como un susurro, esta música deliciosa. Pero no nos pongamos poéticos y vayamos al lío.

Este CD recoge los que fueron el segundo y tercer disco de Lou Rawls, excepcional cantante alabado por el mismísimo Frank Sinatra, y que también tuvo su pequeña carrera como actor. Si bien tuvo algún éxito de manera esporádica (nunca masivo) lo cierto es que no tiene el reconocimiento que sin duda merece, a pesar de seguir grabando hasta poco antes de su muerte en 2006. Se cruzó también con Sam Cooke, metiendo coros en algún tema de DIOS, que es como conocemos en la familia a Cooke, y le puso voz a personajes de animación. Un todoterreno, vaya. Y poco más os cuento, acojonantes versiones y un plantel de músicos que quita el hipo, músicos comandados por Onzy Matthews, que se encarga de la dirección musical y los arreglos. Absolutamente recomendado. ¡Salud!

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Duke Ellington and Johnny Hodges Play The Blues - Back To Back

1959. Vamos de vuelta al jazz. Al jazz con mucho blues, eso sí. No creo que haga falta mucha presentación si hablamos de Duke Ellington, uno de los músicos más importantes del siglo XX. Líder durante décadas de su propia big band, auténtica escuela para infinidad de jazzeros, gustaba de cuando en cuando de volver a formatos más básicos para salir de sus rutinas.

Johnny Hodges, por su parte, es uno de esos músicos que formó parte de la banda de Duke durante muchos años. Excepcional saxofonista, echó a volar por su cuenta a mediados de los años 50 con resultados discretos.

A pesar de su tirante relación, en 1959 vuelven a unir fuerzas en este disco compuesto de clásicos blues en el que paradójicamente Ellington, prolífico como pocos, no firma ninguno de los temas (tres de los cuales son de W.C. Handy). En las mismas sesiones se grabaron más temas que aparecieron en el álbum "Side By Side" del mismo año. Andaban sueltos los tipos.

Entre el resto de la banda destaca sobremanera el trompetista Harry "Sweets" Edison, complemento perfecto para Hodges, y la completaban Les Spann a la guitarra, Jo Jones a la batería y Al Hall o Sam Jones en el bajo.

Y nada más os cuento, no os esperéis jazz a toda pastilla ni experimentos raros, esto es pura melodía, un disco que puedes poner a tus suegros, aunque suene mal decirlo. Pero, por encima de todo, una puñetera delicia para un rato tranquilo en casa. Hoy es lo que tocaba. ¡Salud!

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Duke Pearson - The Right Touch

1967. El 13 de septiembre de ese año de 1967 Duke Pearson y siete músicos más entran en el estudio para grabar una de las joyas mejor guardadas del catálogo de Blue Note. Entre los miembros del octeto destacan, obviando a Pearson (p.), Freddie Hubbard (tp.), James Spaulding (as.), Stanley Turrentine (ts.) o Grady Tate (dm.). Un auténtico all-stars del género que nos legó esta maravilla que ha permanecido en el tiempo con su fuerza original intacta para deleite de profanos y expertos. Para el que quiera profundizar en la info os corta-pego un par de textos al respecto. ¡Salud! (9,5/10)

Duke Pearson was an accomplished, lyrical, and logical -- if rather cautious -- pianist who played a big part in shaping the Blue Note label's hard bop direction in the 1960s as a producer. He will probably be best remembered for writing several attractive, catchy pieces, the most memorable being the moody "Cristo Redentor" for Donald Byrd, "Sweet Honey Bee" for himself and Lee Morgan, and "Jeannine," which has become a much-covered jazz standard. Pearson was introduced to brass instruments and the piano as a youth, and his abilities on the latter inspired his uncle, an Ellington admirer, to give him his nickname. Dental problems forced Pearson to abandon the brass family, so he worked as a pianist in Atlanta and elsewhere in Georgia and Florida before moving to New York in 1959. There, he joined Donald Byrd's band and the Art Farmer-Benny Golson Sextet, and served as Nancy Wilson's accompanist. In 1963, he arranged four numbers for jazz septet and eight-voice choir on Byrd's innovative A New Perspective album; one of the tunes was "Cristo Redentor," which became a jazz hit. From 1963 to 1970, Pearson was in charge of several recording sessions for Blue Note, while also recording most of his albums as a leader. He also led a big band from 1967 to 1970 and again in 1972, hiring players like Pepper Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker, and Garnett Brown. Pearson continued to accompany vocalists in the 1970s, such as Carmen McRae, but he spent a good deal of the latter half of the decade fighting the ravages of multiple sclerosis. (extraído de aquí)

Duke Pearson rises to the challenge of writing for an all-star octet (with trumpeter Freddie Hubbard, trombonist Garnett Brown, altoist James Spaulding, Jerry Dodgion on alto and flute, Stanley Turrentine on tenor, bassist Gene Taylor, drummer Grady Tate, and the leader/pianist), contributing colorful frameworks and consistently challenging compositions. The set is full of diverse melodies (the CD reissue has a previously unissued take of "Los Malos Hombres") played by a variety of distinctive soloists; many of these songs deserve to be revived. This is one of the finest recordings of Duke Pearson's career. (extraído de aquí)

As an arranger, composer, pianist, and producer, Duke Pearson was Blue Note's secret weapon for more than a decade. This 1967 all star octet sessions features six great Pearson tunes and arrangements. Freddie Hubbard, James Spaulding, and Stanley Turrentine are the primary soloists. This music pops with vitality. An alternate take of "Los Malos Hombres" has been added to the original LP. (extraído de aquí)

Eva Cassidy - Live at Blues Alley

1996. Llevaba tiempo con ganas de hablaros de este maravilloso disco, el único en solitario publicado en vida de la fantástica Eva Cassidy, una cantante que para nuestra desgracia tuvo un paso demasiado fugaz por este cruel mundo. La verdad es que la suya es una historia triste de verdad, pero no nos enrollaremos con el drama. Me limito a comentaros que Eva empezó, como tantos otros, en grupos locales, semi-profesionales y grabando como cantante de sesión hasta que le llegó la oportunidad de grabar un álbum de duetos con Chuck Brown, que quedó impresionado por la voz de aquella jovencita en una cassette que le hizo llegar Chris Biondo (amigo y bajista de la banda de Eva). El disco resultante, "The Other Side" (1992) le ayudó a darse a conocer y finalmente le abrió las puertas de nuevos contratos discográficos que primero la llevarían a grabar y girar con la banda Pieces of a Dream y finalmente y ya con otra discográfica nos legaría este "Live at Blues Alley" (1996), fruto de la grabación de dos conciertos en sendas noches de enero de 1996. Debido a problemas técnicos la grabación de la primera noche quedó inservible, por lo que el disco se tuvo que extraer íntegramente de la segunda, con el añadido de un tema de estudio. Se dice que nuestra protagonista nunca quedó del todo satisfecha del resultado final. El repertorio estaba basado en versiones de clásicos como "Cheek to cheek" (Berlin) o "People get ready" (Mayfield), o temas más recientes como "Fields of gold" de Sting, todos ellos interpretados con acierto y personalidad por la excepcional voz de la Cassidy.

Unos meses después, en verano de ese mismo año, Eva empezó a sentirse mal. Un cáncer diagnosticado y tratado 3 años antes se le había reproducido en pulmones y huesos, de tal manera que los médicos le dieron unos meses de vida. Se eligió un tratamiento agresivo contra el cáncer que finalmente no dio sus frutos, acabando con la vida de Eva a comienzos de noviembre.

Tras su muerte y poco a poco su figura fue adquiriendo reconocimiento. Se editó el que iba a ser su primer álbum en estudio y más tarde unos cuantos más con material inédito grabado en diferentes sesiones, además de la inclusión de varias de sus interpretaciones en series y películas.

Y bueno, poco más os cuento, una pérdida tremenda de la que fue una de las grandes cantantes de los 90 y que a buen seguro hubiera dado mucho más que hablar de no haber sido por su prematura muerte. ¡Salud!

Cannonball Adderley - Somethin' Else

1958. Allá vamos con otro de esos discos fundamentales, uno de los más grandes del jazz de su época y de todos los tiempos, en el que, además del titular del disco, tiene una presencia preeminente Miles Davis (al nivel de coliderazgo), en cuyos quinteto y sexteto estuvo incluido Cannonball. Un año más tarde Adderley le devuelve el favor participando en "Kind of Blue" (además de "Milestones", Porgy & Bess"...), alumbrando otro de los jalones en el camino evolutivo del hard bop para dar paso a la irrupción del jazz modal. Ahora sigamos con "Something Else", que es el LP que nos ha traído hasta aquí.

Empieza el disco con una tremenda adaptación de "Autumn leaves", Miles toma la delantera e introduce la melodía para dar paso a Adderley que desarrolla todo su genio en cada variación. A todo esto Hank Jones va metiendo su argamasa de teclas para tomar al final el liderazgo mientras Sam Jones y Art Blakey marcan con pulso firme el tempo. Pues así todo el rato... :)) Ale, ya me cansé... Tampoco me voy a enrollar con las carreras de los músicos que intervienen por que no acabaríamos nunca y para eso está Google. Una auténtica delicia de disco que debe estar en toda colección que se precie. Palabrita de N'Dongo, Mo N'Dongo (mi primo africano).

Fe de erratas: Se me fue la cabeza y puse varias veces "Adderlay" en lugar de "Adderley". Disculpen la equivocación. Queda subsanada.

Sonny Rollins - Saxophone Colossus

1956 fue un año tremendamente productivo y decisivo en la carrera de Sonny Rollins. Ese año grabó nada menos que seis elepés como líder y unos cuandos más como sideman, incluyendo clásicos como "Sonny Rollins Plus 4", "Tenor Madness" (con el único dueto conocido con John Coltrane) o "Plays for Bird", pero sin lugar a dudas su pieza maestra, no ya de ese año si no de toda su discografía, es este "Saxophone Colossus", piedra angular del estilo y su trabajo más relevante históricamente.

Sonny Rollins se hizo un nombre en la escena grabando con artistas del calibre de J.J. Johnson, Fats Navarro, Bud Powell, el Modern Jazz Quartet, Miles Davis, Thelonius Monk o el quinteto de Brown-Roach , para comenzar a grabar como líder a partir de 1953, estableciendo una cierta rivalidad con Coltrane por el supremacía en el saxo tenor, si bien a partir de estilos totalmente opuestos.

Ya que citábamos antes la banda de Max Roach hay que decir que este "Saxophone Colossus" está grabado en una sesión tan sólo 4 días antes de la desgraciada muerte de Clifford Brown, el otro puntal del quinteto y que nos privó de ver las que a buen seguro hubieran sido unas provechosas uniones futuras.

Hablando de miembros, acompañan a Rollins tres monstruos como fueron Tommy Flanagan al piano (sesionero infatigable), Doug Watkins al bajo (miembro fundador de los Jazz Messengers, de temprana muerte) y Max Roach a la batería (un dios de las baquetas que ha tocado con todo cristo). Sólo queda vivo de la formación el propio Rollins, y es que ya ha llovido desde 1956...

Se queda en el tintero hablaros sobre el sello Prestige (que tiene miga...) y los vicios del amigo Sonny, pero eso ya será otro día.

Y poco más os cuento, uno de esos discos que todo aficionado tiene o debería tener, una puta obra maestra. ¡Salud!

Jimmy Smith - The Sermon!

1958. Poco se puede añadir a lo mil veces dicho sobre Jimmy Smith, el que es sin la más mínima duda el más importante "hammonero" de la historia, auténtico motor de su desarrollo (el del órgano Hammond B-3, of course) e inclusión por derecho propio entre los instrumentos de jazz. Smith ha tocado con TODO el mundo y sus grabaciones para Blue Note son especialmente excelsas e influyentes. En este LP de 1958, de tan sólo 3 temas grabados en 2 sesiones, está acompañado por la flor y nata del sello, Morgan, Donaldson, Coleman, Burrell, Blakey... una especie de imbatible all-stars de los que le gustaba montar a Alfred Lion, fundador del sello y productor del disco, con la habitual ayuda de RVG. Eso sí, juntos pero no revueltos, tenéis los participantes en cada tema en el scan de abajo. Hard-bop calidad suprema, señores. Convierte tu casa en una iglesia y prepárate a escuchar "el sermón". ¡Salud!

Jimmy Smith put the Hammond B-3 organ on the jazz map for good in the 1950s. The Sermon, dating from 1958, is among his best recordings, featuring the exceptional lineup of trumpeter Lee Morgan, altoist Lou Donaldson, tenorman Tina Brooks, guitarist Kenny Burrell, drummer Art Blakey, and others. Smith's smooth, vibratoless sound perfectly suits the nimble and prodding leads of the player as he touches on R&B, soul, blues and, of course, gospel. This brings us to "The Sermon," which is reason enough to seek this gem out. Smith's group takes the title tune out for a 20-minute, fully improvised, slow-blues stroll, during which each player shares the spotlight. The soul-stirring feeling set in motion by Smith rubs off on the other musicians to make this tune and album a defining moment in organ jazz, and even in soul music. The Sermon stands as a sparkling gem in the Rudy Van Gelder reissue series.

(Tad Hendrickson)

Boogaloo Joe Jones - Right On Brother

1970. Boogaloo Joe Jones (de nombre real Ivan Joseph Jones) es una guitarrista estadounidense que se hizo relativamente conocido al ser durante años (mediados-finales de la década de 1960) guitarrista de sesión para el sello Prestige, discográfica que también editaría sus primeros álbumes en solitario, como este "Right On Brother" que nos ocupa y que fue el cuarto disco para dicho sello. A partir de 1969 adoptó el apodo de "Boogaloo" para evitar confusiones con otros músicos con su mismo o parecido nombre. Sinceramente lo conozco desde hace poquísimo tiempo pero lo que he tenido tiempo de escuchar hasta el momento, aparte de este disco, me parece excepcional, la obra de un guitarrista extraordinariamente dotado, con un estilo que bebe directamente del blues para derivar en una amalgama soul-jazz y acid jazz que lo situaba a la vanguardia del género. A pesar de este y otros discos fantásticos y sus muchas colaboraciones nunca ha sido un tipo excesivamente reputado ni conocido por el gran público, así que, como siempre, aquí estamos esparciendo la semilla en la medida de nuestras posibilidades. En este disco estaba acompañado, entre otros que podéis ver en el scan de abajo (tremendo Rusty Bryant), por el soberbio Charlie Earland, favorito personal que ya ha aparecido por aquí hace algunos meses. Otra estupenda remasterización de Rudy Van Gelder, garantía de calidad. No lo dejes escapar. ¡Salud!

The Dave Brubeck Quartet - Time Out

1959. Alguno me cuelga por lo que voy a decir, como el amigo Lobo Eléctrico, que ya me ha mostrado su indiferencia (por decir algo...) por el West Coast, pero este es uno de mis discos de jazz favoritos de todos los tiempos. Lo cierto es que esto no quiere decir mucho, por que anda que no me faltan joyas y joyas por escuchar, pero bueno, andando se hace el camino, que dijo el poeta. La ignorancia nunca es el problema si hay interés por aprender.

Este "Time Out" es quizá la obra cumbre del cuarteto de Dave Brubeck en su formación más longeva, la considerada como clásica, esto es: Dave Brubeck (piano), su infatigable compañero Paul Desmond (saxo alto), Eugene Wright (contrabajo) y Joe Morello (batería). Dave, proveniente de una familia de lo más musical (madre y hermanos se dedican/dedicaban al mundo de la música), siempre tuvo una visión particular de las cosas. Aunque estudió música por lo visto lo de leer partituras no se le daba del todo bien y casi le aparta de este mundillo, hasta que alguien se dio cuenta de que su capacidad para la improvisación y su habilidad para crear melodías compensaba con creces esa carencia. Con el tiempo esos conocimientos de clásica los fue incorporando a su obra, consiguiendo una perfecta simbiosis entre el clasicismo y el cool jazz, que es su sello de identidad. Marca de la casa, que le dicen.

No me voy a enrollar mucho más, sólo decir que este "Time Out" incluye alguno de sus temas más memorables, como "Blue rondo a la turk" o la impresionante "Take Five" que originalmente estaba pensada como un solo de Joe Morello y que de hecho es un tema suyo, el único de todo el disco que no es creación del pianista. A día de hoy Brubeck es un venerable anciano de 90 años que ha recibido, sin duda merecidamente, todo tipo de homenajes. Y que le hagan muchos más. Salud y que os guste.

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Jimmy McGriff - The Worm

1968. De nuevo debo empezar diciendo que no me voy a enrollar mucho puesto que ya hemos hablado de este monstruo por aquí. Alguno pensará, con razón, que me empiezo a repetir de una manera alarmante, pero por explicarlo de una manera simple digamos que, en un comportamiento de lo más básico, tiendo a repetir aquello que me gusta. Diréis, de nuevo con razón, que vaya manera de írseme la pinza. Esto sólo lo explican los años de malos vicios. También repetidos tan sólo porque gusta. :DD En fin, que hay que rellenar un poco de espacio, si no éste va a parecer un post desnutrido, pero tampoco os voy a contar lo mismo que en el otro. En esto no me gusta repetir...

Ya en serio, discazo de la muerte, con un Jimmy McGriff en estado de gracia y, como no podía ser de otra manera, en muy buena compañía. A sus secuaces los podéis ver en los scans de abajo, lo mejorcito de cada casa. Además está producido por el gran Sonny Lester. El propio Jimmy se definía a sí mismo más como músico de blues que de jazz, y es sobre todo del primer estilo de lo que más se puede encontrar en el disco, aunque una de las señas de identidad de este jamonero era su constante flirteo con distintos estilos, mezclando como pocos blues, jazz, soul y funk. Si me tocara elegir una (afortunadamente sólo es una suposición) escogería "Heavyweight", donde todos, en mayor o menor medida, se sueltan la melena y se explayan a gusto. Pues eso, ¡pan con queso! Jamoneros del mundo, ¡a mis brazos! :D

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Escuchar en SPOTIFY.

PD: Después de esta entrada los lectores que utilicen el traductor se van a cagar en mis muertos, seguro que no se entiende nada. En fin, sólo me queda recomendaros una academia de idiomas, jajaja ;-)

PD2: Ah, tranquilos, la chica de la portada se cayó, pero ya está bien.

Art Blakey Quintet - A Night At The Birdland

1954. Allá vamos de nuevo, esta vez con un poco del mejor jazz que podemos echarnos al oído. "A Night At The Birdland" es uno de esos discos irreprochables, quintaesencia del hard bop y un lanzamiento indispensable para comprender la evolución del jazz en años sucesivos. Art Blakey, líder de la banda, tenía ya una carrera intachable desde principios de los años '40, pero es a partir de 1952, siendo el batería oficial de las grabaciones de Blue Note, cuando da un salto enorme en su prestigio, acompañando a practicamente todas las figuras del género (sería muy pero que muy largo detallarlas). Su asociación con el pianista Horace Silver y este quinteto en particular suponen el germen de lo que unos meses más tarde acabarían siendo los Jazz Messengers. Junto a Silver y Blakey encontramos al incomparable Clifford Brown (trompeta), de quien ya hablamos por aquí hace años y que murió tragicamente tan sólo 2 años después (una enorme pérdida). También a Lou Donaldson al saxo alto, igualmente con una lista de colaboraciones inmensa y con una discografía como solista realmente impresionante. Cierra el quinteto el bajista Curly Russell, que había acompañado a monstruos como Parker, Navarro, Davis, Getz, Powell... En fin, que, sin exagerar mucho, no se puede hacer una banda mejor. Originalmente este directo grabado integramente el 21 de febrero de 1954 fue publicado como triple LP, quedando reducido en esta edición remasterizada por Rudy Van Gelder a dos CDs. Los cuatro temas que aparecían en el tercer volúmen han sido incluídos como extras en los volúmenes uno y dos. Y poco más os cuento, ya sabéis que no controlo de jazz ni un poquito, pero sí que me permito recomendaros encarecidamente este disco y la memorable participación de Clifford, que es una cosa tan brutal que se te afloja hasta la ropa interior. ;-) Venga chavales, un poco de jazz para empezar el año con ritmo. Salud!

Escuchar en SPOTIFY. Volumen 1, Volumen 2.

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Jimmy McGriff - Electric Funk

1969. Vamos de nuevo con otra racción de órgano Hammond, hoy de la mano de otro de los "dioses" del instrumento. James Harrill McGriff Jr., conocido como Jimmy McGriff, aprendió a tocar el piano a la tierna edad de 5 años. Tambien aprendió, con el tiempo, a dominar vibráfono, saxo, batería y bajo, hasta que tuvo que "servir a su país" en la guerra de Corea, donde fue policía militar. A su regreso pasó a formar parte del cuerpo de policía de Filadelifia durante un par de años. Su carrera musical, en una vocación que parece pasar de colegas a colegas, comenzó haciéndose cargo del saxo en diversos grupos, para abrazar definitivamente el órgano, según dicen, al ver tocar a Richard "Groove" Holmes en la boda de su hermana. Hay que decir que McGriff era amigo de infancia de Jimmy Smith, por lo que no era en absoluto ajeno al sonido de este maravilloso instrumento. El éxito de éste le animó a formar su propio grupo con él de organista. De hecho en una de sus bandas militó Charles Earland, de quien hablamos el mes pasado, que a su vez dejó el saxo, que era su instrumento de entonces, para pasarse también al Hammond. La historia parece que siempre se repite. Este disco que os recomiendo hoy es completamente instrumental, grabado en 1969 para Blue Note y con una formación, lamentablemente, desconocida. El único acreditado además de él es el polifacético Horace Ott, que se encarga del piano y los arreglos, además de ser el autor de 5 de los 9 temas del disco. Horace es un auténtico todoterreno cuya vida y obra dan para un post aparte, compositor, productor, arreglista, ha trabajado casi con todo el mundo y escrito algunos temas famosísimos, una barbaridad de tío. Pero como os decía es una pena que no especifiquen el resto de la formación, porque suena de miedo. La cosa, como se puede intuir por el título, se puede decir que es un jazz funketizado, lleno de melodía y con un ritmo infernal, demostrando que Jimmy estaba en forma increíble y con un dominio absoluto de su instrumento. Esto ya es un clasicazo que no puedes dejar de escuchar si te van mínimamente los sonidos jamoneros. Ah, este sí que está en Spotify. Hale, con dios!.

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Charles Earland - Black Talk!

1969. ¿Os gusta el jamón? ¿Y el Hammond? Para todos los "jamoneros" del mundo mundial (Manolito Gafotas dixit) va recomendado este disco. Si estás un poco metido en el tema lo conocerás de sobra, si no es así nunca está de más escuchar a este tipo, quizá menos reconocido que otros como Lonnie Smith, Jack McDuff, Jimmy McGriff, Georgie Fame o Jimmy Smith, pero igualmente disfrutable. Este sería su cuarto largo, el primero en el sello Prestige y de lo que grabó también el primero que se puede encontrar, los tres anteriores no hay manera de dar con ellos. Earland comenzó tocando el saxo, pasando por saxo alto, barítono y tenor. Entró (ya como saxo tenor) en la banda de Jimmy McGriff, de quien aprendió casi todo lo que se puede aprender de este instrumento e influenciado por él se pasó al Hammond más adelante, dejando la banda y formando un trio con Pat Martino (gt)y Bobby Durham (dr). Después recaló en la banda de Lou Donaldson un par de años y con este "Black Talk", grabado a finales de 1969, recuperó su carrera en solitario, que le daría bastante éxito a finales de los '70. Acompañado de ilustres como Virgil Jones o Idris Muhammad este disco de impecable factura fusiona con perfección y naturalidad el soul y el jazz. Nada de protagonismos forzados, todo suena cómo y cuando debe sonar, y cada músico tiene su parcelita de lucimiento pero siempre manteniendo la cohesión del sonido. Una pequeña maravilla casi olvidada de "The Mighty Burner", apodo que le daban y que es el título de uno de sus temas contenido además en este disco. Imposible destacar temas, pero la que da título al disco es algo impagable, y la versión de "Aquarius" está muy chula, la verdad, como todo el disco. Remasterizado por Rudy Van Gelder, lo que, como sabéis, es garantía inmediata de calidad. Si se te pone a tiro apunta bien y llévatelo a casa.

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Sonny Rollins and Coleman Hawkins - Sonny Meets Hawk!

1963. Cuando hace unos meses me enteré de la existencia de este disco (uno es un neófito y se va enterando poco a poco de estas cosas) supe que tenía que hacerme con él. Dos de mis saxos tenores favoritos juntos, de ahí no podía salir nada malo. Coleman Hawkins es uno de los padres del uso del instrumento en el jazz moderno, un tipo que llevaba grabando desde mediados de los años 20 y auténtico lucero del alba de todos los que vinieron después. Su importancia capital en el desarrollo del instrumento no puede ser discutida. Sonny Rollins, por otra parte, es uno de sus más destacados discípulos, un tipo que dió un paso más, autor de obras memorables y fundamentales como "Saxophone Colossus", quintaesencia de su estilo y uno de los álbumes de jazz más importantes de la historia. Si Hawkins estaba entre el swing y el bop, Rollins se encontraba entre el bop y el hard, como os digo una evolución lógica. Este disco supuso por una parte la que es quizá la mejor grabación de Hawkins en los años '60 y por otra el regreso por todo lo alto de Rollins, que había estado unos años casi retirado, dicen que por la impresión que le produjo la irrupción en el panorama jazzero de John Coltrane y Ornette Coleman. Se encuentran en el Festival de Jazz de Newport de 1963 y de una colaboración encima del escenario y su excelsa comunicación surgió la idea de grabar este LP. Vale, es verdad que muchas veces la unión de dos genios de este calibre no da lugar a una obra memorable, incluso a grabaciones faltas de garra y energía. No es el caso. Aquí cada ataque del impetuoso Sonny es contestado con maestría por el abuelo, liberado de cualquier atadura estilística. Hay unos diálogos entre ambos que quitan el hipo, sin olvidar la participación de músicos más que experimentados como Paul Bley (maestro!) al piano, Henry Grimes (3, 4 y 6) y Bob Cranshaw (1,2 y 5) al contrabajo y Roy McCurdy a la batería. Grabado en dos sesiones el 15 y el 18 de julio de 1963 para las que eligieron 5 standars y una composición propia de Rollins. Impresionante.

Sonny Rollins - Rollins Plays For Bird

1956. Hablar de este disco es hablar de Charlie Parker, el "Bird" al que hace referencia su título y máximo artífice del surgimiento del bebop. Solo un año después de su desafortunada y temprana muerte uno de sus "discípulos" le rendía este tributo arropado por una banda de auténtico lujo y que por entonces formaban el Max Roach Quintet. Además tanto Rollins como Roach (de mis bateras favoritos de todos los tiempos) y Kenny Dorham (sustituto en el quinteto del malogrado Clifford Brown) habían tocado con Parker así que pocos músicos más autorizados a grabar este homenaje que ellos. Parker tuvo enormes problemas con las drogas como muchos otros músicos de jazz en esa época convulsa, pero además perdió a una hija en 1954 y tuvo varios intentos de suicidio hasta que murió en 1955 debido a problemas coronarios. Sonny Rollins empezó tocando el saxo alto como hacía Parker, que además es considerado el mejor de la historia con este intrumento, para después pasarse al saxo tenor tras descubrir a Coleman Hawkins y quizá temiendo no llegar jamás a las cotas de grandeza a las que Parker había llegado con el alto. El disco se compone básicamente de un extenso medley de 26 minutos en el que van enlazando hasta siete temas que habitualmente tocaba Parker, aunque sólo uno de ellos es de su autoría. Luego hay otros 2 temas que junto con el medley conformaban el LP original que en esta edición en CD viene completado con el bonus "The House I Live In". La banda por completar un poco la info y porque sois unos vagonetas que seguro ni miráis los scans esla siguiente: Sonny Rollins (tenor saxophone), Kenny Dorham (trumpet), Wade Legge (piano), George Morrow (bass) y Max Roach (drums). Poco más os cuento, hablaremos de nuevo de él por que me tiene loco el tipo. Acojonante disco.

Oscar Peterson - Oscar Peterson Trio + One: Clark Terry

1964. Oscar Peterson fue un pianista canadiense dotado de una envidiable capacidad melódica y una técnica más que depurada. Si bien empezó, como la mayoría de instrumentistas de su época, tocando en orquestas, pronto fue descubierto por Norman Granz que le fichó para empezar a grabar en formato de trio, formación que fue variando de componentes pero que se convirtió en su principal seña de identidad. Primero con bajo y guitarra (Ray Brown y Barney Kessell, siendo reemplazado éste por Herb Ellis), más tarde sustituyendo guitarra por batería. En este CD que os presento hoy se hace acompañar por su dúo habitual en esa época, Ray Brown (contrabajo) y Ed Thigpen (batería) a los que se une el inmenso Clark Terry (trompeta, fliscorno y voces). Increibles melodías y destreza técnica a partes iguales en un disco grabado casi de una tacada el 26 de febrero de 1964, 45 años cumple estos días, ¡casi nada! Una auténtica delicia de uno de los mejores pianistas de jazz que en el mundo han sido.