Eddie Hinton - A Mighty Field of Vision - The Anthology 1969-1993

2005. Excelente recopilatorio de otro de esos tipos que han ido quedando olvidados en un rincón del tiempo a pesar de su excelente (aunque escasa) discografía y del relativo interés que se despertó a partir de su muerte en 1995.

Me puso tras su pista el insigne PolloMike de El Corral del Pollo. Por entonces no tenía yo la suerte de conocer a este Hinton, para algunos el Otis Redding blanco. Como bien puntualizaba el compañero bloguero ese apelativo es una chorrada como una catedral, pero ya sabéis, cosas del márketing. Si bien tiene una voz apasionada es bastante improbable que nos volvamos a echar a las orejas un tipo del nivel de Otis. También es verdad que las influencias de Hinton son más variadas y que sus comienzos como músico de sesión y compositor en la Muscle Shoals Sound Rhythm Section le dan un bagaje muy diferente. No me voy a enrollar más, si se os da bien el inglés echadle un ojo al artículo de abajo, muy completo e ilustrativo. Recomendadísimo. Gracias Pollo, ¡Salud!

Edward C. "Eddie" Hinton (1944-1995) was a guitarist and singer-songwriter whose career spanned the most vital part of the soul music era in Muscle Shoals. In the late 1960s and early 1970s, Hinton, who was white, participated in many recordings with black soul artists from Aretha Franklin to the Staple Singers to Percy Sledge. As a singer, Hinton is regarded among blues and soul aficionados as one of the great "blue-eyed soul" singers. As a guitarist, Hinton's playing reflects an authentic Delta blues style. Hinton often wrote in collaboration with Muscle Shoals composers such as Donnie Fritts, Marlin Greene, and Dan Penn. A Muscle Shoals session musician from 1967 until his death in 1995, Hinton also was the lead guitarist with the Muscle Shoals Rhythm Section in the early-to-mid 1970s.

Eddie Hinton was born in Jacksonville, Florida, on June 15, 1944, to Laura Deanie and Horton C. Hinton. Hinton's parents divorced in 1949, and he and his mother moved to Tuscaloosa, Tuscaloosa County, where his mother married Paul Perkins some years later. Eddie had a close bond with grandfather Pryde Edward Hinton, a Church of Christ preacher, and later incorporated religiously inspired oratory into his music, notably in his song "Dear Y'All."

Eddie showed a musical aptitude as a child and learned to play guitar and sing, being inspired by teen singing idol Ricky Nelson. Eddie played basketball in high school and became a fan of the University of Alabama's Crimson Tide football team. He attended the University of Alabama for three years but withdrew when his musical pursuits beckoned. He had a natural gift for music and played drums and guitar equally well. He played in the Tuscaloosa area in the 1960s with a number of bands, including The Spooks and The Five Minutes. Among the players in the latter group were Johnny Sandlin (drums), Paul Hornsby (keyboard), and Paul Ballenger (guitar), who would later form a publishing partnership with Hinton. Hinton replaced Ballenger and guitarist Charlie Campbell in the newly reformed Five Minutes in 1965, and the band subsequently reformed again as Hour Glass, absorbing Duane and Gregg Allman into the line-up. When Hour Glass signed with Liberty Records and spent a year in Los Angeles, Hinton decided to remain behind to work in the recording scene in Muscle Shoals. Hinton began to record and produce for several recording studios in the Shoals, particularly Quin Ivy's Quinvy Studio in Sheffield, where Hinton and Marlin Greene wrote and produced songs for soul artists Don Varner and Bill Brandon on Quinvy's Southcamp imprint. When Duane Allman returned to the Shoals from Los Angeles in 1968, he and Eddie shared an apartment. Hinton's production work at Quinvy Records drew upon a blend of soul and blues styles that became quintessentially part of the so-called Muscle Shoals "sound," exemplified in Hinton's work with the Staple Singers and the Muscle Shoals Rhythm Section (MSRS).

In 1969, Hinton collaborated with Johnny Sandlin on a project that included Duane Allman, the Muscle Shoals Rhythm Section, and the Memphis Horns. The record was released under the title The Duck and the Bear and has come to be considered a seminal recording in the southern rock genre. Hinton also was closely associated with the burgeoning southern rock scene centered around the Allman Brothers Band, formed by the brothers that same year. He was asked by guitarist Duane Allman to join the band but declined the offer and remained a session musician in Muscle Shoals. During Hinton's career in Muscle Shoals, he worked on recordings by Percy Sledge at Quinvy and with Otis Redding and Arthur Conley at FAME Studios. As a solo artist, Hinton released a single on Pacemaker Records (1969) featuring an original titled "Dreamer," and after April 1969 became a mainstay atMuscle Shoals Sound Studio in Sheffield. There, Hinton contributed to sessions with the Staple Singers, Cher, Lulu, Johnnie Taylor, Bobby Womack, Ronnie Hawkins, R. B. Greaves, Wilson Pickett, Joe Tex, Johnny Jenkins, Herbie Mann, Arif Mardin, Don Covay, Solomon Burke, and Boz Scaggs.

Hinton recorded as part of the MSRS at Atlantic Records in New York, playing on Aretha Franklin's 1970 album This Girl's In Love With You. That same year, Hinton played with the MSRS on Laura Nyro's albumChristmas and the Beads of Sweat (1970). Beyond his exemplary work with the Staple Singers, Hinton played on William Bell's Wow (1970), Elvis Presley's Elvis Country (1971), and Johnnie Taylor's Tailored in Silk(recorded between 1971 and 1973), Hinton fronted the MSRS on the Chuck Berry classic "Too Much Monkey Business" recorded in 1971 for a never-released MSRS project on Island Records.

An important songwriter and musical collaborator, Hinton co-wrote, with Marlin Greene, the southern soul classics "Cover Me" (1967) and "It's All Wrong But It's Alright" (1968) for Percy Sledge, and "Down In Texas" for Don Varner (1967). Eddie and Paul Ballenger produced Don Varner's cover of the Dan Penn and Spooner Oldham song "Power of Love," which became a hit for Hour Glass in 1968. With Donnie Fritts, Hinton composed "Breakfast in Bed" for Dusty Springfield (1969), "Choo Choo Train" for the Box Tops (produced by Dan Penn in 1968). Hinton contributed his song "Three Hundred Pounds of Hongry" to Tony Joe White's The Train I'm On (produced at Muscle Shoals Sound in 1972), and his songs "Can't Beat the Kid" and "Every Natural Thing" for John Hammond's Muscle-Shoals album Can't Beat the Kid (1975) and Hinton also contributed "Just a Little Bit Salty" to Bobby Womack's Home is Where the Heart Is, recorded at Muscle Shoals Sound Studio in 1976. In 1977, Hinton recorded a solo album, Very Extremely Dangerous, at Muscle Shoals Sound Studio; it was produced by Barry Beckett for the Capricorn label and included a strong set of original songs as well as collaborations with Dan Penn and Donnie Fritts.

Hinton lived in Macon, Georgia, in the early 1980s, fronting a band called the Rocking Horses. The band drew its repertoire from Hinton'sVery Extremely Dangerous album and also wrote and played some new material. Hinton recorded six songs under producer Jimmy Johnson's direction at Muscle Shoals Sound Studio in 1982 that were released as an album in 1986 under the title Letters from Mississippi. The album circulated under the Rounder and Mobile Fidelity imprints and garnered a great deal of insider interest. Hinton made two more albums for Bullseye: Cry and Moan (1991) and Very Blue Highway (1993), recorded at Birdland Studio in Town Creek, Lawrence County.

In the early 1990s, Hinton moved to Birmingham and was living there when he suffered a heart attack and died on July 28, 1995. He was buried in Tuscaloosa. Since Hinton's death there has been much retrospective interest in his musical legacy. Johnny Sandlin produced an excellent compilation of never-released tracks titled Hard Luck Guy (1999) and British producer Peter Thompson has compiled three albums of Eddie's unreleased music, accompanied by the MSRS and others. Hinton remains one of the true innovators in the Muscle Shoals music legacy. In 2001, Hinton was awarded a bronze star and recognized as a music achiever by the Alabama Music Hall of Fame. 

Peter B. Olson

University of Memphis and Mississippi State University

(extraído de aquí)

Para ampliar la información podéis entrar AQUÍ, listado de todas las sesiones del bueno de Eddie.

♪ ♫ * Este no está en Spotify... * ♪ ♫

José Ignacio Lapido - En Otro Tiempo, En Otro Lugar

2005. Vamos con mi disco favorito de Lapido, esta cuarta entrega discográfica del granadino tras dos LPs - "Ladridos del perro mágico" (1999) y "Música celestial" (2002) - y un EP - "Luz de ciudades en llamas" (2001) - anteriores, amén de su carrera con 091, por supuesto.

Para este "En otro tiempo, en otro lugar" Lapido formó su propio sello discográfico (Pentatonia Records) a través del cual también ha publicado sus dos siguientes referencias, "Cartografía" (2008) y el más reciente "De sombras y sueños" (2010).

Y qué queréis que os diga, uno de mis artistas favoritos en castellano y uno de los mejores letristas de este mediocre país, además de un guitarrista mucho más que solvente. Sí, ya sabemos que no es el mejor cantante del mundo y tiene una peculiar forma de encarar sus temas, pero seguramente sea eso lo que le hace único.

Se me hace imposible destacar algún tema sobre los demás en un disco que hay que escuchar de cabo a rabo y, una vez que llega al final, volver a darle al play.

El despistado que quiera conocer más de su carrera tiene la web oficial más abajo y alguna otra cosa de quienes saben mucho más que yo. ¡Salud!

Escuchar en Spotify.

*** Web Oficial *** MySpace *** Reportaje reciente en El País

*** Entrevista del compañero Javistone para Freek Magazine

Black Mountain - Black Mountain

2005. Este es uno de esos grupos que de primeras te descolocan. Luego, tras esa primera escucha desconcertante, los tienes que volver a poner y, cuando te quieres dar cuenta, estás enganchado a la banda.

Black Mountain nace en 2004 con la unión espontánea y sin pretensiones de varios músicos procedentes de otras bandas del área de Vancouver, Canadá. Por lo visto ensayaban en el mismo lugar con sus respectivos grupos y coincidían en gustos y lugares. Una cosa llevó a la otra y les dio por crear una especie de colectivo (Black Mountain Army) del que han nacido, además de Black Mountain, tropecientas bandas como Pink Mountaintops, Blood Meridian, Jerk With A Bomb y Lightning Lust, entre otras. De hecho varios de los componentes de Black Mountain militan también en los grupos citados. Vamos, que son creativos los tipos.

En este debut homónimo de Black Mountain nos encontramos un disco eminentemente de rock psicodélico, con bastantes trallazos hard-rockeros y cierta querencia indie. Todo mezclado y bien pasado por la picadora... :)

A pesar del rollo así como comunal que parece tener la banda, lo cierto es que tienen un líder claro en Stephen McBean, guitarrista, cantante y autor de todos los temas. A destacar también el sello femenino de Amber Webber, fantástico contrapunto en las labores vocales y una de las señas de identidad de Black Mountain. Tremendas "Don't run our hearts around" o "Druganaut", por citar alguna, porque cada tema es de su padre y de su madre y todo me parece aprovechable.

Y poco más os cuento, tienen hasta la fecha dos discos más que, en mi humilde opinión, son mejores que este, aunque pueden ser "acusados", con algo de razón, de haberse vuelto más accesibles con el tercero. Pero bueno, esa ya es otra historia. Vendrán más. ¡Salud!

VV.AA. - Hey Everybody... I Gotta New Dance

2005. Otra maravillosa recopilación de VampiSoul, qué os voy a contar...

Need a new dance? There's no better place to start than the ever-growing catalog of Vampi Soul – fast becoming one of the greatest sources on this planet for older grooves! This low-priced set offers a huge amount of rare groovers from the Vampi catalog – 23 titles in all, and all picked with an ear for the genre-bending style of funk that's fast becoming standard in the international groove circuit. The tunes range from Latin soul to jazz funk, funky rock, rocking funk, socking soul, and beyond – all lovingly collected to keep a really lively sound throughout! Titles include "What You Mean" by Johnny Colon, "Inca Snow" by Traffic Sound, "Out Of Sight" by Cannibal & The Headhunters, "Call My Name" by Joe Bataan, "Loaf & Jug" by Diplomats Of Solid Sound, "Git In There" by Betty Davis, "Let The Monkey Out" by Celofunk, "South Side Of Soul Street" by Johnny Adams, "No Me Molestes" by Totem, "Meltin Pot" by Boris Gardinier, and "Soul Nuevo" by Sexteto Electrónico Moderno

The Madrid-based house of good groove, Vampi Soul, is back with another killer comp, "I Gotta New Dance", which collects 23 uptempo vintage floor-fillers from its ever-expanding catalogue of dance dementia. Viva Vampi!" NOW MAGAZINE - TIM PERLICH (Canadá)

Pat Benatar - Greatest Hits

2005. Pat Benatar es una cantante neoyorquina nacida en 1953 de enorme éxito durante la década de 1980, particularmente en USA. A día de hoy lo cierto es que está bastante olvidada, pero la muchacha tuvo en su momento hasta algún número 1 en listas, amén de unos cuantos Top 10 y cuatro Grammy's. Su música oscilaba entre el pop-rock, el AOR y en ocasiones el hard-rock, pero como os podéis imaginar si hablamos de una cantante lo realmente significativo era su personal timbre de voz y su potencia, amén de cierta sensualidad un tanto andrógina, 80's style. Siempre acompañada de su marido Neil Giraldo, excelente guitarrista y solvente compositor, cimentó su carrera en la citada década con baladas, poderosos medios tiempos y algún arranque de garra que la acercaba al rock duro. Pues nada, correctísima recopilación (además ordenada cronológicamente, algo que un servidor agradece siempre) para quien se quiera acercar a la obra de esta mujer de bandera. Para alguno será un poco blandita pero a buen seguro que hará tilín a los amantes del arena rock. ¡Salud!

Moreland & Arbuckle - Caney Valley Blues

2005. Álbum debut del que es uno de los grupos de blues más prometedores de la actualidad.

Armónica, cigar box guitar y raices, muchas raices. Keep It Simple, Stupid!

MORELAND & ARBUCKLE
B i o g r a p h y

Guitarist Aaron Moreland and harpist/vocalist Dustin Arbuckle have spent nearly a decade exploring the edges of American roots music. In the process – with help from the driving beat of drummer Brad Horner – Moreland & Arbuckle have forged a relentless and haunting sound that merges Delta blues, folk, rock, traditional country, soul and numerous other echoes and murmurs from an infinitely layered musical narrative that spans more than a century.

The Moreland & Arbuckle journey began when the two met at an open-mic jam at a club in Wichita, Kansas, in 2001. Moreland had just moved into town a few months earlier from Emporia – a city located some eighty-five miles to the northeast. A guitarist since age 15, his source material was admittedly diverse – Led Zeppelin, Creedence Clearwater Revival, Black Sabbath, Charley Patton, Motley Crue – but he’d settled into traditional blues by the time he’d arrived in Wichita in his mid-20s.

Arbuckle, a native of Wichita, had been playing in a blues rock bar band at the time, but his truest sensibilities ran a couple generations deeper, into the heart of the Mississippi Delta. He counts iconic figures like harpists Little Walter and Sonny Boy Williams and guitarist Son House among his most profound influences.

“It was kind of perfect,” says Arbuckle of the chance encounter between the two musicians. “We had a shared vision, in a place where there really wasn’t much interest in – or support for – country blues.”

Moreland joined Arbuckle’s blues rock band for the last few months before the project dissolved, then the two started a quartet called the Kingsnakes, which Arbuckle describes as “electrified Mississippi blues mixed with a sludgy, jam-oriented rock thing.” The project incorporated a range of sounds: soul, country, funk, jam rock, blues and whatever else worked. Horner joined in 2003, but left after just a few months. A few bass players came and went in the years that followed, until Moreland and Arbuckle discovered they could lay down a solid groove on their own – with the help of Horner, who had returned by the fall of 2006.

Then again, Moreland does his share of work at the bottom end. In addition to the more typical Telecaster and Les Paul guitars, his arsenal also includes a hand-crafted instrument consisting of four strings stretched across a cigar box. One string feeds into a bass amp, and the other three into a guitar amp. It’s a gritty, electrified descendent of the cigar box guitars played by countless Delta bluesmen of the early 1900s who, for all of their innate talents, were too impoverished to afford the real thing.

“There was no real adjustment for me,” Moreland says of his first encounter with the instrument, which was crafted by a friend in Memphis. “I just picked it up and played it. When I play a regular guitar, I hold down those bottom strings with my thumb and pluck those to get a kind of groove going. So when I first started playing the cigar box with the bass string, it just worked perfect with my style of playing.”

Moreland & Arbuckle crafted three self-produced album in rapid-fire succession – Caney Valley Blues in 2005, Floyd’s Market in 2006 and 1861 in 2008. “There have been times in the past when I’ve gone on a rant that we’re not writing enough,” says Moreland. “But then I look at our catalog and say, ‘Well, that’s stupid. We’ve put out all this stuff in a short period of time.’ When I look at it that way, I’d say we’re fairly prolific.”

The band took that hefty catalog to Iraq for nearly two weeks in the fall of 2008 to play for the American troops stationed there. “It was a crazy awesome experience,” says Moreland. “Super-grueling. Twelve days of about four hours of sleep per day. From a physical standpoint, it was pretty tough. But to go into a tattered, war-torn area where tens of thousands of fellow Americans were putting their lives on the line every day, minute by minute, was a very rewarding experience. I’d never experienced anything like it before.”

Moreland & Arbuckle make their debut on Telarc International, a division of Concord Music Group, with the February 2010 release of Flood. The album is the latest step in the trio’s never-ending quest to unearth the rawest and most honest elements of the American music tradition – without getting caught up in definitions and categories that would only serve to limit the vision.

“It’s hard to say exactly what we are and what we do,” says Arbuckle. “Blues is definitely at the core, but we’re huge fans of all sorts of American music, and all of that comes through as well. Obviously, there are elements of traditional country in what we do, elements of vintage rock and roll, soul and all that sort of stuff. We always try to stay grounded in that traditional blues center, and at the same time branch out and do as many different things as we can while still keeping it consistent with the sound we’ve developed.”

Nearly a decade into the journey, Flood represents a turning point in the Moreland & Arbuckle story – a new layer of excavation at that point in the road where powerful forces meet and new secrets are discovered. “The record is very spooky,” says Arbuckle. “We’ve never made a record before that has the earthy, spooky vibe that this one has. It creates an atmosphere that’s ripe for storytelling. There’s something about this music that makes you want to settle in and listen.”

Más información: http://www.myspace.com/morelandandarbuckle#ixzz0vcr7d4QI

Dr. Feelgood - Going Back Home

2005. Saliéndonos un poco de la línea del blog hoy vamos a dedicar esta entrada a un DVD editado hace 5 años que recoge lo mejor de una actuación de Dr. Feelgood en 1975, época de esplendor de la banda cuando sólo contaban con dos discos en el mercado, acaso los mejores. Pero si es una gozada ver a esta banda a pleno rendimiento también lo es el escuchar el CD que acompaña al DVD, 73 minutos con el concierto completo que a su vez supone un complemento ideal a "Stupidity", el disco en directo que publicaron en 1976 y que también se grabó durante esta gira, de hecho tienen varios temas coincidentes. Ese disco supuso el espaldarazo definitivo a la carrera de la banda, catapultándoles al número 1 en las listas británicas, por lo que tener este otro lanzamiento, como digo, da aún más valor a esas grabaciones, con la banda en una forma envidiable y con su mítica formación original, esto es: Lee Brilleaux, Wilko Johnson, John B. Sparks y The Big Figure. ¡Vaya cuatro! Pues eso, que me aceptes el consejo y te lo regales, que en AmazonUK o Play.com está de auténtica ganga. ¡Salud!

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Escuchar en Spotify (¡por fin otro que se puede!)

Blue Harlem - Talk To Me (feat. Imelda May)

2005. Hace unos días estuve viendo a la formación actual de Blue Harlem con Sophie Shaw, su actual cantante. El concierto, como era de esperar, fue exquisito, unos músicos más que profesionales y entregados y Sophie cantando muy bien, con personalidad y buen rollo. Venían presentando el que es su último CD, "I Dare You", pero vamos a hablar hoy de su anterior lanzamiento, este "Talk To Me" grabado a comienzos de 2005 en el que la encargada de la parte vocal era, ni más ni menos, la inigualable (y guapa) Imelda May. Dos años antes de este LP se publicó su primer disco en solitario que salió bajo su nombre de soltera, Imelda Clabby, el también fantástico "No Turning Back" (2003), que fue regrabado y relanzado hace unos meses tras el éxito de su segundo álbum, el maravilloso y ya comentado por aquí "Love Tattoo" (2008). También hay que señalar que Imelda es la esposa de Darrel Higham, una leyenda del rockabilly en las islas británicas.

Al contrario que en su obra en solitario, donde tira más hacia el rockabilly, en este disco el sonido recrea fundamentalmente el swing y jazz vocal de los años 40 y 50, por supuesto sin olvidar el blues y derivados. La banda suena impresionante, nueve tios arropando a Imelda con un conjunto de metales que tira pa'trás, aunque hay que decir que en directo la banda es algo más modesta, al menos por lo visto en mi ciudad. Muy recomendado para los seguidores de Imelda, que me consta que crecen y crecen sin parar o para los amantes de los géneros antes citados. Sí, no serán los mejores en su estilo, siempre sale el listo de "buah, es que fulanito suena mejor y es más auténtico" (pobres de espíritu...) pero el disco es muy entretenido e incita al baile cosa mala. ¡Que siga la fiesta!

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Web Oficial. MySpace.

Marvin Gaye - At The Copa

1966. Esto que tengo hoy entre manos es la excelsa edición de 2005 de un concierto grabado en 1966 en el Club Copacabana, exclusivo club neoyorquino que ya había visto la actuación de otras ilustres del sello Motown como eran The Supremes, el grupo en que se dio a conocer Diana Ross. Además era escenario habitual de grandes artistas de la época y de todos los tiempos como Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. o Nat King Cole. Por lo visto Berry Gordy, el capo de Tamla-Motown, no quedó satisfecho con el resultado final y esta grabación, a pesar de tener incluso una referencia asignada en el catálogo de Motown, quedó guardada en un baúl hasta hace 4 años escasos. El hecho del prolongado "cautiverio" de este disco no tiene en absoluto que ver con la calidad del mismo. La razón fundamental fue que Gordy no vio con buenos ojos una grabacion donde Marvin demuestra toda su versatilidad y variedad de registros, escapando del sonido Motown que Gordy imponía a todas sus producciones. Aquí el bueno de Marvin emula a grandes del género como Jackie Wilson o Sam Cooke que no tenían ningún problema en interpretar "standars" si la ocasión lo requería, mezclando swing, soul y un enorme sentido del espectáculo a partes iguales. El repertorio se compone de clásicos de Porter, Holland/Dozier/Holland, por supuesto Gordy que firmaba todo lo que le dejaban y más, hasta se acerca a Brasil con un tema de Edú Lobo. Está acompañado de una orquesta de composición desconocida y tiene un sonido que es una delicia, lleno de matices y variedad, se puede oir perfectamente al público y hasta juraría que varias veces se oyen copas brindando, ya no se graban los discos así. En fin, que como os digo es una pequeña rareza en la discografía de este hombre, inédita hasta hace poco y que nos muestra el primer Marvin Gaye, bastante alejado de los discos posteriores de Motown por los que es más recordado, ya sabéis, "What's goin' on", "Let's get in on" y demás, aunque tampoco podemos olvidar sus discos de duetos con Mary Wells (que de hecho es anterior a este directo), Tammi Terrell u otros clásicos como "I heard it through the grapevine", todos más que disfrutables. Lo cierto es que este tipo tiene una de las discografías más sobresalientes que uno pueda imaginarse. Pues eso, sobretodo para completistas pero también para aficionados con un poco de curiosidad, como es mi caso. ¡Que viva el cabaret, chavales! "That's entertainment!"

Little Willie John - The King Sessions 1958-1960

2005. Estamos de vuelta. Vamos hoy con uno de esos talentos semi-olvidados que tanto nos gustan por aquí. Little Willie John (de nombre real William Edward John) nació en 1937 en Cullendale, Arkansas. Como tantos otros, y en una premisa que nos hace pensar que al fin y al cabo la religión tiene sus cosas buenas, se formó cantando gospel en iglesias locales. Su estilo va evolucionando hacía el R&B imperante en la época hasta que consigue contratos con pequeñas compañías como Savoy, Prize y Rama. El éxito no le acompaña en esos lanzamientos y pasa a formar parte del sello King Records. Entre 1956 y 1961 consigue asaltar el Top 10 en varias ocasiones, una de ellas con la celebrada y multiversionada "Fever", un gran éxito en la voz de Peggy Lee (en 1958, un año después de la original) y que han reinterpretado desde Elvis hasta Madonna. Esa versión de Peggy Lee le da cierto prestigio y llama la atención sobre él, que encadena una numerosa serie de éxitos en las listas de R&B. Con su timbre agudo y poderoso es uno de los cantantes que allanaron el terreno a la llegada del soul, además de ser uno de sus máximos precursores. Pero, ay amigos, la noche es muy mala y nuestro héroe, en un suceso nunca aclarado del todo, es acusado de la muerte por acuchillamiento de otro tipo tras un concierto ("pequeñito pero matón", nunca mejor dicho!). Esto le lleva a la cárcel en 1964, algo que truncaría no sólo su carrera como cantante si no también su vida ya que sólo cuatro años más tarde aparece muerto en su celda de la prisión estatal de Wahsington. Unas fuentes hablan de ataque al corazón como causa de la muerte, algo que es difícil de comprender para alguien de 31 años escasos. Otros hablan de muerte por asfixia. Sea como sea este lamentable hecho nos privó de ver la evolución de un artista enorme que, a pesar del pequeño tamaño del que habla su apodo, es un grande de la música por merecimientos propios. Los mismísimos Beatles hicieron un tema suyo (“Leave My Kitten Alone") y su gran amigo James Brown le rindió tributo el mismo año de su muerte con "Thinking of Little Willie John and a Few Nice Things". Este CD es el segundo de una serie de tres lanzamientos que reunen su producción para el citado sello King Records. Magnífica presentación y un acierto total de los amigos del sello Ace que nos recuperan a este olvidado monstruo. Maravilloso.

Little Richard - Ooh! My Soul: The Very Best Of The Vee-Jay Years

2005. Esta que os propongo hoy es la versión revisada y aumentada de un lanzamiento de mediados de los '80, una recopilación de grabaciones de 1964 y 1965 para Vee-Jay Records, para un servidor de lo mejor que grabó el bueno de Little Richard. No creo que haga falta mucha presentación, sólo comentar que Richard Penniman (su verdadero nombre) ha estado siempre marcado por dos hechos, primero su educación extremadamente religiosa y segundo su declarada homosexualidad (que él mismo consideraba una enfermedad, no se lo tengáis en cuenta, fue hijo de su tiempo). Ésto, como podéis suponer, le ha traido innumerables problemas, y su vida ha ido dando bandazos del fervor religioso más recalcitrante al libertinaje más absoluto, convirtiendo a Richard en una contradicción con patas. Tras un comienzo de carrera en el que se dio a conocer como intérprete de rhythm and blues pronto abrazó ese nuevo ritmo llamado rock and roll, género que en buena medida ayudó a cimentar. A finales de los '50, más concretamente en 1957 lo deja todo y se pone a estudiar teología. En lo musical, como no podía ser de otra manera, se dedica a cantar y grabar gospel, género con el que se formó y que de hecho es lo más natural para él. Ya en 1964 vuelve al rock and roll, grabando para Vee-Jay nuevas versiones de sus clásicos, acompañado entre otros de chavalotes como Johnny "Guitar" Watson, Jimi Hendrix o "Sugarcane" Harris. Unas regrabaciones que son tan buenas o mejores que las originales. Para Elvis era el más grande, para Otis Redding una de sus máximas influencias, era el ídolo de James Brown y The Beatles le adoraban (y versionaban, claro). Un tipo imprescindible para saber de qué va la vaina, una fuerza de la naturaleza. Podríamos hablar durante días de él o bien podéis haceros con el libro de mismo título que este recopilatorio, un repaso detallado de la vida y milagros de este genio que trae anécdotas de lo más jugosas y entretenidas. Si se te pone a tiro ni lo dudes, hazte con él. ¡Jefazo!

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Sharon Jones And The Dap-Kings - Naturally

2005. Poco que añadir a las alabanzas que ya ha recibido esta señorita por aquí. Segundo disco en solitario acompañada de sus fieles Dap-Kings. Más soul del bueno con notas funk del que posiblemente es el mejor grupo actual en su estlo. Colabora en un tema Lee Fields, también comentado por aquí a raiz del disco de Soul Providers, en el que así mismo participó Sharon Jones. Después del 1 va el 2, y llegará el 3...

Townes Van Zandt - Texas Troubadour (4CD Set)

Lo que sigue es el texto original del post, que he decidido no modificar para que los comentarios no pierdan coherencia. He añadido los enlaces de descarga para aquellos que quieran disfrutar anticipadamente de esta delicia. Salud!

Hoy, amparado por el hecho de ser el monarca de este Reino voy a incumplir una de mis máximas. Es lo que mola de ser el jefe. Y esa máxima no es otra que, ya que este es un blog para exponer mis preferencias musicales, esa exposición debía ir acompañada de su correspondiente banda sonora. Predicar el amor a la música no sólo con palabras, si no también con los hechos. Bien, hoy incumplo esa norma para hablaros de un tipo y este absolutamente maravilloso box con lo mejor de su obra. Un cuadruple CD de soberbia presentación, con detallado libreto a color de 36 páginas donde nos cuentan la vida del tipo y nos muestran estupendas fotos de él y de los lugares donde se formó. A nivel sonoro reúne los 7 primeros discos de estudio, toda su producción de 1968 a 1978, además de una selección de temas de su directo de 1973 y 4 out-takes. Una auténtica bestialidad. Vamos, que me tiene pillado por completo.

Townes Van Zandt nació en 1944 en el seno de una familia acomodada con una larga tradición y que tuvo un papel importante en la historia de su comunidad. No hubo infancia de penurias económicas, hambre, maltratos o temas así. Pero resulta que el padre de Townes era abogado de una empresa petrolífera, por lo que la familia al completo se tuvo que mudar de residencia en repetidas ocasiones. Por lo visto esto hizo de Townes un chico reservado y taciturno, que nunca llegaba a profundizar en sus relaciones sociales, lo que con el tiempo le convirtió en un tipo solitario (ejem, pedazo de psicoanálisis me estoy marcando... jajaja).

La música entró en su vida a edad muy temprana, un poco a través de Elvis Presley, otro poco por Hank Williams o Lightnin' Hopkins. Más adelante descubrió a cantautores como Bob Dylan que también impresionaron al joven Townes. Empezó a tocar en clubes y a solidificar su estilo, mientras se curtía el organismo a base de alcohol y drogas varias. Hasta que le llegó la hora de su primer contrato discográfico, por el que publicaría el primer trabajo recogido en esta caja. De sonido austero, fue la carta de presentación de este cantautor que se encuentra en la perfecta intersección entre country, folk, blues y poesía.

A partir de aquí su discos serían más elaborados en lo musical, con más arreglos y producción, pero sin perder en ningún momento la esencia lírica de su propuesta. En lo personal, por esa época tuvo a su primer hijo (se había casado en 1965), vivió aislado en una cabaña en una montaña y otro tiempo en un apartamento con Roky Erickson, donde por lo visto casi palma de una sobredosis. Y bueno, discos, discos, una ausencia de 4 años, saca otro más y desaparece durante una década completa. Reconocimiento, un montón de artistas versionan sus canciones, otro montón más lo cita como influencia primordial, etc... La década de los noventa vió un par más de sus discos pero, de manera sorpresiva, muere en 1997 a la edad de 52 años.

Y ya, la historia se podría completar pero hasta aquí llego yo, que ya es mucho escribir y total, lo váis a leer cuatro. ;) Recomendadísimo, lo podéis pedir a Amazon aunque he visto algunos precios un tanto desorbitados. Yo lo encontré por un precio mucho más atractivo. Si os sirve, decir que en España lo distribuye Mastertrax así que no deberíais tener ningún problema en conseguirlo en cualquier tienda mediana.