Boogaloo Joe Jones - Right On Brother

1970. Boogaloo Joe Jones (de nombre real Ivan Joseph Jones) es una guitarrista estadounidense que se hizo relativamente conocido al ser durante años (mediados-finales de la década de 1960) guitarrista de sesión para el sello Prestige, discográfica que también editaría sus primeros álbumes en solitario, como este "Right On Brother" que nos ocupa y que fue el cuarto disco para dicho sello. A partir de 1969 adoptó el apodo de "Boogaloo" para evitar confusiones con otros músicos con su mismo o parecido nombre. Sinceramente lo conozco desde hace poquísimo tiempo pero lo que he tenido tiempo de escuchar hasta el momento, aparte de este disco, me parece excepcional, la obra de un guitarrista extraordinariamente dotado, con un estilo que bebe directamente del blues para derivar en una amalgama soul-jazz y acid jazz que lo situaba a la vanguardia del género. A pesar de este y otros discos fantásticos y sus muchas colaboraciones nunca ha sido un tipo excesivamente reputado ni conocido por el gran público, así que, como siempre, aquí estamos esparciendo la semilla en la medida de nuestras posibilidades. En este disco estaba acompañado, entre otros que podéis ver en el scan de abajo (tremendo Rusty Bryant), por el soberbio Charlie Earland, favorito personal que ya ha aparecido por aquí hace algunos meses. Otra estupenda remasterización de Rudy Van Gelder, garantía de calidad. No lo dejes escapar. ¡Salud!

Jimmy McGriff - The Worm

1968. De nuevo debo empezar diciendo que no me voy a enrollar mucho puesto que ya hemos hablado de este monstruo por aquí. Alguno pensará, con razón, que me empiezo a repetir de una manera alarmante, pero por explicarlo de una manera simple digamos que, en un comportamiento de lo más básico, tiendo a repetir aquello que me gusta. Diréis, de nuevo con razón, que vaya manera de írseme la pinza. Esto sólo lo explican los años de malos vicios. También repetidos tan sólo porque gusta. :DD En fin, que hay que rellenar un poco de espacio, si no éste va a parecer un post desnutrido, pero tampoco os voy a contar lo mismo que en el otro. En esto no me gusta repetir...

Ya en serio, discazo de la muerte, con un Jimmy McGriff en estado de gracia y, como no podía ser de otra manera, en muy buena compañía. A sus secuaces los podéis ver en los scans de abajo, lo mejorcito de cada casa. Además está producido por el gran Sonny Lester. El propio Jimmy se definía a sí mismo más como músico de blues que de jazz, y es sobre todo del primer estilo de lo que más se puede encontrar en el disco, aunque una de las señas de identidad de este jamonero era su constante flirteo con distintos estilos, mezclando como pocos blues, jazz, soul y funk. Si me tocara elegir una (afortunadamente sólo es una suposición) escogería "Heavyweight", donde todos, en mayor o menor medida, se sueltan la melena y se explayan a gusto. Pues eso, ¡pan con queso! Jamoneros del mundo, ¡a mis brazos! :D

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Escuchar en SPOTIFY.

PD: Después de esta entrada los lectores que utilicen el traductor se van a cagar en mis muertos, seguro que no se entiende nada. En fin, sólo me queda recomendaros una academia de idiomas, jajaja ;-)

PD2: Ah, tranquilos, la chica de la portada se cayó, pero ya está bien.

Jimmy McGriff - Electric Funk

1969. Vamos de nuevo con otra racción de órgano Hammond, hoy de la mano de otro de los "dioses" del instrumento. James Harrill McGriff Jr., conocido como Jimmy McGriff, aprendió a tocar el piano a la tierna edad de 5 años. Tambien aprendió, con el tiempo, a dominar vibráfono, saxo, batería y bajo, hasta que tuvo que "servir a su país" en la guerra de Corea, donde fue policía militar. A su regreso pasó a formar parte del cuerpo de policía de Filadelifia durante un par de años. Su carrera musical, en una vocación que parece pasar de colegas a colegas, comenzó haciéndose cargo del saxo en diversos grupos, para abrazar definitivamente el órgano, según dicen, al ver tocar a Richard "Groove" Holmes en la boda de su hermana. Hay que decir que McGriff era amigo de infancia de Jimmy Smith, por lo que no era en absoluto ajeno al sonido de este maravilloso instrumento. El éxito de éste le animó a formar su propio grupo con él de organista. De hecho en una de sus bandas militó Charles Earland, de quien hablamos el mes pasado, que a su vez dejó el saxo, que era su instrumento de entonces, para pasarse también al Hammond. La historia parece que siempre se repite. Este disco que os recomiendo hoy es completamente instrumental, grabado en 1969 para Blue Note y con una formación, lamentablemente, desconocida. El único acreditado además de él es el polifacético Horace Ott, que se encarga del piano y los arreglos, además de ser el autor de 5 de los 9 temas del disco. Horace es un auténtico todoterreno cuya vida y obra dan para un post aparte, compositor, productor, arreglista, ha trabajado casi con todo el mundo y escrito algunos temas famosísimos, una barbaridad de tío. Pero como os decía es una pena que no especifiquen el resto de la formación, porque suena de miedo. La cosa, como se puede intuir por el título, se puede decir que es un jazz funketizado, lleno de melodía y con un ritmo infernal, demostrando que Jimmy estaba en forma increíble y con un dominio absoluto de su instrumento. Esto ya es un clasicazo que no puedes dejar de escuchar si te van mínimamente los sonidos jamoneros. Ah, este sí que está en Spotify. Hale, con dios!.

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Charles Earland - Black Talk!

1969. ¿Os gusta el jamón? ¿Y el Hammond? Para todos los "jamoneros" del mundo mundial (Manolito Gafotas dixit) va recomendado este disco. Si estás un poco metido en el tema lo conocerás de sobra, si no es así nunca está de más escuchar a este tipo, quizá menos reconocido que otros como Lonnie Smith, Jack McDuff, Jimmy McGriff, Georgie Fame o Jimmy Smith, pero igualmente disfrutable. Este sería su cuarto largo, el primero en el sello Prestige y de lo que grabó también el primero que se puede encontrar, los tres anteriores no hay manera de dar con ellos. Earland comenzó tocando el saxo, pasando por saxo alto, barítono y tenor. Entró (ya como saxo tenor) en la banda de Jimmy McGriff, de quien aprendió casi todo lo que se puede aprender de este instrumento e influenciado por él se pasó al Hammond más adelante, dejando la banda y formando un trio con Pat Martino (gt)y Bobby Durham (dr). Después recaló en la banda de Lou Donaldson un par de años y con este "Black Talk", grabado a finales de 1969, recuperó su carrera en solitario, que le daría bastante éxito a finales de los '70. Acompañado de ilustres como Virgil Jones o Idris Muhammad este disco de impecable factura fusiona con perfección y naturalidad el soul y el jazz. Nada de protagonismos forzados, todo suena cómo y cuando debe sonar, y cada músico tiene su parcelita de lucimiento pero siempre manteniendo la cohesión del sonido. Una pequeña maravilla casi olvidada de "The Mighty Burner", apodo que le daban y que es el título de uno de sus temas contenido además en este disco. Imposible destacar temas, pero la que da título al disco es algo impagable, y la versión de "Aquarius" está muy chula, la verdad, como todo el disco. Remasterizado por Rudy Van Gelder, lo que, como sabéis, es garantía inmediata de calidad. Si se te pone a tiro apunta bien y llévatelo a casa.

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Brother Jack McDuff - A Change Is Gonna Come

1966. Vamos con otro viejo conocido del blog. De nuevo con nosotros (ya apareció con "The Honeydripper", 1961) Jack McDuff, uno de los mayores maestros del Hammond B3, órgano de sonido único, cálido y cautivador. Durante la década de 1960, su apogeo creativo, grabó decenas de álbumes de calidad indudable y acompañado por algunas figuras legendarias como Grant Green, George Benson, Red Holloway, Jimmy Whiterspoon, Gene Ammons, Joe Henderson o Sonny Stitt. Este "A change is gonna come" que os presento hoy es principalmente un disco de jazz pero de nuevo viene repletito de soul (y un toque pre-funk, género por el que se decantó ya en los 70's), con versiones arrolladoras de "What I'd say" de Ray Charles o la canción que da título al álbum, obra de Sam Cooke. Las va alternando con temas propios y hasta se atreve a acercarse a la bossa con la recreación de "Minha saudade" de Donato y Gilberto. Un disco maravilloso.

The George Benson Quartet - It's Uptown

Volvemos con otro poco de jazz. A pesar de que en los últimos tiempos y debido a sus incursiones en el pop el amigo George Benson ha sido despreciado por los más puristas del género, no hay que olvidar una época en la que fue uno de los guitarristas más talentosos del mundo. Su temprana afición por la música le llevó a cantar desde los 8 años e incluso grabar algunos singles. A los 10 años pilló la guitarra y ya no hubo quien se la quitara de las manos. Pasó por grupos de rock hasta que se introdujo en el jazz a finales de los 50. A principios de la década siguiente se asoció con el inmenso Brother Jack McDuff y poco después, siguiendo la estela de su admirado Wes Montgomery, inició una carrera en solitario. Este "It's Uptown" (1966) supuso su cuarto largo, el tercero en solitario, aunque en esta ocasión estaba arropado por un cuarteto de muchísimos quilates, donde destacaba sobremanera el teclista Lonnie Smith, aunque los otros tampoco eran mancos precisamente (al saxo estaba Ronnie Cubber y a la batería se sentaron Jimmy Lovelace y Ray Lucas). Temas propios y covers de standards del duo Gershwin/Gershwin y algún otro se dan cita aquí de mano del prodigioso estilo de Benson, a veces melódico, las más torrencial, pero siempre fluido. Además el tipo cantaba con una deliciosa voz que bebía del soul cosa mala, dando un nuevo sentido al jazz vocal. ¿Se nota mucho que no tengo ni puta idea de lo que estoy hablando? No sé, pero el disco se sale y no puedo por menos que recomendar la escucha hasta a los más escépticos. Para no perder la costumbre 5 temitas extra, los dos últimos extraidos del disco de Lonnie Smith "Finger lickin' good soul organ" con la adición de Blue Mitchell a la trompeta y con Charlie Persip en la batería. ¡¡Dale una oportunidad al jazz!!