Ten Years After - Ssssh

1969. Venga, vamos con otros viejos conocidos del Reino, que repetirse es bueno siempre que guste, y lo que gusta se repite, cosas de la condición humana... :D Cuarto álbum de la banda de Alvin Lee, tercero en estudio, publicado poco después de su arrolladora actuación en el Festival de Woodstock (1969), aunque grabado un par de meses antes. Con este lanzamiento dejan a un lado la pequeña experimentación que se permitieron en el anterior "Stonedhenge", volviendo a lo que se les da realmente bien, esto es el blues y el blues rock tan característico de esa época. Alvin toma los mandos de la producción tras ocupar ese puesto Mike Vernon en el anterior LP y vuelve a estar acompañado de sus fieles escuderos Leo Lyons, Chick Churchill y Ric Lee que, como me gusta recordar siempre que puedo, no son meros comparsas del talentoso líder si no que aportan mucha "sustancia" al sonido del grupo. Lee consigue capturar en la grabación parte de la esencia de ese sonido, superando un handicap que siempre tuvieron los discos de Ten Years After, que no eran capaces de recoger la intensidad de sus directos. Como digo aquí casi casi lo consiguen, dejándonos de paso el que es uno de mis discos favoritos de la banda. Pues eso, vamos a ver si retomamos el pulso al blog que sé que lo tengo muy abandonado en las últimas semanas. Salud!

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Escuchar en Spotify.

Joe Meek - The Alchemist of Pop (Home Made Hits & Rarities 1959-1966)

2002. Genio loco e incomprendido, excéntrico entre excéntricos, homosexual cuando esto no es que estuviera mal visto, si no que era incluso peligroso, tipo oscuro de vida torturada y muerte, como poco, siniestra. Cualquier adjetivo que queramos ponerle se queda corto, muy corto, para definir a este hombre, alquinista del sonido de talento precoz y fugaz que ayudó a poner los cimientos de lo que a partir de los años 60 se entendería como música pop. Sería complicado y demasiado largo hacer una semblanza como sin duda merece un personaje de su talla así que nos quedaremos con que Joe Meek fue uno de los más importantes productores e ingenieros de sonido de los años 60. Pasó unos años trabajando por cuenta ajena con resultados dispares hasta que decidió embarcarse en el proyecto de su vida, construyendo un pequeño estudio casero que fue el germen de una producción inabarcable y enormemente variada. Joe dotaba con un sonido muy particular a todos sus trabajos, además de ser pionero en el uso de efectos de estudio, lo que daba a sus grabaciones una pátina inmediatamente reconocible, un sello de fábrica, por así decirlo. Con ello consiguió una reputación que dura hasta nuestros días, así como un puñado de números 1 y unos cuantos Top 10 más. La lista de artistas con/para los que trabajó es innumerable como podréis imaginar, pero bueno, en este recopilatorio ya tenéis unos cuantos con los que abrir boca. Como decía al principio, su muerte (1967) y todo lo que la rodeó fue, como mínimo, trágica y os animo a leer más sobre todo ello en la socorrida Wikipedia en inglés, en vista de que no hay mucha información en castellano y uno ya no está para muchas traducciones. Pues eso, sonidos no muy habituales por estos lares pero que sin duda disfrutaréis aquellos de vosotros con la suficiente apertura de mente y variedad en el gusto musical. ¡Salud!

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Este en particular no se puede escuchar en Spotify.

Radio Moscow - Brain Cycles

2009. De nuevo poco que contar. Hace unas semanas aparecieron por aquí con su LP de debut y ya que estamos vamos con el segundo y hasta el momento último disco. Los subí para un amigo y bueno, vamos a aprovecharlo, que subir discos es un poco peñazo. Si os gustó el primero en este encontraréis más de lo mismo, pero no sólo más, si no más y mejor. Dicen que la experiencia es un grado y discos como este lo demuestran. ¡Que os guste! Salud!

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Este segundo no está en Spotify, donde curiosamente sí aparece un tema no incluido en ninguno de los dos discos, se trata de la versión de "I just wanna make love" que incluyen en un recopilatorio del sello Alive ("Never Give Up On Your Hallucinations"-2009).

Misfits - Walk Among Us

1982. No sé qué hostias os voy a contar de Misfits que no sepáis, más habiendo aparecido anteriormente 2 o 3 veces por el blog, así que me limito a decir que este es uno de los grandes discos del género, llámesele punk, hardcore-punk, horror-punk o como os pete, allá vosotros. Hablaba hace unos días con un amigo acerca de composición y tal (no me hagáis mucho caso, no tengo ni puta idea) y bueno, yo siempre pongo de ejemplo a esta gente, la sencillez de su planteamiento, un raca-raca de fondo, una batería de combate y la voz de Glenn que lleva todo el peso de la melodía. Con unos elementos tan básicos fueron capaces de construir canciones inmortales que se atornillan a tu cerebro para siempre. Primer largo de la banda y para muchos lo mejor que sacaron, donde cada tema es un clásico de la banda. Imprescindible en tu colección. ¡Salud! (y más abajo la crítica de Allmusic)

The Misfits' 1982 debut full-length, Walk Among Us, rapidly became a legendary effort of U.S. punk, the more so because it so willfully violated many rules which were already ironically straitjacketing the scene. Utterly devoid of political confrontation or social uplift, embracing a costume sense that might have given Kiss pause and generally coming across like the horror-movie nightmares they looked like on the cover, the Misfits just wanted to entertain and do their own thing -- and that they did, brilliantly. Nearly every song on the album -- 13 total, delivered in a light-speed 25 minutes -- is a twisted classic, with the band's trademark '50s/'60s melodies run through a punk/metal meatgrinder on full display. The higher-budget (in very relative terms) recording meant a slightly cleaner and brighter sound all around, but nothing about Walk Among Us is slick, especially in commercial 1982 terms. One song title says it all: "All Hell Breaks Loose." Danzig's gift for creepy, strong, and attractively dark singing was long since established and he uses it brilliantly, making the over-the-top lyrics all the more enjoyable, while Doyle, Jerry Only, and Arthur Googy kick out the jams on Danzig's songs big time -- check out "Hatebreeders," "Violent World," and the crazed "Skulls." Everything ends with the giddily ridiculous "Braineaters," in which the chanting voices of the band bemoan their constant diet of cerebella and ask for intestines instead, but the real freaked-out highlight comes smack dab in the middle with "Mommy Can I Go Out and Kill Tonight." Taken from the show that made up the Evilive release, it starts out on the edge and, after Danzig delivers the title sans instruments, turns into an explosion of rhythm and feedback that should have killed everything within 50 feet of the amps. ~ Ned Raggett, All Music Guide

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Escuchar en Spotify.

Mel Brown - Chicken Fat

1967. La verdad es que no pilotaba yo a este hombre hasta que R. Negro, amigo del blog y familia de un servidor (ya sabéis pues de dónde le viene el buen gusto...jajaja) me puso tras su pista hace unos meses. Suelo tener en cuenta las recomendaciones y la verdad que en este caso hay que decir que fue todo un acierto. Luego, viendo su lista de colaboraciones, me dí cuenta que tengo unos cuantos discos en los que participa, y yo sin saberlo! Pues eso, un clásico al que llegué tarde pero que he disfrutado como pocos desde que lo tengo en mis manos hace 4 o 5 meses. Es acojonante que un disco así no tenga una fama que sin duda merece, supongo que el hecho de estar descatalogado durante años y que hasta 2007 no se reeditó en CD no ha ayudado a su pervivencia en el inconsciente colectivo del musiquero medio. Pero bueno, pongamos nuestro granito de arena para que esta situación cambie. Lamentablemente Mel murió hace escasamente un año, por lo que no veremos nuevas obras a su nombre, así que quedémonos con el que posiblemente sea su mejor trabajo. Genial es poco. ¡Salud y que os guste!

Transcribo la bio de Allmusic, que no hay ganas de escribir más:

Best known for his decade-plus stint in support of Bobby "Blue" Bland, Mel Brown channeled elements of soul, funk, and jazz to create one of the most distinctive guitar styles in contemporary blues. Born October 7, 1939, in Jackson, MS, Brown received his first guitar at the age of 14 while battling meningitis, spending hours each day studying the music of idols like B.B. King and T-Bone Walker from his sickbed. His father, John Henry "Bubba" Brown, a gifted amateur guitarist who often backed Delta legend Tommy Johnson, was another seminal influence. After recovering from his illness, Brown joined the Duke Juniors, a teenaged spinoff of the popular local society band the Duke Huddleston Orchestra. Word of his prodigious abilities spread quickly throughout the region, and at 15, he played a series of gigs backing the great Sonny Boy Williamson. After a brief stint in Los Angeles, Brown returned to Jackson in 1955, honing his skills under Huddleston before permanently settling in L.A. three years later. After a six-month stretch with West Coast R&B singer Jimmy Beasley, Brown spent two years backing R&B great Johnny Otis. In late 1960, he toured with the Olympics, followed by a two-year tour of duty with the great Etta James. Most significantly, while touring with James he swapped his Les Paul for a hollow-bodied Gibson ES-175, later crediting the instrument for the warm, rich tone that set him apart from rival guitarists. By 1963 the grind of touring forced Brown off the road. He returned to L.A. and resumed his collaboration with Otis, enjoying an extended residency at the Club Sands. He also launched a session career, playing on records by everyone from Bobby Darin to Bill Cosby as well as T-Bone Walker's Funky Town LP. His contributions so impressed ABC/Impulse! producer Bob Thiele that he invited Brown to cut his own album for the label: 1967's Chicken Fat, a wonderfully greasy blues-funk outing pairing Brown with fellow guitarist Herb Ellis, remains a cult classic. A series of impressive LPs including The Wizard, I'd Rather Suck My Thumb, and Big Foot Country Gal followed in quick succession before Brown joined Bland in 1971, appearing on the singer's classic California Album two years later. During his stint with Bland, the guitarist also moonlighted behind blues legends John Lee Hooker, Lightnin' Hopkins, and Roy Brown, and in 1976 he relocated to Nashville, where he maintained an even busier session schedule than in Los Angeles. Upon resuming his collaboration with Bland, Brown made the decision to temporarily abandon guitar in favor of the piano. He remained with the singer until 1982, putting his performing career on hiatus and moving to remote northeast Mississippi in an attempt to escape the music business. Brown resurfaced in 1983 as a member of the house band at the legendary Austin, TX, blues joint Antone's. In the years to follow, he backed everyone from Buddy Guy to Stevie Ray Vaughan to Clifton Chenier. In 1986, he accepted Albert Collins' offer to join his band the Icebreakers, recording the acclaimed LP Cold Snap before returning to Antone's. In 1989, he resumed his solo career with If It's All Night, It's All Right, released on the club's eponymous label. A few months later Brown headlined the Kitchener, Ontario, venue the Pop-the-Gator Club, finding the experience so much to his liking that he relocated to Canada in early 1990. There he formed a new band, the Homewreckers, and steadily toured the southern Ontario nightclub circuit, finally reappearing on wax in 1998 as a guest on Snooky Pryor's Can't Stop Blowin'. Brown's Electro-Fi label debut, Neck Bones & Caviar, followed a year later, winning the W.C. Handy Award for Blues Comeback of the Year. With 2000's co-headlined Double Shot!, he and Pryor earned a W.C. Handy nomination for Traditional Blues Album of the Year. The concert disc Homewreckin' Done Live followed a year later. After another five-year layoff from recording, Brown issued Blues: A Beautiful Thing in early 2006. (Extraído de Allmusic.com)

Una pequeña lista de algunos de los artistas con los que ha grabado, ¡acojonantum!:

Sonny Boy Williamson, Billy Preston, Lightnin' Hopkins, Jimmy Witherspoon, Steve Antone, Willie Nelson, Archie Shep, Eric Gale, B. B. King, The Crusaders, Jerry Lewis, Bobby Darin, Etta James, Buddy Guy, Johnny Otis, Bill Cosby, Jimmy McGriff, Dr. Hook, The Glaser Bros., Barney Kessel, Albert King, Bobby Bryant, Doris Day, Angela Stehli, Maxine Brown, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Nancy Wilson, Albert Collins, Waylon Jennings, Jesse Colter, Howard Roberts, Bobby Bland, Oliver Nelson, Andy Williams, James Cotton, Lou Ann Barton, Snooky Pryor... ahí es nada!
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Este tampoco está en Spotify, aunque podéis escuchar otros discos suyos.

Bambino - La Fuerza del Destino

2001. A ver, antes de nada me gustaría aclarar que no tengo ni idea de flamenco y que tampoco pretendo epatar al personal al descolgarme con este disco, pero lo cierto es que desde la primera vez que lo escuché me cautivó la pasión y desgarro con que Bambino se enfrenta a los clásicos que componen este recopilatorio, que no es el mejor del mercado pero permite un acercamiento adecuado a la obra del de Utrera (son sólo 15 temas, pero bueno, poco a poco). Una obra compuesta fundamentalmente de versiones que llevaba a su terreno con la naturalidad que sólo tienen los grandes, versiones que hacía suyas hasta el punto de que jamás volverían a sonar igual en las voces de otros. Coplas, boleros, rancheras e incluso tangos tomaban una nueva dimensión al pasar por su garganta. Como dijo Camarón: "Artista de artistas", frase que además da título a la recopilación más completa que se ha publicado. Como tampoco es que esté muy inspirado me voy a limitar a añadir la escueta información de la Wikipedia y váis que chutáis... ;-)

Miguel Vargas Jiménez, (Utrera, Sevilla, 14 de febrero de 1940 - Utrera, 5 de mayo de 1999), conocido en el mundo artístico por el sobrenombre de Bambino, fue un cantante Andaluz.

Hijo de Manuel Vargas Torres El Chamona y de la bailaora Francisca Jiménez Ramirez La Frasquita, y sobrino del cantaor Manuel de Angustias, se sintió atraído por el cante desde niño, pero en su juventud tuvo que trabajar, entre otros empleos, en la barbería de su padre. Poco después comenzó a introducirse en el campo musical y debutó como artista profesional en la Venta Real de Antequera (Málaga), a los 21 años. Allí cantaba una versión por rumbas de "Bambino Piccolino", canción italiana que popularizó Renato Carosone y que dio a Miguel su nombre artístico.

Comprendió desde el principio que no quería encauzar su carrera dentro de los moldes habituales del cantaor andaluz y prefirió correr el riesgo de buscar su propio estilo. Se dedicó a la interpretación de bulerías, rumbas, coplas y boleros, dentro de un "pseudo flamenco" al que supo infundir una fuerza y un temperamento que no tardaron en proporcionarle la gran popularidad que llegó a tener.

Un dominio excepcional del compás, sus desgarradoras experiencias vitales y sobre todo la peculiar personalidad de Bambino, se vieron reflejados en una larga carrera con actuaciones en teatros, tablaos (fue contratado en los más importantes tablaos de Madrid como Torres Bermejas o Canasteros) y giras por toda España, así como en su numerosa discografía.

Miguel Vargas vivió sus últimos años en Utrera, apartado de la música por un tumor de garganta que acabaría quitándole la vida.

El 5 de septiembre de 2005 se levantó en Utrera, lugar de nacimiento y muerte de Bambino, un monumento en su honor. (Fuente: Wikipedia)

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Otro que tampoco está en Spotify...