domingo, 31 de mayo de 2009

Sonny Rollins and Coleman Hawkins - Sonny Meets Hawk!

1963. Cuando hace unos meses me enteré de la existencia de este disco (uno es un neófito y se va enterando poco a poco de estas cosas) supe que tenía que hacerme con él. Dos de mis saxos tenores favoritos juntos, de ahí no podía salir nada malo. Coleman Hawkins es uno de los padres del uso del instrumento en el jazz moderno, un tipo que llevaba grabando desde mediados de los años 20 y auténtico lucero del alba de todos los que vinieron después. Su importancia capital en el desarrollo del instrumento no puede ser discutida. Sonny Rollins, por otra parte, es uno de sus más destacados discípulos, un tipo que dió un paso más, autor de obras memorables y fundamentales como "Saxophone Colossus", quintaesencia de su estilo y uno de los álbumes de jazz más importantes de la historia. Si Hawkins estaba entre el swing y el bop, Rollins se encontraba entre el bop y el hard, como os digo una evolución lógica. Este disco supuso por una parte la que es quizá la mejor grabación de Hawkins en los años '60 y por otra el regreso por todo lo alto de Rollins, que había estado unos años casi retirado, dicen que por la impresión que le produjo la irrupción en el panorama jazzero de John Coltrane y Ornette Coleman. Se encuentran en el Festival de Jazz de Newport de 1963 y de una colaboración encima del escenario y su excelsa comunicación surgió la idea de grabar este LP. Vale, es verdad que muchas veces la unión de dos genios de este calibre no da lugar a una obra memorable, incluso a grabaciones faltas de garra y energía. No es el caso. Aquí cada ataque del impetuoso Sonny es contestado con maestría por el abuelo, liberado de cualquier atadura estilística. Hay unos diálogos entre ambos que quitan el hipo, sin olvidar la participación de músicos más que experimentados como Paul Bley (maestro!) al piano, Henry Grimes (3, 4 y 6) y Bob Cranshaw (1,2 y 5) al contrabajo y Roy McCurdy a la batería. Grabado en dos sesiones el 15 y el 18 de julio de 1963 para las que eligieron 5 standars y una composición propia de Rollins. Impresionante.

viernes, 29 de mayo de 2009

Border Line Blues Band - Abbe's Bell Do Drier Nun

2009. El amigo Josep nos manda el nuevo disco de su banda, la Border Line Blues Band, de quienes ya nos hizo llegar su anterior lanzamiento. Como él mismo nos manda el link lo pongo por ahí abajo, pero aclaro, antes de que nadie se lleve a engaño, que este sigue siendo un blog SIN descargas musicales, salvo casos puntuales como el que nos ocupa. En este nuevo disco alternan temas propios con versiones de clásicos de siempre y una sorprendente adaptación del "Qué demasiao" de Sabina, rebautizada como su primera frase "Macarra de ceñido pantalón".

Acerca de Border Line Blues Band
BREVE HISTORIA:
La BORDER LINE BLUES BAND, como se la conoce habitualmente, nace en GIRONA el año 2001 como quinteto a raíz de la disolución de las bandas BLUES DE ROSTOLL (1990 – 1997) con dos discos en el mercado y SILUETS (1997 – 2000 ) con un disco publicado.

COMPONENTES:
Eduard Carreras - Voz y Guitarra
Josep Loredo - Saxo Tenor y arreglista
Isaac Casadevall - Batería
Llorenç Pujol - Bajo eléctrico
REPERTORIO:
Temas propios y versiones adaptadas de Elvis, B.B. King, John Lee Hooker y otros músicos que han dejado huella en el Blues. Cantando en Inglés, Castellano y Catalán, la banda viaja a través de la historia del blues, llegando a estilos más actuales como Funky, Rock&Roll y Soul. El amplio repertorio permite a la banda dirigir sus actuaciones a todo tipo de públicos.

ESPECTÁCULO 2009:
“Night & Blues” es un viaje por la historia del Blues, donde un presentador nos narra breves historias y nos cuenta anécdotas sobre el tema que seguidamente tocará la banda. De manera cronológica, empezamos este viaje en los campos de algodón de hace más de un siglo, haciendo varias escalas en Memphis, Chicago, New Orleans, hasta llegar a la actualidad. Los pactos con el diablo de Robert Johnson o las “herejías” de Ray Charles, son algunas de las estaciones en que nos detenemos en este camino.Como en todo buen viaje, Border Line Blues Band busca la diversidad de estilos para plasmar la riqueza del Blues. Entre muchos, la banda toca temas adaptados de Robert Johnson, John Lee Hooker, B.B. King, Ray Charles o Elvis, haciendo incursiones en estilos Latin, Funk y Rock&Roll. Este es un espectáculo divertido y didáctico, pensado para hacer llegar el Blues a todos los públicos.
DIRECTOS DESTACADOS:
Últimamente, hemos actuado en:Hard Rock Café de BarcelonaLa Nova Jazz Cava de Terrassa 16è Festival de Blues de RosesXè Festival de Blues de Manresa (El Sielu)Sala Jamboree de Barcelona

CDs PUBLICADOS:
Aquiteta negra (2003)
De l’Onyar al MississiPpi (2005)
All That Blues ! (2007)
ABBE’S BELL DO DRIER NUN (2009)

PD: Nos dice el propio Josep que: En el Inlay Izquierdo (* arriba a la izquierda, donde vienen los títulos de los temas*) hay un enigma numérico. Al primero que lo descifre y nos lo comunique (hay un enlace en el mismo Inlay), le dedicaremos un tema en nuestro próximo disco.

¡Saludos y suerte!

El Rango Dinámico

Reino de Mondongo Servicio Público Informa:
Este artículo ha aparecido en infinidad de medios, pero no por ello deja de ser interesante y sigue incitando a la reflexión.
El autor es el ingeniero de sonido (masterización, en concreto) Bob Speer, y la traducción corre a cargo de Xavier Blanco.


¿QUÉ HA PASADO CON EL RANGO DINÁMICO?

Hay que hacerse esta pregunta, porque somos los responsables de lo que está sucediendo a la música. La música que escuchamos hoy en día no es nada más que ruido con ritmo. Y esto no es así porque la música sea mala. Es así porque carece de rango dinámico.
Cuando la música no tiene rango dinámico, pierde la pegada, la emoción y la claridad. La industria discográfica insiste en culpar a los P2P, los MP3s, las grabadoras de CD y muchos otros por la caída de las ventas de CDs. Y aunque hay algo de verdad en sus constantes gimoteos, sólo deben culparse a ellos mismos por el robo que están cometiendo contra los consumidores. No soy un abogado de ese robo. Sin embargo, la industria musical necesita reevaluar lo que considera como buena música. La moderna música de consumo no es musical en absoluto. Se puede describir mejor como anti-musical.
Es anti-musical porque la están dejando sin vida a través de la sobrecompresión durante las etapas de tracking, mezcla y masterización. Es, simplemente, no-musical. No es nada extraordinario que los consumidores no quieran pagar por la música que se produce hoy. Cuesta demasiado y suena mal. Nuestra herencia musical está siendo amenazada por esta anti-música. ¡Ya es hora de que despertemos todos en la industria musical!
Pero, ¿qué es el rango dinámico? Rango dinámico es la diferencia entre los sonidos más suaves y los más fuertes que podemos oir. O, por decirlo de otro modo, es la diferencia entre los sonidos más leves y más potentes en una grabación. El rango dinámico se mide en decibelios (dB). El rango dinámico típico para una grabación de cassette está alrededor de los 60 dB, mientras que en las grabaciones digitales actuales (CDs) puede alcanzarse un rango dinámico de 96 dB. Comparad esto con los 120 dB o más que se dan en las actuaciones en vivo.
Durante años, hemos intentado recrear las emociones de una actuación en vivo, intentando mantener un rango dinámico lo más amplio posible. Esto siempre ha sido difícil con la grabación analógica. Teníamos que situar las señales más débiles por encima del umbral de ruido, mientras manteníamos las señales fuertes por debajo del nivel de distorsión. Para evitar que las señales débiles quedasen enterradas en el ruido de cinta, había que grabarlas al mayor nivel posible. Y para evitar la distorsión de las señales fuertes, teníamos que comprimirlas, resultando en un rango dinámico reducido.
A medida que pasaron los años, se hicieron muchas mejoras en la tecnología de grabación de cinta. Esto, junto con los sistemas de reducción de ruido, ayudó a mejorar el rango dinámico de las grabaciones, pero todavía existían limitaciones. Un buen día, asistimos al nacimiento de una nueva tecnología, llamada grabación digital. ¡Guau! Ahora, con un rango dinámico superior a 90 dB, nuestras grabaciones podían rivalizar con las actuaciones en directo. Bueno, en teoría. La industria musical tenía otros planes.
En vez de usar esta nueva tecnología para tomar ventaja de su rango dinámico, la industria musical fue en la dirección opuesta. Decidieron que "más alto es mejor". De repente, nos encontramos en una carrera para ver qué CD sonaba más alto. Y la única manera de hacer que los CDs sonasen más alto era comprimir la señal más y más. Y aquí es donde estamos hoy. Todo el mundo intenta hacer que su CD suene más alto que ningún otro. La palabra que se utiliza para este proceso es "hot" (caliente). Sí, la música de hoy se graba "hot". El resultado neto: ruido con ritmo.
En diciembre de 2001, diversas personalidades de la industria discográfica participaron en un jurado de los Grammys para elegir el CD con mejor sonido. Después de escuchar más de 200 CDs, no pudieron encontrar ni uno solo que mereciese un Grammy, partiendo de los criterios que les fueron dados. Todo lo que escucharon estaba aplastado hasta el extremo, con grandes cantidades de compresión. El apaño que hicieron fue elegir el CD que presentaba menos signos de producción. Realmente, el ganador no lo fue por su gran trabajo de ingeniería de sonido; ganó simplemente porque fue el que menos había ensuciado la señal. Pensándolo bien, quizá eso ya fuese un gran trabajo de ingeniería. De todas formas, vaya manera de ganar un Grammy.
He aquí una cita de Roger Nichols, uno de los integrantes de aquel jurado: "el mes pasado, escuché todos los CDs enviados a NARAS en la categoría 'Mejor grabación no clásica'. Escuchamos 3 o 4 cortes de los 267 álbumes enviados. Cada uno de los CDs estaba comprimido al máximo, sin rango dinámico. Los finalizers y plugins estaban configurados a tope para conseguir que cada CD sonase más alto que los demás. Nadie intentó tomar partido del rango dinámico y la limpieza de la grabación digital" (EQ Magazine, enero de 2002). Roger Nichols es ganador de un Grammy e ingeniero de sonido de Steely Dan o los Beach Boys.
El mito de los CDs Radio-ready o "preparados para la radio"
"Radio ready" es un término ambiguo creado por profesionales del márketing, cuyo único objetivo es vender productos. Pero a tí te conviene ser un artista o productor informado. La radio es la gran "niveladora"; coge las canciones suaves y sin pegada, y las nivela para competir así con los temas de volúmenes más altos. En el proceso, la dinámica natural de las canciones es totalmente destruida. Pero eso no es todo. La radio también coge canciones extremadamente comprimidas, y las aplasta todavía más.
Masterizar para radio crea una situación que puede hacer que las canciones suenen peor. Aún así, muchos argumentarán que quieren un CD masterizado a niveles altos "para que suene bien en la radio". Lo que quieren realmente es que, al escucharlo en un equipo doméstico o en el coche, suene tan comprimido como se escucha en la radio.
Pero las grabaciones no necesitan un procesamiento especial para sonar bien en la radio. La radio ya se encargará de los picos de limitación y elevará el nivel ella misma. Masterizar específicamente para la radio sólo puede servir para empeorar las cosas.
Nuestra música hoy en día no tiene vida. No hay emoción ni textura, y sin duda no hay razones para comprarla. Los jóvenes aceptan este sonido "hot" porque es todo lo que conocen. No se les ha mostrado la música que suena realmente "musical". No puedo creer lo que hemos hecho a nuestra música; de algún modo hemos permitido que la radio, con su respuesta en frecuencia y rango dinámico limitados, se haya convertido en el modelo de cómo deben sonar las cosas. Queremos que los CDs que compramos suenen como en la radio. ¿Qué ha pasado con la recreación de las emociones de un concierto en vivo? ¿Es posible que hayamos avanzado en tecnología, yendo hacia atrás en nuestra forma de pensar? No necesitamos tecnología digital para crear el sonido "hot"; podríamos haberlo hecho con las grabaciones analógicas, igual de fácil.
No caigas en la trampa de los 'CDs cañeros'
Aquí tenéis un diagrama que muestra el incremento en los niveles de los CDs. Se ve claramente cómo el nivel medio ha subido a lo largo de los años, debido a las "guerras de nivel" (Level Wars) promovidas por la industria musical.
Los CDs producidos en 1985 tenían un nivel medio de -18 dB. Esto dejaba amplio margen para picos musicales, o por decirlo de otro modo, para la pegada. Es el nivel medio, y no el nivel de pico, el que da a la música su fuerza.
A medida que entramos en los 90, podemos ver el cambio gradual que tiene lugar a medida que la industria musical entra en las Level Wars y comienza a destruir la música. El nivel medio de los CDs en 1990 era de -12 dB. Luego, como muestra la gráfica, el nivel se elevó a -6 dB en 1995. En el año 2000, los CDs alcanzaron un nivel medio de -3 dB. Es importante entender que a medida que el nivel de los CDs aumentaba, el rango dinámico se reducía.
En 2002, este aumento en los niveles medios era tan pronunciado, que causó una gran pérdida en la claridad y calidad general de los CDs comerciales. En 2005, la situación era aún peor.
Necesitamos un compromiso en cuanto a lo que debiera ser el nivel medio de los CDs. Creo que deberíamos volver al nivel de 1990 (sería preferible alrededor de -14 dB). Esto nos daría un nivel saludable, ¡así como margen para generar los picos musicales que restablecerían lo que se ha perdido en la música actual! Y hay [ otros en la industria ] que comparten mis creencias.
Espero que algún día nos despertemos de esta pesadilla. Así todos podremos grabar y masterizar música del modo en que debiera ser. Debemos tomar ventaja de lo que ofrece la tecnología digital: la capacidad de hacer grabaciones sin ruido o distorsión, ¡preservando al mismo tiempo las dinámicas naturales de nuestra música!
Gritad conmigo, muy alto: ¡QUE VUELVA EL RANGO DINÁMICO!
Por [ Bob Speer ]
Traducido por Xabier Blanco, con autorización del autor

El artículo traducido está sacado de aquí.
El original en inglés está aquí: What Happened To Dynamic Range?
Otro artículo muy interesante del mismo autor sobre el mismo tema: La muerte del rango dinámico (en inglés).
Otro más sobre la relación musica-radio: What Happens to My Recording When it's Played on the Radio?

jueves, 28 de mayo de 2009

¡Enhorabuena a los campeones!

Antes de que se me asuste el personal: Este sigue siendo un blog eminentemente musical. Los que me conocéis sabéis que no soy seguidor del fútbol ni de ningún equipo en especial, por eso mismo es tan grande este Barça, porque nos entusiasma hasta a los que no nos hace demasiado tilín el deporte rey. Quizá sea que simplemente juegan bien al fútbol, tan bien como se puede jugar. Quizá sea la actitud de jugadores y entrenador. O quizá sea, tan sólo, que los no-fanáticos disfrutamos del buen fútbol libremente, sin las orejeras mentales que te imponen los fanatismos. Qué se yo, el caso es que da gusto verlos jugar. Ojalá sigan así muchos años más y su estilo de juego "contamine" al fútbol en general, haciéndolo, sin duda, más atractivo, mejor. Por eso sólo nos queda decir: Visca el Barça, visca el fútbol (este fútbol).

miércoles, 27 de mayo de 2009

Little Richard - Ooh! My Soul: The Very Best Of The Vee-Jay Years

2005. Esta que os propongo hoy es la versión revisada y aumentada de un lanzamiento de mediados de los '80, una recopilación de grabaciones de 1964 y 1965 para Vee-Jay Records, para un servidor de lo mejor que grabó el bueno de Little Richard. No creo que haga falta mucha presentación, sólo comentar que Richard Penniman (su verdadero nombre) ha estado siempre marcado por dos hechos, primero su educación extremadamente religiosa y segundo su declarada homosexualidad (que él mismo consideraba una enfermedad, no se lo tengáis en cuenta, fue hijo de su tiempo). Ésto, como podéis suponer, le ha traido innumerables problemas, y su vida ha ido dando bandazos del fervor religioso más recalcitrante al libertinaje más absoluto, convirtiendo a Richard en una contradicción con patas. Tras un comienzo de carrera en el que se dio a conocer como intérprete de rhythm and blues pronto abrazó ese nuevo ritmo llamado rock and roll, género que en buena medida ayudó a cimentar. A finales de los '50, más concretamente en 1957 lo deja todo y se pone a estudiar teología. En lo musical, como no podía ser de otra manera, se dedica a cantar y grabar gospel, género con el que se formó y que de hecho es lo más natural para él. Ya en 1964 vuelve al rock and roll, grabando para Vee-Jay nuevas versiones de sus clásicos, acompañado entre otros de chavalotes como Johnny "Guitar" Watson, Jimi Hendrix o "Sugarcane" Harris. Unas regrabaciones que son tan buenas o mejores que las originales. Para Elvis era el más grande, para Otis Redding una de sus máximas influencias, era el ídolo de James Brown y The Beatles le adoraban (y versionaban, claro). Un tipo imprescindible para saber de qué va la vaina, una fuerza de la naturaleza. Podríamos hablar durante días de él o bien podéis haceros con el libro de mismo título que este recopilatorio, un repaso detallado de la vida y milagros de este genio que trae anécdotas de lo más jugosas y entretenidas. Si se te pone a tiro ni lo dudes, hazte con él. ¡Jefazo!

Comprar en AmazonUK

domingo, 24 de mayo de 2009

Shuggie Otis - Shuggie's Boogie: Shuggie Otis Plays The Blues

1994. Una estrella fugaz. La carrera de Shuggie Otis (n. 1953) no se puede definir como convencional. Hijo del ilustre Johnny Otis, aprendió a tocar a la tierna edad de 5 años y para cuando tenía 12 ya casi se podía decir que era músico profesional. Acompañaba a su padre a la guitarra en sus giras por clubes y locales del más variado pelaje. Para sortear las restricciones a la entrada de menores en este tipo de sitios siempre llevaba gafas de sol y un bigote postizo (!). Comparado desde entonces con los grandes de la guitarra de la época comienza a colaborar en discos ajenos, graba con Zappa, con Al Kooper (el celebrado "Kooper Session" de 1969), sigue colaborando con su padre y por fin graba su primer álbum en solitario, "Here Comes Shuggie Otis" (1970). A este le siguen "Freedom Flight" (1971) e "Inspiration Information" (1974) donde el propio Shuggie se hacía cargo de todos los instrumentos, su obra más ambiciosa. Si bien el deseado éxito nunca llegó Shuggie adquirió una merecida fama en el mundillo, aunque también es verdad que se dice que tenía comportamientos de estrellona. Aún así cuentan que fue uno de los nombres que se barajaron para sustituir a Mick Taylor en los Rolling Stones, oferta que rechazó para centrarse en su carrera que aún parecía prometedora. Lamentablemente no fue así y su estrella fue declinando a finales de la década de 1970 para acabar despareciendo del mapa durante años. Este recopilatorio de 1994 (reeditado en 2009 con dos temas extra), como bien reza su título, recoge las mejores aproximaciones al blues de este monstruo en los álbumes citados más otro par de temas del Johnny Otis Show y algún inédito. Un guitarrista con un talento podríamos decir que innato, una fluidez y claridad de ideas acojonante para la edad que tenía cuando realizó estas grabaciones, pero que tristemente para los que apreciamos su música se desvaneció demasiado pronto. Dicen que vive una feliz vida en familia, lejos del mundo de la farándula, lejos de allí donde, con un poco más de suerte y ambición, hubiera podido reinar.

Comprar en AmazonUSA (versión 12 temas) o en AmazonUK (versión 14 temas)

jueves, 21 de mayo de 2009

The Homemade Jamz Blues Band - Pay Me No Mind

2008. Ver para creer. Ryan, Kyle y Taya Perry son tres hermanos de 15, 13 y 9 años que se han marcado un disco de blues que tira de espaldas. Ryan, el mayor, canta (con una voz que te hace dudar de su edad, la verdad) y toca la guitarra solista (como dios!) además de la rítmica en un par de temas. Kyle, el mediano, se encarga del bajo y su hermana pequeña Taya hace lo propio con la batería. Pero es que además de su sorprendente y escasa edad los chavales tocan con intrumentos de fabricación casera, bajo y guitarra están realizados a partir de materiales de coche reutilizados (!!), unas guitarras así cuadradotas a lo Bo Diddley que son feas de cojones, pero muy efectivas en lo sonoro. Hay que precisar que detrás del invento está Renaud Perry, padre de las criaturas, autor de todos los temas (excepto obviamente la versión del "Boom boom" de John Lee Hooker) y que colabora soplando la armónica en 4 temas. También lo hace el productor del disco Miles Wilkinson que mete rítmica en otras cuatro canciones. Vale, no nos vamos a engañar, probablemente si este disco hubiera sido grabado por tipos de 40 años no le hubieramos prestado la menor atención, hubiera pasado sin pena ni gloria, pero joder, es que son unos críos y efectivamente suenan como si llevaran en el ajo unos cuantos años ya. Una pequeña joya de unos chavales más que prometedores que a buen seguro nos darán alguna que otra satisfacción más. 37 años entre los 3, y encima vienen de Tupelo, Mississippi, ¿qué más se puede pedir? Repito: ¡Ver para creer!

Lo puedes comprar aquí: Amazon UK
Para conocer más y/o escuchar: MySpace - Official Web



miércoles, 20 de mayo de 2009

The International Submarine Band - Safe At Home

1968. The International Submarine Band son principalmente conocidos por ser la primera banda con la que grabó el llorado Gram Parsons. La experiencia duró poco ya que, como muchos sabréis, Gram abandonó la banda para entrar en The Byrds, con los que grabó "Sweetheart Of The Rodeo" (1968), antes de volver a abandonar también a estos para iniciar una breve andadura con los Flying Burrito Brothers a los que también dejó, tras dos LPs, para iniciar su carrera en solitario, que consistió así mismo en otros dos LPs, lo que le dió tiempo a grabar antes de su prematura muerte en una habitación de hotel en Joshua Tree. Este "Safe At Home" (publicado por el sello de Lee Hazlewood) estuvo un par de meses guardado en el cajón, y curiosamente se editó cuando Gram ya no estaba en la banda, poco antes de que saliera al mercado el "Sweetheart..." de The Byrds, de quienes, por cierto, nunca fue miembro oficial. De ese disco de The Byrds hay que comentar que quitaron las partes vocales de Parsons por temas legales, aunque hace unos años salió una edición coleccionista que los recuperaba. Uno de los primeros discos de country-rock, si no el primero, o como le gustaba defenirla al propio Gram: un disco de "cosmic american music", término que acuñó para definir su sonido, que no está nada alejado de lo que luego hizo con los Burrito, incluyendo una mezcla de temas propios con versiones de Merle Haggard, Johnny Cash o el "That's allright" de Arthur Crudup que popularizó Elvis. Además está "Blue Eyes", "Luxury liner" (más tarde interpretada por Emmylou Harris y título de unos de sus discos) y "Do you know how it feels..." que el propio Gram regrabó en el primero de los Burrito. Imprescindible para entender la carrera de este monstruo.

lunes, 18 de mayo de 2009

Mario Benedetti

Ayer nos dejó el maestro. Ayer murió Mario Benedetti, poeta, dramaturgo y novelista, uno de los escritores más comprometidos del tiempo que le tocó vivir. Buen viaje compañero. Un abrazo y gracias por todo.


sábado, 16 de mayo de 2009

Blind Melon - Nico

1996. Como ya hemos hablado por aquí de ellos no me voy a extender demasiado, pero me parecía necesario completar la terna de sus discos digamos que clásicos, pues ya sabéis que volvieron a la carga hace unos años con otro cantante. Blind Melon publicaron 2 discos en vida de Shannon Hood, "Blind Melon" (1992) y "Soup" (1995), dos de las mayores gemas del rock noventero. Tan sólo unas semanas después de la edición del segundo disco Shannon Hood, su cantante, moría a causa de una sobredosis en el autobús de gira de la banda. Una pérdida irreparable que nos privó de la que a buen seguro habría sido una carrera plagada de éxitos. Tras un esfuerzo inútil para seguir sin su líder la banda se disolvió a principios de 1996. Este disco que tenemos entre manos vió la luz unos meses después y recoge grabaciones inéditas ("Soup", que curiosamente no apareció en la edición original del disco de mismo título), versiones ("The Pusher" de Steppenwolf, "John Sinclair" de John Lennon), tomas alternativas y diferentes recreaciones de temas ya aparecidos en los dos discos anteriores, pero puede ser considerado sin ningún género de dudas ni sonrojo como el tercer álbum de la banda. Además hay una pista para PC con entrevistas y mandangas varias. El título lleva el apropiado título de "Nico", para recordar al hijo casi recién nacido de Shannon y parte de la recaudación fue destinada a la manutención del chaval, huérfano de uno de los cantantes más prometedores de su generación. El disco es pura emoción, las versiones son crudas, a veces ásperas, pero siempre escalofriantes. Tiene tal consistencia que en absoluto se puede decir que sea un disco de descartes y os lo recomiendo encarecidamente si no lo conocéis. También si ni siquiera habéis escuchado a la banda, no me parece una mala manera de acercarse a su música. Aunque, como decimos por aquí, primero va el 1 y luego va el 2, pero vaya, que creo que no defraudaría. Como decíamos más arriba se reunieron en 2006 con Travis Warren, cuya voz emula bastane acertadamente la de Hood, aunque sinceramente creo que habría sido mejor idea dejar descansar y crecrer el buen recuerdo que a todos nos dejó la banda. No obstante el disco "For my friends" (2008) que siguió a esa reunión no está nada mal, pero eso ya es otra historia.
Lo podéis pillar en Amazon UK o Play.com a muy buen precio.

jueves, 14 de mayo de 2009

Una aclaración necesaria.

Hola gente. Alguno quizá se sorprenda al ver un nuevo post. Es por ello que veo necesaria una aclaración respecto a la anterior entrada y la historia de este blog. También me apetece, ¡qué cojones!. Hace ya casi 3 años, en una tarde de aburrimiento y poco que hacer, me dio por crear un foro para que los colegas de toda la vida, mi cuadrilla, estuvieramos conectados también en el "ciberespacio". Allí decíamos nuestras paridas y poníamos algún que otro disco, o más bien los ponía yo, que siempre he sido el pesado del grupo en estos asuntos (y me temo que también en algún otro, aunque eso es otra historia). Nos dieron el toque y decidí crear un blog en el que alojar los enlaces y comentar los discos que me parecieran interesantes. Con el tiempo el foro se fue al garete, un poco por dejadez (sabéis que os quiero, cabrones, pero éramos muy perros para darle vida a aquello) y otro poco por que ya nos lo decíamos todo cara a cara cuando quedábamos, y quedó tan sólo el blog. Como sabéis he pasado por diferentes etapas en cuanto a los enlaces de descarga. Al principio estaban a la vista, luego los puse en los comentarios, luego los mandaba personalmente a los interesados y al final acabaron en un grupo de google de acceso restringido para mayor seguridad del blog y por qué no decirlo, de un servidor. Como también habrán notado los viejos del lugar algún cabreo ha habido en todo este camino, sobre todo por la falta de correspondencia entre los números de descargas y los comentarios que, como hemos hablado en más de una ocasión, son la gasolina de estos inventos que son los blogs. Por supuesto que no son lo único, pero desde luego sí que son uno de los elementos más motivadores para seguir adelante y mantener las ganas de compartir y recomendar. Y es que, amigos, las matemáticas no mienten. Conviene aclarar también que a partir de que empecé a poner una mínima traba a la obtención de los links los visitantes fueron cayendo paulatinamente, quedando en pocas semanas en menos de la mitad. Esto, creo, dice mucho de cómo funcionan los blogs y muchos de sus visitantes. También tengo que decir que ante el hecho del intercambio libre de archivos no tengo una postura clara y tajante. Podría estar hablando horas y horas y podríamos discutir mil y un detalles de la polémica, pero sinceramente creo que hay demasiados supuestos como para tener una postura unívoca. Así pues he decidido, y es lo que pretendí dar a entender en el anterior post (con poco éxito, culpa mía), que dejaría de compartir música por el último método utilizado o por cualquier otro. No es un mosqueo temporal, no hay mala ostia en mi decisión, sólo quizás un poco de cansancio y duda, como he expuesto anteriormente. Perdonad que no haya dado explicaciones antes, he dejado "correr la bola" demasidado y siento si he causado algún tipo de desazón o malestar a los visitantes. También agradezco muy mucho a los que han comentado la entrada y con la mejor de las intenciones han dado ánimos y se han preocupado, a los amigos blogueros y a los que fieles a este humilde Reino. También, por supuesto, a los amigos que han preguntado. No hay palabras. Sois lo que de verdad importa de todo esto. Así que nada, me tomo esto como una suerte de "refundación" del blog. Seguiré comentando los discos que me apetezca en cada momento, que es la principal norma de este blog e intentaré dar algún tipo de contacto o enlace para hacerse con él. Seguirán siendo siempre discos que poseo y que pienso que pueden gustar a bastantes habituales del blog y ampliar nuestras fronteras musicales. Espero que sigáis por ahí y que os hagáis notar de cuando en cuando. Un abrazo y, de nuevo, perdonad las molestias.

domingo, 10 de mayo de 2009

Waylon Jennings - Honky Tonk Heroes

1973. Waylon Jennings es uno de esos artistas casi míticos, con una vida que parece sacada de una película. Dice la leyenda que en 1959 iba a viajar en el avión que al estrellarse acabó con la vida de Buddy Holly (ya sabéis, "the day the music died", el fatídico 3 de febrero del '59), Ritchie Valens y Big Bopper, pero en el último momento cedió su asiento a Big Bopper que por lo visto se encontraba flojo de fuerzas y con fiebre. Ni se imaginaba cuanto tiempo iba a tener para descansar... Waylon iba en esa gira en calidad de bajista acompañando a Holly que se había quedado sin la que fue su banda de acompañamiento, The Crickets. Por lo visto, en un guiño macabro del destino, Waylon y Holly bromearon con el hecho de un posible accidente del avión, lo que afectó enormemente a Waylon al convertirse en tétrica realidad. El mismo Jennings contó en sus memorias el sentimiento de culpa que arrastró durante años tras el terrible accidente. Con un comienzo de carrera así es normal que este hombre estuviera casi podríamos decir que destinado a hacer algo grande. En 1964 Waylon inicia su carrera en solitario en Nashville, la cuna del country, a la par que va haciendo y deshaciendo matrimonios. Hasta cuatro veces se casa, la última y definitiva sería con Jessi Colter, con quien llegó a grabar algún disco a dúo. Para principios de la década de los '70 Waylon está un poco harto del encorsetamiento del sonido Nashville y su peligrosa deriva hacia el terreno del pop, por lo que de una manera informal y poco medida inicia una corriente junto con otros artistas como Willie Nelson, Johnny Cash, Merle Haggard o Kriss Kristofferson que se daría en llamar "outlaw country", y ellos, por extensión del término, los "fuera de la ley" (outlaws). Los tipos llevan el pelo largo, visten tejanos y su sonido recupera el estilo áspero de pioneros como Jimmie Rodgers o Hank Williams, en contraposición al country edulcorado y pulcro que ofrecían productores como Chet Atkins. En 1972 consigue renegociar su contrato con RCA, compañía a la que exige y de la que finalmente obtiene una libertad creativa y artística que abrió muchas puertas a sus compañeros de profesión. Y aquí es donde entra este álbum, el primero bajo su casi total supervisión. Waylon se asoció a Billy Joe Shaver, hasta entonces desconocido compositor a pesar de haber "vendido" algunos temas a diferentes celebridades, quien aporta la práctica totalidad de los temas. Según el libreto del CD al principio hubo cierta tensión entre ambos, Billy no acababa de ver con buenos ojos la forma de Waylon de interpretar sus temas, aunque como no podía ser de otra manera, acabaron llegando a tal acuerdo que se hicieron grandes amigos. A partir de este año de 1973 también Billy Joe Shaver empezó a grabar en solitario, lo que se puede decir que es también fruto del éxito de este disco. Y poco más os cuento, una grabación prodigiosa de un tipo que ayudó a regenerar el estilo, un disco que es un punto y aparte en la música country. Hace poco conseguí también un DVD recién salido al mercado español que recoge una actuación de 1978 con The Waylors, su banda de acompañamiento, además a un precio irrisorio (¡menos de 6 euros!). La grabación ya estaba editada como VHS y como os digo ha vuelto a salir a la venta este mismo año. Os pongo los scans del DVD para que os suene si lo véis en alguna tienda. Merece muy mucho la pena. Palabra de Sr. Mondongo.

jueves, 7 de mayo de 2009

Sharon Jones And The Dap-Kings - Naturally

2005. Poco que añadir a las alabanzas que ya ha recibido esta señorita por aquí. Segundo disco en solitario acompañada de sus fieles Dap-Kings. Más soul del bueno con notas funk del que posiblemente es el mejor grupo actual en su estlo. Colabora en un tema Lee Fields, también comentado por aquí a raiz del disco de Soul Providers, en el que así mismo participó Sharon Jones. Después del 1 va el 2, y llegará el 3...

lunes, 4 de mayo de 2009

Charlie Louvin - Charlie Louvin

2007. Como muchos sabréis Charlie Louvin formaba junto a su hermano Ira la banda, o mejor dicho dúo, The Louvin Brothers, que empezaron en esto de la música poco antes de la segunda guerra mundial, ahí es nada. Su música tiene un poso religioso muy acusado, no en vano buena parte de su aprendizaje musical viene de cantar gospel en la iglesia desde pequeñitos. Con el transcurrir de los años su estilo se desliza hacia el country aunque sin abandonar nunca el componente espiritual en su música. También hay algo de fanatismo religioso, por qué no decirlo. Van adquiriendo notoriedad a la vez que participan en diferentes programas de radio y van cambiando su residencia a la par, aunque su carrera se interrumpe brevemente primero por la guerra ya comentada y más tarde por la de Corea, pero la irrupción del rock & roll en el panorama musical los deja un poco relegados, lo que provoca su separación en 1964. Lamentablemente la muerte de Ira un año después frustra cualquier posibilidad de reunión, pero Charlie ha seguido grabando de manera discontinua hasta nuestros días. De hecho este LP de 2007 salía a la venta tras una ausencia de 11 años. Para esta estelar reaparición el bueno de Charlie se rodeó de numerosos músicos como podéis veer en los scans, Chip Young y Marty Stuart entre ellos, además de variadas colaboraciones de gente como Elvis Costello, Tiff Merritt, Jeff Tweedy (Wilco), Alex McManus (Bright Eyes) o George Jones. El set list se compone básicamente de revisiones de temas de los hermanos, así como de clásicos de Jimmy Rodgers o la Carter Family y algún tema compuesto para la ocasión, como el emocionado recuerdo de su hermano en "Ira". Las canciones de los Louvin Brothers han sido versionadas y una influencia reconocida por gente como The Byrds, Gram Parsons o Emmylou Harris. Una auténtica maravilla.