Ryan Shaw - This is Ryan Shaw

2007. Es una auténtica vergüenza que este disco nunca haya tenido distribución oficial en España, y eso a pesar de pertenecer a una de las compañías más poderosas del sector, como lo es Columbia, parte del emporio Sony BMG. Una vergüenza y un insulto a los consumidores, a los que prefieren vendernos cualquier mierda prefabricada de turno. La culpa también es en parte nuestra, o al menos de los que tragan con las modas impuestas por la industria.

Pero vamos al lío, Ryan Shaw es un cantante estadounidense originario de Decatur (Georgia) y nacido a finales de 1980. Como casi todos los clásicos del estilo hicieron en su momento se educó musicalmente cantando en una iglesia, ya sabéis, el bendito gospel (nunca mejor dicho). Su carrera profesional comienza con audiciones para distintos musicales, participando en alguno y más tarde con actuaciones a modo de músico residente en distintos cafés musicales. En 2004 pasa a formar parte del grupo vocal Fabulous Soul Shakers.

Su vida pega un giro cuando es descubierto por Johnny Gale, veterano músico neoyorquino que le presenta a Jimmy Bradlower, otro experimentado "sesionero". Los tres deciden ir al estudio del propio Jimmy y grabar algunos de los temas que se incluyen en este disco y que sirvieron de carta de presentación para convencer a los capos de Columbia y que editaran este LP. A pesar de que como os decía no se ha editado en media Europa la verdad es que el disco tiene una buena acogida en EE.UU., uno de sus temas es seleccionado para la promo de una serie de la cadena ABC y el disco obtiene una nominación a los premios Grammy.

El repertorio alterna temas propios con clásicos de Wilson Pickett, Bobby Womack o Jackie Wilson. Un disco que enamorará por igual a los amantes del soul clásico y del moderno. Recomendadísimo.

Su MySpace. Su página oficial.

Conseguible a precios de risa en Amazon.com y AmazonUK.

Michael Jackson

(29 Agosto 1958 - 25 Junio 2009)

Descanse En Paz

Danzig - Danzig

1988. Nos volvemos a vestir de negro. Esos tipos malencarados que te miran en la foto de ahí abajo eran Danzig y este fue su debut. Maldita sea, este es uno de esos discos que te lo pones y, perdonadme la expresión, te aumenta instantáneamente el perímetro escrotal. Que te hace saltar a la calle como si fueras a comerte el mundo. Glenn Danzig, conocido de sobra por ser la voz de los míticos Misfits y tras la relativamente corta aventura que supuso el grupo Samhain, se embarca en este nuevo proyecto, en cierta medida más cercano a los vientos que soplaban en el mundo de la música, más receptivo de lo que nunca había sido y sería a los sonidos metálicos. Los añorados, sobre todo por los heavies, años '80. Pero este no es un grupo heavy al uso. La inconfundible y profunda voz de su líder le da un toque a la vez épico y oscuro, diría siniestro si esta expresión no hubiera sido tan malinterpretada en los últimos tiempos. Una especie de Elvis satánico, el Evil Elvis en persona. Macarrismo y satanismo a partes iguales. No podemos olvidar el excelente trabajo guitarrero de John Christ (ex-Samhain) y la contundente base rítmica formada por Eerie Von (ex-Samhain) al bajo y Chuck Biscuits (ex-D.O.A., Black Flag, Circle Jerks...) a la batería. El disco fue producido por el actualmente intocable Rick Rubin para su sello Def American (antes Def Jam Records), que luego se convertiría en American Recordings. Sonido denso, poderoso, enérgico e impactante, que recogía parte de la herencia sabbathica y que dejó para el recuerdo 4 discos inmensos. Reconozco que no he seguido las andanzas de esta gente mucho más allá, y lo poco que he escuchado creo sinceramente que no hace justicia a sus primeros lanzamientos. En éste se juntan clásicos de su repertorio como "Twist of Cain", "Not of this world", la soberbia y éxito postrero "Mother", "Am I Demon" o una curiosa versión de "The Hunter", por citar algunas, porque servidor a día de hoy sigue sin poder decidir sus preferidas. Alguno dirá que son simples, yo diría que son contundentes, pero lo que es seguro es que es un disco infaltable en la discoteca de cualquier aficionado al género y para cualquiera que necesite en un momento dado una auténtica inyección de energía.

Little Willie John - The King Sessions 1958-1960

2005. Estamos de vuelta. Vamos hoy con uno de esos talentos semi-olvidados que tanto nos gustan por aquí. Little Willie John (de nombre real William Edward John) nació en 1937 en Cullendale, Arkansas. Como tantos otros, y en una premisa que nos hace pensar que al fin y al cabo la religión tiene sus cosas buenas, se formó cantando gospel en iglesias locales. Su estilo va evolucionando hacía el R&B imperante en la época hasta que consigue contratos con pequeñas compañías como Savoy, Prize y Rama. El éxito no le acompaña en esos lanzamientos y pasa a formar parte del sello King Records. Entre 1956 y 1961 consigue asaltar el Top 10 en varias ocasiones, una de ellas con la celebrada y multiversionada "Fever", un gran éxito en la voz de Peggy Lee (en 1958, un año después de la original) y que han reinterpretado desde Elvis hasta Madonna. Esa versión de Peggy Lee le da cierto prestigio y llama la atención sobre él, que encadena una numerosa serie de éxitos en las listas de R&B. Con su timbre agudo y poderoso es uno de los cantantes que allanaron el terreno a la llegada del soul, además de ser uno de sus máximos precursores. Pero, ay amigos, la noche es muy mala y nuestro héroe, en un suceso nunca aclarado del todo, es acusado de la muerte por acuchillamiento de otro tipo tras un concierto ("pequeñito pero matón", nunca mejor dicho!). Esto le lleva a la cárcel en 1964, algo que truncaría no sólo su carrera como cantante si no también su vida ya que sólo cuatro años más tarde aparece muerto en su celda de la prisión estatal de Wahsington. Unas fuentes hablan de ataque al corazón como causa de la muerte, algo que es difícil de comprender para alguien de 31 años escasos. Otros hablan de muerte por asfixia. Sea como sea este lamentable hecho nos privó de ver la evolución de un artista enorme que, a pesar del pequeño tamaño del que habla su apodo, es un grande de la música por merecimientos propios. Los mismísimos Beatles hicieron un tema suyo (“Leave My Kitten Alone") y su gran amigo James Brown le rindió tributo el mismo año de su muerte con "Thinking of Little Willie John and a Few Nice Things". Este CD es el segundo de una serie de tres lanzamientos que reunen su producción para el citado sello King Records. Magnífica presentación y un acierto total de los amigos del sello Ace que nos recuperan a este olvidado monstruo. Maravilloso.

Charles Earland - Black Talk!

1969. ¿Os gusta el jamón? ¿Y el Hammond? Para todos los "jamoneros" del mundo mundial (Manolito Gafotas dixit) va recomendado este disco. Si estás un poco metido en el tema lo conocerás de sobra, si no es así nunca está de más escuchar a este tipo, quizá menos reconocido que otros como Lonnie Smith, Jack McDuff, Jimmy McGriff, Georgie Fame o Jimmy Smith, pero igualmente disfrutable. Este sería su cuarto largo, el primero en el sello Prestige y de lo que grabó también el primero que se puede encontrar, los tres anteriores no hay manera de dar con ellos. Earland comenzó tocando el saxo, pasando por saxo alto, barítono y tenor. Entró (ya como saxo tenor) en la banda de Jimmy McGriff, de quien aprendió casi todo lo que se puede aprender de este instrumento e influenciado por él se pasó al Hammond más adelante, dejando la banda y formando un trio con Pat Martino (gt)y Bobby Durham (dr). Después recaló en la banda de Lou Donaldson un par de años y con este "Black Talk", grabado a finales de 1969, recuperó su carrera en solitario, que le daría bastante éxito a finales de los '70. Acompañado de ilustres como Virgil Jones o Idris Muhammad este disco de impecable factura fusiona con perfección y naturalidad el soul y el jazz. Nada de protagonismos forzados, todo suena cómo y cuando debe sonar, y cada músico tiene su parcelita de lucimiento pero siempre manteniendo la cohesión del sonido. Una pequeña maravilla casi olvidada de "The Mighty Burner", apodo que le daban y que es el título de uno de sus temas contenido además en este disco. Imposible destacar temas, pero la que da título al disco es algo impagable, y la versión de "Aquarius" está muy chula, la verdad, como todo el disco. Remasterizado por Rudy Van Gelder, lo que, como sabéis, es garantía inmediata de calidad. Si se te pone a tiro apunta bien y llévatelo a casa.

Comprar en AmazonUK (baratísimo!!) o en Play.com

Muddy Waters - The London Muddy Waters Sessions

1972. De Muddy Waters no creo que haya que añadir mucho a lo ya comentado por aquí con anterioridad: El mejor artista de blues de todos los tiempos. El sello Chess, a finales de los años '60 del siglo pasado, decidió grabar unas sesiones donde se juntaran lo mejor de ambos lados del Atlántico. La cosa empezó con el "Fathers and Sons" (1969) del propio Muddy y alcanzó la plenitud con las London Sessions de Howlin' Wolf. A finales de 1971 Muddy vuelve a Londres y graba en tres sesiones el 4, 7 y 8 de diciembre esta pequeña joya donde aparecen músicos diferentes a los que intervinieron en el citado "Fathers and Sons". En este caso acompañaron al maestro: Rory Gallagher (Taste), Steve Winwood (Spencer Davis Group, Blind Faith), Rick Grech (Blind Faith), Carey Bell, Mitch Mitchell (The Jimi Hendrix Experience), Sam Lawhorn, Georgie Fame (Blue Flames, donde militó el propio Mitchel) y Herbie Lovelle, casi nada. Además posteriormente se añadieron en otro estudio los coros de Rosetta Hightower (vozarrón) y una sección de vientos para dar más colorido al disco. Hay división de opiniones respecto a estas sesiones, comparándolas con las de Howlin' Wolf o con otros discos de Muddy, y si bien no son sus mejores grabaciones me parecen muy interesantes y dignas de atención. A mí personalmente me encantan, quizá condicionado por la presencia de mi guitarrista favorito, Rory Gallagher, que se marca un par de solos de altura. La selección de temas, como era habitual, alternaba temas de Muddy (McKinley Morganfield) con otros de Willie Dixon, compinche durante muchos años de nuestro héroe. Poco más, como mínimo deberías darle una escucha.

Comprar en Amazon o en Amazon UK.

Reino de Mondongo en SPOTIFY

Bueno gente, vamos con otra entrada atípica para lo que viene siendo este blog. Muchos de vosotros ya conoceréis este invento llamado Spotify, un programa que permite la escucha de infinidad de discos, con una base de datos que, si bien tiene algunas carencias, es ciertamente extensa. Su uso es bastante sencillo y es, hasta el momento, gratuito, por lo que lo vamos a usar de manera complementaria al Reino. Hace unos meses, cuando lo conocí, ya lo sopesé, y hace unos días, en un mail, Alejandro (Agú), buen amigo del blog, me ha hecho replanteármelo. La historia es muy sencilla, ir creando una lista de reproducción con lo que vaya apareciendo por el blog. Para ello, usuarios del blog y del programa, os pido ayuda y colaboración. La lista ya la ha creado Alejandro, tan sólo hay que ir añadiendo, pero claro, si tengo que añadir todo lo comentado ya por aquí me puedo volver loco, por eso lo de la ayuda. Con el programa podéis escuchar casi todo lo que ha aparecido por el Reino, pero no es mala idea tenerlo reunido en esta lista de reprodución para hacerlo más accesible. Y poco más os cuento, si tenéis el programa ya instalado podéis acceder a la lista e ir añadiendo música aquí:

>> Reino de Mondongo en SPOTIFY <<

Si no lo tenéis creo que aún se necesita invitación, pero podéis probar aquí.

Si no conseguís entrar también podéis dejar vuestro mail en los comentarios y vamos invitando los que estemos dentro. También aquí se agradece la colaboración de los usuarios del programa que lean esto.

Un saludo.

Sr. Mondongo.

Eddie Hazel - Game, Dames and Guitar Thangs

1977. Hoy toca hablar de este "Game, Dames and Guitar Thangs", único disco en solitario editado en vida del genial guitarrista Eddie Hazel. El amigo Eddie formó parte del conglomerado Parliament-Funkadelic, agrupación bicéfala donde se dieron cita gente como George Clinton, o Bootsy Collins y que son uno de los referentes indiscutibles del género funk. Como sabréis George Clinton forma The Parliaments a mediados de los años '60 como grupo vocal mezcla de doo-wop y soul. El sonido va evolucionado y con su banda de apoyo decide formar un grupo paralelo para explorar nuevos ritmos. Esta banda sería Funkadelic, que queda definitivamente conformada con la entrada en 1967 del joven guitarrista Eddie Hazel de tan sólo 17 años de edad. Mientras, The Parliaments pasa a llamarse Parliament, a secas. Los dos grupos van funcionando de manera paralela aunque a veces discontinua durante más de una década y nunca se sabe a ciencia cierta cuando son unos u otros pues los músicos van saliendo, entrando e intercambiándose constantemente. Con Funkadelic Eddie Hazel graba los primeros y quizá mejores discos de la banda, al menos de manera oficial, pues colaboró en bastantes más sin aparecer en los créditos. Se dice que Clinton le racionaba la pasta, sabedor del carácter tendente al vicio de nuestro héroe. El disco es una maravilla para disfrutar una y otra vez tanto si eres guitarrero, como funketa o si simplemente te gusta el rock, así en general. La influencia de Hendrix es obvia, pero Eddie lleva el estilo un poco más allá, dándole a su música un toque "alucinado" que la hace muy atractiva. Lo que está claro es que el tipo se cogía unos ciegos de espanto, por que su forma de tocar es, no ya psicodélica, si no psicotrópica!. Le acampañan los citados Clinton y Collins, además del guitarrista que le sustituyó en Funkadelic, que curiosamente también entró en la banda con 17 años, Mike Hampton, otro monstruo que consiguió el puesto tocando el "Maggot Brain" de Hazel de un tirón. Como véis todo queda en familia y casi se puede decir que este disco es una continuación o extensión de todo el petate ese que tenían montado con Parliament-Funkadelic. La historia no acaba aquí pero tampoco me voy a enrollar más. Un tipo al que si no conoces ya estás tardando, te aseguro que es una cosa digna de escucharse. Tiene una gran reputación entre los entendidos pero como casi siempre poca fama entre el público en general. Una injusticia que debería corregirse.

Hay dos ediciones de este disco (en AmazonUK), una de 2006 con los temas originales y bastante asequible y otra de 2004 con 4 temas extra y bastante subidita de precio.

La Historia de las Cosas

Son Seals - The Son Seals Blues Band

1973. También hemos hablado de Son Seals con anterioridad, haciendo mención a su excepcional segundo ábum, "Midnight Son" (1976), pero hoy lo recuperamos con el que fue su debut, editado 3 años antes, en 1973. Son nació en 1942 en Osceola, Arkansas. Su padre regentaba un bar musical (The Dipsy Doodle) por lo que desde muy pequeño tuvo un contacto íntimo con la música, de hecho la casa en que vivía la familia estaba en la parte de atrás de ese local, por lo que se puede decir que el pequeño Son se dormía "acunado" por la música procedente del local. Sonny Boy Williamson, Albert King o Robert Nighthawk pasaron por allí, por lo que se puede decir que el blues casi le entró en vena. No es lo mismo dormirte con la música de Albert King a que el propio Albert cante a escasos metros de tu cama. Todo un privilegio. A pesar de estar rodeado de músicos de renombre el propio Son reconoce que su principal influencia fue su padre, Jim Seals, también músico y que dominaba piano, trombón, guitarra y batería, ahí es nada. A partir de los 13 años nuestro héroe comenzó a acompañar a diversos artistas y a acompañar a los músicos que pasaban pr el local de su padre, casi siempre como batería, y para los 18 ya tenía su propia banda en la que cantaba y tocaba la guitarra, lo que seguía alternando con algún pinito a la batería en conciertos y discos ajenos (a destacar el "Live Wire/Blues Power"-1968- de Albert King). Tras la muerte de su padre se muda a Chicago donde entra en contacto con tipos como James Cotton, Junior Wells, Hound Dog Taylor, Howlin' Wolf o Buddy Guy. Curiosamente con Hound Dog Taylor hay una especie de efecto espejo pues le sustituye en el The Expressway Lounge, local donde tocaba éste y que abandona tras el éxito de su debut y poco después también es contratado por Alligator que publica este primer disco tambien de moderado éxito en la época. Lo bueno de Son es que para cuando pudo grabar este disco ya era un músico más que experimentado, con un estilo propio en unos años en que la mayoría de músicos de blues se dedicaban a emular a las estrellas del género. Como digo no es el caso de nuestro protagonista, aunque obviamente no inventaba nada y su estilo estaba inspirado en el de Albert King, aunque con personalidad propia y algo más "agresivo". Disco altamente recomendable de un artista algo olvidado pero de lo mejor que dio el género en los años '70. La preciosa foto de portada es de Peter Amft.

Mensaje a los suscriptores despistados:

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VAMOS, QUE SI QUIERES EL DISCO: BÚSCATE LA VIDA

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Jerry Lee Lewis - The (Complete) Session (2CD) a.k.a. The London Sessions

1973. Vamos hoy con una de las joyas de la corona. También conocido con "The London Sessions" este doble CD recoge todo lo que dieron de sí estas grabaciones en las que la idea giraba en torno a reunir a grandes estrellas de la música americana con un elenco de músicos británicos, lo mejor de cada casa. En el caso que nos ocupa el músico estrella es Jerry Lee Lewis, que vuelve por la puerta grande allí donde se quedó estancada su carrera 15 años antes, cuando en la gira inglesa de 1958 saltó el escándalo al saberse la (escasa) edad de su esposa de entonces. A partir de ese año su carrera como os digo quedó en stand-by, para alcazar otro pico de popularidad con este lanzamiento. En el disco original quedaron excluidos, por razones de duración, hasta 6 temas, al igual que en la primera edición en CD. Esos 6 temas son recuperados en esta edición especial limitada que nos presenta en lujoso formato todo lo grabado en estas sesiones de enero de 1973. Quizá es muy arriesgado decir que estas son las mejores grabaciones de su carrera, pero si no lo son no creo que estén muy alejadas de ser su cima interpretativa. Luego está el tema de los invitados. No hay palabras para describir la grandeza de los músicos reunidos en torno al "killer". Por citar sólo a algunos: Albert Lee, Rory Gallagher, Kenny Jones, Tony Ashton, Klaus Voormann, Peter Frampton, Alvin Lee, Delaney Bramlett... No me voy a enrollar más, sólo os dejo con el consejo de comprarlo a las primeras de cambio, si se cruza en tú camino ni lo dudes, hazte con él. En los scans de abajo podéis completar la información que le falta a mis pobres comentarios.

Aquí tenéis íntegro el texto del libreto:
http://jerry-lee-lewis.40s-50s.info/cds/ses.htm
Comprar en Amazon.

Blues legend Koko Taylor dies at 80

September 28, 1928 – June 3, 2009

http://www.cnn.com/2009/SHOWBIZ/Music/06/03/obit.koko.taylor/

Koko Taylor, a West Tennessee sharecropper's daughter who went to Chicago, Illinois, with "35 cents and a box of Ritz Crackers" at 24 and wound up an award-winning blues legend, died Wednesday at her Chicago home at 80.
She died of complications from a May 19 surgery for gastrointestinal bleeding, her Web site reported.
Just days before the surgery, Taylor won her 29th Blues Music Award, picking up the trophy for Traditional Female Blues Artist Of the Year. She performed her signature song, "Wang Dang Doodle," at the ceremony.
Known for her powerful vocals, Taylor was inducted into the Blues Hall of Fame in 1997, won the Blues Foundation Lifetime Achievement Ward in 1999 and was awarded a National Endowment for the Arts National Heritage Fellowship in 2004.
She also won a Grammy Award for Best Traditional Blues Album in 1985 for her album "Queen of the Blues."

Taylor was born Cora Walton and picked up the nickname "Koko" because of her love of chocolate as a child. She also displayed a love of singing from an early age.
She and her future husband, the late Robert "Pops" Taylor, traveled to Chicago in 1952, where Pops Taylor worked for a packing company while Koko Taylor cleaned houses. By night, the two roamed Chicago's blues clubs, where Koko Taylor sat in with top bands and was soon a popular guest artist.
But it took 10 years for Koko Taylor to record on her own, after Willie Dixon got her signed to Chess Records and produced several singles, including "Wang Dang Doodle."
Taylor landed a permanent home with Alligator Records when Chess was sold in 1975.
Her final performance was the May 7 blues award show, but earlier in the year she performed at the Kennedy Center Honors program honoring actor Morgan Freeman.
Throughout her lengthy career, she shared the stage with nearly every blues performer imaginable, from Junior Wells and B.B. King to Taj Mahal and Muddy Waters. She was a strong influence to later performers, including Bonnie Raitt and Janis Joplin.
Survivors include Taylor's husband, Hays Harris, daughter Joyce Threatt, son-in-law Lee Threatt, grandchildren Lee Jr. and Wendy, and three great-grandchildren.

Gracias a David por hacérmelo saber.
Descanse en paz.

Más sobre el Rango Dinámico

Lo que sigue es un texto que me ha hecho llegar Homework (un habitual y buen amigo del blog), escrito por él, al hilo del post del Rango Dinámico. Me parece muy interesante y complementario a aquel, así que con el beneplácito del autor he decidido incluirlo. Aclaro que responde también a los comentarios del post citado (atentos Lich y FerGil), para que no perdáis el hilo. Allá vá:

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¡Hola, reinantes mondongueros! No tengo por menos que darle la razón a este ingeniero. Dedico mi profesión a la tecnología de la música tanto doméstica, HI-FI, como profesional, sonido "enlatado" y directo y todo lo que hay a su alrededor desde hace 30 años y he visto todos los cambios tecnológicos. Pues bien, es cierto que el aumento de rango supone la pérdida de calidad, no por estar un CD grabado a un rango dinámico más cercano o superior a 0dB, suena mejor, al contrario, al aumentar el rango aumenta la impureza propia de la señal, distorsión armónica, relación señal/ruido mayor, etc.
Antes, en un LP o cassette era apreciable el wow y/o flutter del rozamiento de la aguja y/o cabezal sobre los soportes (vinilo o cinta), con señal baja tenía la ventaja de poder eliminarlo(o casi) con un buen ecualizador y/o reductores de ruido (Dolby).Ahora se usa el Dolby también, pero si lo escucháis detenidamente no tiene casi apreciación auditiva debido al exceso de rango(a mayor señal menos reducción o filtrado) ¿Por qué? Porque tiene el rango tan cubierto de señal (y ruido, sí, ruido) que no puede cambiar la amplitud de la señal y por lo tanto los rangos de picos y la propia modulación (resultado: nivel de señal (y rango) alto=ruido armónico (distorsión).
La señal ha de ser casi plana(no siempre)para poder modularla con el ecualizador o el mismísimo amplificador que son los encargados de modificar en sí la señal(volumen y rango)en su fase final, la potencia, no en la inicial, la señal virgen o (re)masterizada.
LICH: El criterio "radio" no es correcto en una señal origen. En las emisoras le añaden más amplitud de modulación y rango dinámico para que la FM suene HI-FI y no a AM. No es necesario en una escucha doméstica o profesional. Al contrario, mejor no del todo plana, así podrás modificarla las veces que necesites.
FERGIL: Puedes volver, claro que sí, sólo tienes que grabar tus CD's (si te da la opción tu software del quemador) a un nivel de señal de -12/-14dB (más cerca de cero=más ruido y aparente calidad).
Y no por ser digital ha de suponerse mayor calidad. Recuerdo los primeros CD's ¿Por qué suenan siempre con un rango de frecuencias más bien tirando a agudas (y medios)y con poca banda de graves?¿No os habéis percatado de ello?
La respuesta está en el artículo.
Con un buen plato, una buena aguja, una buena pletina y una buena cinta de Cr o Metal e incluso Fe/FeCr (sin EQ ni filtrado alguno) yo he hecho grabaciones de mayor calidad que un CD.
Una curiosidad ¿Sabíais que los nipones tienen una discriminación auditiva distinta a la europea o americana? (por eso les gustan tanto los sonidos agudos, en su música, instrumentos tradicionales, etc) su tendencia es aguda.
Es por eso que el sonido de fabricación americana o europeo es más bien medio-grave, molestándonos los agudos en los oídos y a ellos no. Su rango de frecuencias en graves no les permite llegar tan abajo y no las oyen y a nosotros el rango de frecuencias altas nos molesta, umbral del dolor=105 dB (imaginaros un sonido agudo a este nivel).Y así fueron grabados los primeros CD's, hasta que las discográficas occidentales dieron el toque mágico a las grabaciones digitales al estilo de los vinilos y de los rangos dinámicos usados hasta mediados de los 80.
En el 81,Philips tenía más que inventado el reproductor láser, Sony compró la patente y lo comercializó por primera vez en el 82.
Los CD's desde entonces han mejorado o mejor dicho las técnicas de grabación, el soporte sigue siendo el mismo, pero han ido en sentido contrario por esa "guerra de dB" comercialoide.
Aún así, prefiero una buena aguja y un buen plato a pesar del sonido rozamiento (y clicks en las ralladuras) de la aguja, sonido, por otro lado, ligado al inseparable vinilo, y por supuesto nostálgico, que un lector láser sin ruido en la máquina, pero no en la grabación del disco.
Siempre que podáis modificar, en el software de vuestro quemador, el rango a -12/-14 dB, HACEDLO, notaréis una gran diferencia, aunque consuma más recursos y/o memoria.
MONDONGO: Tienes razón, el problema no es que nos quieran vender la moto, el problema es que aceptamos comprarlo porque no dejan otra opción. Si no seguiría habiendo platos, pletinas y agujas en el mercado....que pena!!.
No me queda otra opción pero ME RESISTO.
Espero que este pequeño aporte os ayude en algo.
SALUDOS PARA TODOS

HOMEWORK

Junio 2009

SOUL NATION Magazine

A propuesta de un amigo del blog (David) dedicamos esta entrada a una de las pocas, si no la única, revista española dedicada en exclusiva a la música negra en sus múltiples variantes. Tiene una periodicidad semestral y en la propia web tenéis método de contacto y adquisición.

Editorial:

.:: SOUL NATION Nº 8, YA A LA VENTA ::.

Con el calor regresamos. Abandonando una etapa de hibernación como el invierno en la que, mientras unos dormían, otros por el contrario no parábamos de escuchar músicas, disfrutarla en directo. Indagando en novedades y clásicos y dejándonos la sesera en un nuevo número que puedes disfrutar desde ya.
Sí, con ese calor que se pone en las cosas que se hacen con cariño, aterriza el primero de los dos números semestrales que lanzaremos este 2009. Y lo hacemos soplando las velas del 50 aniversario del sello Motown, repasando para ello sus 10 canciones más emblemáticas y entrevistando al que fuera líder de The Miracles y vicepresidente del sello en su golden age, Smokey Robinson y a Otis Williams, fundador de The Temptations. Con semejantes guías, ¿no se adivina un paseo interesante? Junto a estos iconos (artistas y sello), os traemos conversas con Eli Paperboy Red, The New Mastersounds, Beatspoke, Tortured Soul, Wayne Jackson, Heston, Fundación Tony Manero, Marc Ayza, Gospel Factory, Mauri Sanchis, Zwey, Oke o IreneB. Reforzamos con los reportajes de The Four Tops, Matthew Shipp, Quincy Jones, Ravi Coltrane, Jacques Schawarz Bart, Ty Causey, Alba. Desmenuzamos la filmografía de Spike Lee y entramos de lleno en el cálido mundo del nu jazz. Nuestro apartado de sociedad está dedicado a la figura de un luchador de la causa afroamericana como Jesse Jackson. A todo ello, súmale nuestras habituales secciones “Soul Art”, “delicatessen”, los repasos a los DVD’s o nuestra crítica de discos y piensa en que lo tienes todo por sólo 3’95 €. ¿Qué nos dices? ¡Vinimos a quedarnos!

http://www.soulnation.es/
http://www.myspace.com/soulnationmagazine/

POR ENÉSIMA VEZ...

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