Jeff Hershey & The Heartbeats - Soul Music vol. 1

2011. Bien, vamos allá con otro de esos lanzamientos de revival soulero que nos alegran el cuerpo cada poco tiempo. El amigo Jeff Hershey y sus Heartbeats debutan con este impecable álbum de soul a la vieja usanza, aunque Jeff ya tenía una larga experiencia previa con otras bandas. Hace unas semanas se dejaron ver por España con bastante buena respuesta de público, a la vez que el disco sigue cosechando excelentes críticas. La voz del amigo Jeff tiene personalidad, aunque no os voy a engañar, no llega ni por asomo al chorro de voz que sacan tipos como Eli 'Paperboy' Reed o Jesse Dee. La banda por su parte lo hace más que bien, ya sabéis, beat enérgico y vientos por aquí y allá. Y poco más os cuento. Si tienes paciencia y suerte encontrarás como yo el vinilo a escasos 10 pavines en Amazon.es. Salud!

Jeff Hershey was born and raised in Oxnard, California and by the time he his was in his teens, he was already a prominent member of the Ventura County music scene. He was a member and founder of the local metal band, Black Opal before joining one of the area’s most popular and successful bands, No Motiv, who released several albums on Vagrant Records and toured nationally opening for several major artists during Hershey’s time in the band including Andrew W.K., Alkaline Trio and Finger Eleven.

When No Motiv went on hiatus in 2005, Hershey turned his attention to his side project, Jeff Hershey and the Heartbeats, a throwback soul band in the vein of Sam Cooke and Otis Redding. Playing periodically in the Ventura County area, Hershey amassed a large regional following based on the band’s live show that despite being classic soul music had a live energy that was based on Hershey’s punk and metal background.

The band’s debut record, Soul Music Vol. 1, was released in May 2011 on Siren and was recorded at the Pow Wow Fun Room in Los Angeles, California, live to analog tape in keeping with the technology of mid twentieth century recording. It was engineered and mixed by Pete Curry of Los Straitjackets and several songs on the record, were co written with Army of Freshmen front man, Chris Jay.

The band is scheduled for several 2011 Southern California festival performances including the Indie West Festival and Spencer Makenzie’s End Of Summer Blast as well as international dates in 2012. (--> link)

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Freddie King - Live in Europe [Germany, 1975]

2007. "Up all night with Freddy King, I got to tell you poker's his thing" cantaban Grand Funk Railroad en su mega-éxito de 1973 "We're an American Band", primer número 1 de la banda. Esto os puede dar una idea de la importancia de la figura de Freddie King en la música popular americana. Y es que Freddie, aparte de ser un referente del blues tejano, también fue uno de los tipos más comprometidos con su música que uno pudiera echarse a la cara, llegando a estar más de 300 días al año en la carretera en los 70's, época en la que visitó Europa con profusión y de la que está extraído el contenido de este directo, concretamente de la gira alemana de 1975, pocos meses antes de su precipitada muerte. No hay mucho más que contar aparte del hecho obvio de que aquí se encuentran algunos de sus temas más conocidos. Pues eso, otro más de Freedie, el puto rey de reyes. ¡Salud!

Nick Curran and the Lowlifes - Reform School Girl

NICK CURRAN (20 de Septiembre de 1977 - 6 de Octubre de 2012) D.E.P.

2010. Fue la noticia del día de ayer pero servidor no se ha enterado hasta esta misma mañana. Nick Curran, uno de nuestros más adorados guerreros del rock'n'roll, finalmente perdió la batalla contra el cáncer. En los últimos meses se habían ido filtrando noticias contradictorias pero todos confiábamos en un desenlace positivo a toda esta historia. Todos, a estas alturas de la película, ya nos hemos hartado de ver "partir" a muchos de nuestros ídolos, y en cierta manera uno se va acostumbrando y tomándolo como lo que es, algo inevitable. La edad no perdona a nadie. Pero, ay amigos, cuando empiezan a caer en combate músicos que son menores que uno... ufff, la sensación es bastante más desagradable. La puta e injusta fugacidad (y arbitrariedad) de la vida. No nos vamos a poner depresivos, seguro que el bueno de Nick querría que bailáramos y bebiésemos a su salud. Eso haremos. Hoy lo recordamos con el que fue su último disco, mucho más que un preciosista ejercicio de estilo, un auténtico tributo a los maestros. Amigo, allá donde estés, descansa en paz.

Comin' on like a sci-fi hybrid of T-Bone Walker, Little Richard, and Guitar Slim, guitarist/singer Nick Curran is a powerhouse performer who owes a strong debt to blues and rockabilly artists of the '50s. Originally from Portland, ME, Curran began performing in his early teens with his father's band, Mike Curran & the Tremors. At 19, while playing with local rockabilly band King Memphis, Curran met rockabilly legend Ronnie Dawson and ended up touring with him for about six months. Soon after coming off the road, he got a call to do a tour with Texas rockabilly queen Kim Lenz and eventually joined her backup band, the Jaguars.

Subsequently, Curran moved to Dallas where he quickly immersed himself in the city's vibrant blues traditions as well as the roots music scene in Austin. It was during this time that Curran toured with retro-country sensation Wayne Hancock. Citing such influences as Wynonie Harris, Otis West, Roy Brown, and many other postwar blues and rock & roll artists, Curran released his solo album debut, Fixin' Your Head, in 2000. Recording live, single takes on vintage equipment, Curran has cultivated an impressive retro '50s jump blues sound that is only enhanced by his predilection for vintage clothes and Nu Nile pomade.Nitelife Boogie followed in 2001 and further solidified Curran's reputation as one of the most authentic and exciting roots musicians of his generation.

In a move that garnered him a slightly higher profile, Curran signed with legit-blues label Blind Pig Records in 2002 and released his third album the following year. Featuring more of Curran's old-school blues and R&B, Doctor Velvet found the still twenty-something artist branching out into Delta blues, reworking the Sonics' garage rock classic "Shot Down," and performing alongside one of his musical idols, original Fabulous Thunderbirds guitarist Jimmie Vaughan. Further accolades followed in 2004 as Curran received the W.C. Handy Award for Best New Artist Debut and released his fourth album, Player!

Toward the latter stages of the tour promoting Player!, Curran parted ways with his longtime Nitelifes rhythm section of ex-Fabulous Thunderbirds bassist Preston Hubbard and drummer Damien Llanes. Ironically, Curran then joined vocalist Kim Wilson's lastest incarnation of The Fabulous Thunderbirds in time to record the band's 2005 release Painted On.

After leaving the T-Birds, Curran formed the punk-blues combo Deguello with T-Birds' bassist Ronnie James Weber and played in various side-projects before relaunching his solo career. In 2010, Curran released Reformed School Girl on Eclecto Groove Records.

http://www.allmusic.com/artist/nick-curran-mn0000336653

Nick Curran was born in Biddeford, Maine, and grew up in nearby Sanford. Curran began his professional career at age nineteen, leaving Maine to tour with Ronnie Dawson, “The Blonde Bomber.” Although Dawson was primarily a rockabilly musician, many blues and punk fans appreciated his performances. He taught Curran not to get pigeonholed. Curran toured next with Texas rockabilly doyenne Kim Lenz, moving to Dallas to join her backup band the Jaguars for two years, and performing on Lenz’s recording, The One And Only. Nick would stay with the Jaguars for two years. He is also featured on Lenz’s latest CD, It’s All True, and toured with her in the summer of 2009.
In 1999 the Texas Jamboree label issued Curran’s debut solo recording, Fixin' Your Head. As he would do on all future CDs, Curran, used vintage recording equipment to achieve the feel and sound of old 45s and 78s, and the LPs of the 1950s. To support the recording he formed the band, Nick Curran & the Nitelifes.
From 2004 to 2007 Curran played with The Fabulous Thunderbirds appearing on their 2005 recording, Painted On. During that time, Curran and bassist Ronnie James started the punk band, Deguello, saying that it “sounded as if Little Richard sang with The Ramones.”
Curran performed four songs in a scene in the 2008 HBO Series, True Blood."
After performing a solo show in November, 2008, Nick formed the rock ‘n’ roll roots band, The Lowlifes. Curran is also in the Austin-based punk/rock ‘n’ roll band The Flash Boys.

As of 2010, Nick Curran was diagnosed with oral cancer. As of June 2010, he was deemed cancer free.

In April 2011, it was announced[who?] that his cancer returned and he was undergoing treatment. He died on October 6, 2012. 

http://en.wikipedia.org/wiki/Nick_Curran_(musician)

John Hiatt - The Open Road

2010. Han pasado dos años y dos discos desde la publicación de este "The Open Road", decimonoveno LP de estudio de John Hiatt, y si bien no creo que sea el mejor de su discografía (ni tampoco el más valorado) lo cierto es que es favorito personal de quien escribe. John Hiatt, para quien no lo conozca, es un currante del rock desde hace casi 40 años, con un estilo propio más que consolidado, así que no esperes encontrar algo novedoso o vanguardista en este disco. John Hiatt hace lo que actualmente se conoce por "americana" desde mucho antes que el término fuera acuñado. John Hiatt es un tipo que debería jugar en la liga de Springsteen, Mellencamp o si me apuras Fogerty, aunque los astros nunca le han deparado la suerte que merece y lleva todo este tiempo, con altibajos, en un discreto segundo plano. John Hiatt es un tipo al que, si aún no has oído, ya tardas en escuchar. Historias de carretera que escucharás una y otra vez. Y hasta aquí hemos llegado. ¡Salud!

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Etta James - Rocks The House

1963. Hace ya casi un año que falleció Etta James, la gran dama del rhythm and blues y, para mi sonrojo, compruebo que nunca hemos hablado de ella como es debido. Y qué mejor manera de empezar que recomendar el que posiblemente es su LP más recordado y uno de los mejores directos registrados desde que el mundo es mundo, con una Etta insuperable, en la cima de sus capacidades y acompañada de una banda más que competente en la que destacaba David Walker, un tipo con un currículo que quita el hipo. El estilo de Etta en aquella época basculaba entre el R&B, el blues y el soul, aunque el repertorio es eminentemente blues, no en vano había forjado su fama en la banda de Johnny Otis, auténtico cajón de sastre de estilos a cual más sabroso. Este "Rocks the House" fue su quinto LP en el cómputo global y el primero de una numerosa serie de directos. Y eso os cuento, no pongo enlace de Spotify porque a pesar de que tienen decenas de discos de nuestra heroína este no es uno de ellos. Pero vamos, uno de esos discos que hay que tener, y más con esta económica reedición en CD que además contiene 3 temas no incluidos en el original. ¡Salud!

Graveyard - S/T

2007. A la espera de que nos deleiten con una nueva entrega, vamos hoy a recordar el que fue primer disco de los suecos Graveyard, banda nacida de las cenizas de los extintos Albatros. Hasta el momento, y extrañamente porque es una banda que me encanta, sólo habíamos hablado de ellos por aquí de manera tangencial con ocasión del ep debut de Spiders, banda con la que comparten batería y pasión por los sonidos hard setenteros, aunque Graveyard con una cierta querencia prog. No hay mucho más que contar, seguimos a la espera de nuevas entregas, aunque viendo los 4 años que pasaron entre este y su segundo lanzamiento supongo que nos deberemos armar de paciencia. 'Retropsych70hardbluesrock' pa' ti y pa' tú prima. ¡Salud!

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[Sale con la portada de la reedición del 2011]

Muddy Waters - The Best of Muddy Waters (1st album)

1958. Cosa seria, amigos, palabras mayores. El artefacto que tenemos hoy entre manos es, además de una auténtica maravilla, un disco esencial en el devenir de la música moderna. Editado en 1958, supuso el primer LP de Muddy Waters, aunque no dejaba de ser, también, una recopilación de sus mejores canciones que habían ido apareciendo como singles en el sello Chess entre 1950 y 1954 (también era el tercer largo que publicó el sello), con el añadido de "I can't be satisfied", que había sido lanzada por Aristocrat en 1948. Aparte de la grandeza del propio Muddy Waters en el disco encontramos a otros personajes esenciales en el blues de Chicago, un auténtico all stars con nombres tan reconocibles y reputados como Willie Dixon, Jimmy Rogers, Little Walter, Otis Spann, Fred Below, Walter Horton o el propio Leonard Chess, el capo del sello. Y hasta aquí os cuento, un disco fundamental que debe figurar en cualquier discoteca que se precie. ¡Salud!

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[Sale con otra portada, pero es la misma selección de canciones]

Dave Alvin - Live from Austin, TX [Austin City Limits]

2007. Dave Alvin, por si alguno no lo sabe, fue, junto a su hermano Phil, componente de The Blasters, banda fundamental en la escena rock de raíces de principios de los 80, y con quienes llegó a publicar cinco discos, simultaneándolo con su efímera pertenencia a los The Flesh Eaters de John Doe. Tras su paso por X y The Knitters, Dave decidió probar suerte en solitario, iniciando una andadura que, si bien no le ha proporcionado un éxito multitudinario, nos ha legado unos cuantos discos de sobresalientes, el último del año pasado sin ir más lejos. Además, como es habitual en estos casos, ha trabajado con numerosos artistas como músico de estudio.

Este CD que nos tenemos entre manos, aunque publicado en 2007, recoge una actuación de 1999 de nuestro hombre para el celebrado programa Austin City Limits, que no hace más que darnos alegrías. El repertorio se compone tanto de temas de su etapa en solitario, como de The Blasters y un par de versiones de Chuck Berry y Woody Guthrie. Dave además ha compuesto para otros músicos y hay que destacar que también ha publicado un par de libros de poemas. Un todoterreno. Pues eso os cuento, os dejo con esta especie de moderno trovador, acompañado por sus habituales Hombres Culpables, su banda de apoyo. ¡Salud!

Crítica en Allmusic: Live from Austin TX, part of a series of CD and DVD releases from the Austin City Limits archive, features former Blasters songwriter and guitarist Dave Alvin recorded on January 29, 1999. On these 13 tracks, Alvin and his awesome backup band, the Guilty Men, tackle three songs from his then-current album, Blackjack David -- "Mary Brown," "Abilene," and the title cut -- along with a few tunes from the 1994 release King of California and, of course, fan favorites "Border Radio" and "Marie Marie," which were initially recorded with the Blasters. The highlight of the set is another Alvin-penned Blasters track, "Jubilee Train," which is transformed here into a medley that incorporates Woody Guthrie's "Do-Re-Mi" and Chuck Berry's "Promised Land." Alvin masterfully weaves these narratives into an engaging slice of Americana, thematically reminiscent of Johnny Cash's concept travelogues such as Blood, Sweat and Tears. It's inevitable that any time Dave Alvin covers Blasters material (all of which he wrote), his vocals will be compared to those of his older brother, Phil Alvin. Since the younger sibling's range is the polar opposite of his brother's, comparisons -- especially at this point -- are insignificant, as his deep baritone is tailor-made for these tunes. All in all, this is a spirited performance and acts as a companion set to Alvin's 1996 album, Interstate City, which was also recorded live.

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North Mississippi Allstars - Hill Country Revue [Live at Bonnaroo 2004]

2004. Esta maravilla que tenemos hoy entre manos quizá sea el mejor disco en directo de blues y derivados de los últimos 20 años. NMAS se han erigido esta última década como uno de los mayores defensores de una manera de entender la música que ya está, por desgracia, en peligro de extinción. 

El invento este de Hill Country Revue (que es el nombre del disco pero también ha acabado convirtiéndose en un proyecto paralelo en sí mismo) que los amigos de NMAS inventaron para el Bonnaroo 2004 (festival entre festivales) suponía reunir en un mismo escenario a los artistas detallados en el scan de abajo, fundamentalmente la gran familia formada por los Dickinson (padre y sus dos hijos de NMAS, más el bajista Chris Dew) con los Burnside (tres generaciones, ni más ni menos), amén de los percusivos Rising Star Five & Drum Band de Othar Turner, Chris Robinson de The Black Crowes o el veterano "JoJo" Herman que también es vecino de Mississippi y ha tocado con todo dios. Entre ellos, huelga decirlo, llevaban ya coincidiendo durante años en discos de unos y otros, pero este directo es como una especie de celebración de esas fructíferas relaciones. Un evento de verdad especial, con los músicos entrando y saliendo de escena y cambiando instrumentos. El repertorio se compone de temas de unos y alternados con clásicos de Fred McDowell, J.B. Lenoir, Ry Cooder, Little Milton...
No puedo dejar de decir que Luther Dickinson es posiblemente el mejor guitarrista vivo de blues, que no es decir poco. También que R.L. Burnside moría poco más de un año después... :-( Y no voy más allá, porque esto no tiene demasiado sentido hablar de ello, hay que escucharlo, amigos. Música desde el corazón, sin pretensiones, pero con toda la autenticidad que seguro imaginas. Indispensable. ¡Salud!

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MD.45 - The Craving

1996. MD.45 fue un proyecto de un único disco que reunió a Dave Mustaine, guitarra y cantante de los metaleros Megadeth, y a Lee Ving, cantante de los hardcoretas Fear. A elos se sumaron Kelly LeMieux, bajista de estudio y futuro miembro de Golfinger, y Jimmy DeGrasso, batería de Suicidal Tendencies. Vamos, lo que viene a ser un supergrupo. 

La idea surje del deseo de Mustaine de formar una banda en la que centrarse únicamente en las labores guitarreras, como siempre fue su idea, dejando la voz para un tipo de enorme personalidad y sobradas condiciones como Lee Ving. Lo curioso de todo esto es que en 2004 se reedita el disco, remasterizado, pero con la voz de Mustaine sustituyendo a la original de Ving. La excusa ofrecida es que una vez iniciado el proceso de remasterización se dieron cuenta de que las pistas de voz y armónica habían desaparecido. Ya ves tú... Casualidad! jajaja. 

Bueno, volviendo a la época en que fue grabado, lo cierto es que los seguidores de Megadeth, que fueron el grueso de compradores del disco, se quedaron con cara de circunstancias, pero a servidor, más de 15 años después, le sigue dejando el culo torcido. 

Por último recomendaros que desechéis la versión remasterizada y os hagáis con la original, que para escuchar la voz de abuela mosqueada de Mustaine ya tenéis 13 discos de Megadeth. Personalmente además me dio a conocer a Lee Ving, sólo por eso este disco ya me tiene ganado. 

En el jodío Spotify sólo está la versión 2004 que ni me molesto en enlazaros, pero seguro que sois capaces de encontrar el original con una rápida busca en Google. ¡Salud!

The Soul Jacket - Wood Mama

2012. Este es, sin la menor duda, uno de esos discos que figurará en muchas listas de "lo mejor del año" cuando este 2012 toque a su fin y sus creadores son ya, por derecho propio, uno de los grupos nacionales más interesantes de los últimos tiempos. Su fama va en aumento día a día gracias a su enérgica puesta en escena pero también a la labor de difusión que van haciendo sus viejos y nuevos entusiastas seguidores, y su futuro, si todo fuera como debiera ser, se nos antoja, como poco, muy prometedor. 

The Soul Jacket facturan una poderosa mezcla de rock clásico y soul, con músicos excelentes y un vocalista de gran personalidad, algo no tan habitual de ver y escuchar en grupos patrios como nos gustaría. A destacar también el sonido conseguido en los estudios de Hendrik Röver (Los Deltonos) en Muriedas, y es que no hay nada como trabajar con los que saben. No me enrollo más pues os transcribo la muy completa info de su MySpace. 

Quedas encargado de seguir repartiendo la buena nueva. Por favor, no te los dejes pasar, y si te apetece hacerte con el disco en formato físico les puedes escribir a la dirección de correo del scan de abajo. ¡Salud!

La banda tiene sus inicios y raíces repartidas entre Vigo y Nigrán, Pontevedra, en el verano de 2003, impregnada del mejor rock & roll de los 60’s y 70’s. Tras varios cambios de formación Tony (voz), amante de sonidos negros y pantanosos, se une a la banda formada por Mauro (batería), Jann (bajo) y Rubén (guitarra), y de esta unión del espíritu del rock clásico con la esencia más negroide y soul surge su nombre “The Soul Jacket”. En 2004 comienzan las grabaciones de su primer EP y salen a la carretera ese mismo año a patearse los garitos y ciudades de la provincia. En el 2006, para la grabación de su segundo EP, reclutan a Jorge Mizer, con un sonido exquisitamente sureño y bien engrasado; de este modo se cierra el círculo y la banda encuentra su camino. Comienzan a presentarse a los primeros festivales, ganan diversos concursos a nivel estatal y giran por Galicia y alrededores. Portadores de un sonido y un magnetismo únicos en estas latitudes y debido al empuje y seguridad con el que la banda se sube a los escenarios, más de un promotor se fija en ellos para telonear a grupos consagrados como Tito & Tarántula o Letz Zep. Más adelante Rubén (guitarra) abandona la formación, y en su lugar se une Alberto Gregorio aportando ese toque final ‘stoniano’ y resbaladizo, deudor de la British Invasion.

The Soul Jacket han pasado más de un año y medio trabajando en el local de ensayo, sin apenas pisar un escenario, en una suerte de encierro voluntario para crear su tan esperado primer álbum de larga duración, grabado en los cada vez más prestigiosos estudios Guitartown Recordings, de la mano del músico y productor Hendrik Röver.

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The Dustaphonics - Party Girl

2011. Por fin, tras una espera más larga de lo deseado, los londinenses The Dustaphonics, la banda de Yvan Serrano Fontova (aka Healer Selecta), publica a finales de 2011 el que es su primer LP, "Party Girl". Ya hablamos de ellos en el blog con motivo de la publicación de su excelente EP "Burlesque Queen" de 2010. En aquel, la labor vocal corría a cargo de la maravillosa Aina Westlye, que comparte atribuciones en este nuevo lanzamiento con la que es cantante actual de la banda, la también estupenda Kay Elizabeth, lo que aporta variedad y riqueza sonora a este lanzamiento. 

Pillas un poco de surf-rock, le añades rock & roll, rhythm & blues, un poco de garage rock, otro poco más de soul de alto voltaje y por último lo remueves con actitud punk y el resultado es lo que vienen a ser The Dustaphonics, que a pesar de aunar ingredientes más que conocidos por todos exudan personalidad por todos sus poros. Una banda a tener en cuenta a la que haremos estrecho seguimiento en el futuro. Marcaje al hombre, vaya. No creo que haga falta decir que este tipo de discos como más se disfrutan es en vinilo. Yo te ti no dudaría en conseguir una copia.

Como me parece que no tiene mucho sentido que me ponga a traducir la historia de la banda volvemos a tirar de copy-paste, que nos ahorra tiempo y como información me parece más fiable que la que pueda salir de mis dedos. Y hasta aquí hemos llegado, que ustedes lo disfruten. ¡Salud!

The DUSTAPHONICS: Originally started down in a Hackney back alley as the backing band for B-movie goddess and Faster Pussycat Kill Kill star Tura Satana’s latest film, The Dustaphonics have now cemented themselves as fixtures on London’s live music scene. Fronted by musician, DJ and all-round garage rocker extraordinaire (as well as being the “most influential French person in London”!) Yvan Serrano-Fontova, (Healer Selecta) you already know that with The Dustaphonics, rock’n’roll mayhem is guaranteed. Top it off with the voice of Jamaican-English-San Franciscan soulstress Kay Elizabeth and Michael Jablonka on Bass, Bruce Brand/Eric Frajiria Drums and “Party Girl” really starts to live up to its name. 

Dustaphonics first album "Party Girl" Lp is the perfect soundtrack to any trip to Haiti or New Orleans, preferably in the company of two leather clad go-go dancers. While the former T-Rex manager Jeff Dexter called them “one of the best bands I’ve seen in England in years,” Happening Magazine said that in a market saturated by trash, The Dustaphonics occupy “the space where the talented few, committed and bright, stick to their guns”. 

This combines all your favorite styles, without ever sounding forced; that introduces elements of surf and r’n’b to ska and jazz as if they were long lost brothers. every influence gets thrown in the melting pot to create a vibrant garage gumbo. These songs are gonna take you on a journey through the past and into the future: A journey in a kandy-kolored kustom hot rod, with the ghost of Bo Diddley riding shotgun and Lux Interior swigging bourbon in the back.

Album Party Girl available now KingAling records UK 2011, Single Jinx On Munster records Spain 2011, Burlesque Queen Cd on KingAling 2010, Single Burlesque Queen on Dirty Water UK 2010 

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Jesse Sykes & The Sweet Hereafter - Reckless Burning

2002. Taciturno, crepuscular, melancólico, triste, oscuro y nostálgico, incluso lánguido, son algunos adjetivos que te pueden venir a la cabeza escuchando este disco, el primero del dúo formado por la propia Jesse y el guitarrista Phil Wandscher, ambos provenientes de otras bandas y que inician su colaboración en Seattle en 1999. Tres años después y ya como banda completa (bajo, batería, etc.) nos legan este debut de ambiente sosegado. Una especie de country alternativo marinado con folk, pausado pero pasional. La música ideal para fumar y beber mientras recuerdas tu vida pasada. Y en eso estamos. Pero una cosa os digo, debería llevar una pegatina de Usar con Precaución, que tanta tristeza no es buena. ¡Salud!

Compruebo contrariado que no está en Spotify. Tenéis los otros si queréis echar un tiento, pero no dudéis en haceros con este si se os pone a tiro. Y si queréis y/o no tenéis Spotify, están todos en su página web:

http://www.jessesykes.com/ 

The Yayhoos - Fear Not the Obvious

2001. Si digo The Yayhoos puede que a muchos no os diga nada el nombre. Si añadimos que la banda vino a ser una especie de allstar rocanrolero encabezado por Dan Baird alguno ya caerá en la cuenta. 

Y es que The Yayhoos reunía a cuatros musicazos de la talla del propio Dan Baird (voz y guitarra), fundador de Georgia Satellites y artista en solitario y Eric "Roscoe"Ambel (guitarra y voz), miembro original de los Blackhearts de Joan Jett y Del-Lords y acompañante habitual de Steve Earle; a los que se suman Keith Christopher (bajo y voz), que ha tocado con Billy Joe Shaver, Tony Joe White y Kenny Wayne Shepherd entre otros y Terry Anderson (batería y voz), colaborador de Baird desde tiempo inmemorial y líder de The Olympic Ass Kickin' Team. Casi nada. 

Todos los miembros componían y cantaban, aunque en esto Baird también llevaba la batuta, no sé sabe si por liderazgo (lo dudo) o por pura creatividad, que de esto nuestro hombre va sobrado. 

The Yayhoos practicaban una entretenida mezcla de rock de raíces con rock'n'roll por un lado y hard rock por el otro, todo de una manera bastante jovial por decirlo de alguna manera. Bueno, sólo tenéis que ver las caras de la foto de abajo.... 

Cinco años más tarde se volvieron a reunir para grabar su segundo álbum ("Put the Hammer Down", 2006) y de nuevo, como buena banda intermitente que son, están cada uno a sus cosas. Nos queda la esperanza de que les dé otro puntazo y vuelvan a grabar juntos. Hasta ese día, disfrutemos de lo que ya nos han legado. ¡Salud!

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Jasmine Kara - Blues Ain't Nothing But A Good Woman Gone Bad

2010. Vamos hoy con un descubrimiento reciente para un servidor, la cantante sueca Jasmine Kara. Como os habréis dado cuenta no es la típica sueca del inconsciente colectivo (rubia, pálida, ojos azules) ya que es hija de madre sueca y padre iraní, lo que le ha hecho heredar una belleza singular y un fantástico tono de piel. Bendita mezcla, siempre lo dije...

Bien, no me voy a enrollar mucho porque os pongo toda la info biográfica que aparece en su web, amén de numerosos vídeos. Sólo comentar que el disco se editó originalmente en 2010 en el sello Tri-Sound, uno de cuyos fundadores (y productor ejecutivo del disco) es el mítico Marshall Chess. Posteriormente, en 2011, fue reeditado por el sello Acid Jazz, que aparte del CD también fabricó una tirada en vinilo. Vale que a veces tiene pinta casi de hip-hopera, pero lo cierto es que esto que nos tenemos entre manos es una enérgica combinación de blues, soul, r&b cantada por una voz brillante y llena de matices, un nuevo valor que esperemos nos dé grandes alegrías en el futuro. Recemos porque no llegue un multinacional y la malee. Pues eso. ¡Salud!

Jasmine Kara was born 1988 in a small Swedish town to an Iranian father and a Swedish mother. Even as a little girl she knew that music was her calling. Jasmine started performing at talent shows and took every chance she could to get up on the stage. Writing, singing and performing was all she wanted to do, music was her muse and life ahead seemed beautiful for the Jasmine.

Then her life took a dramatic turn. In her mid-teens she fell in love for the first time. But this love soon turned out to be everything but an innocent teenage love affair. Jasmine quickly found herself trapped in the most abusive and destructive relationship imaginable. She started sinking deeper and deeper in a spiral of violence and self harm, losing her music and losing herself completely. This very dark period almost cost her her life.

But when she had reached her absolute lowest depth of misery - a miracle happened. Someone handed her a guitar. And as soon as she started strumming it, she remembered how good music used to make her feel. How music is a healer. And she realised that music was the only thing that could save her.

Shortly thereafter Jasmine decided to break up and leave. She left home, she left the town she grew up in, the relationship that almost killed her - her old life altogether, in search for a new. She started travelling the world, determined to find a way to make a living as a performing artist.

When 17 year old Jasmine arrived in New York she immediately knew she had come home. The city’s music scene in general and it’s jazz, blues and R&B clubs in particular made her realise that this was where she belonged. She started performing all over the city and took every chance she could get to sing to anyone who’d listen. Gradually she started noticing how her powerful voice could move her audience, making her even more certain that this was what she needed to do for the rest of her life. However, that dream of a recording contract kept eluding her, despite promises and close calls.

Eventually she was picked up by new independent label Tri-Sound. One of it’s founders was legendary record man Marshall Chess (of Chess Records/Rolling Stones fame), who ended up as Jasmine’s Executive Producer on her debut album ”Blues Ain’t Nothing But A Good Woman Gone Bad”. A collection of classic old school blues and R&B-numbers from the Chess catalogue, but with Jasmine’s remarkable voice, the album was recorded during 48 hours in the well-renowned Cosmos Studio in Stockholm.

Marshall Chess says "I've been around the blues and singers who are in touch with their soul my whole life. Jasmine Kara is the real deal! The blues like a taste of freedom has truly transformed this young singer. Her Iranian roots, her Swedish upbringing and her recent meeting with - and interpretation of - the American blues is an amazing testament to what a universal language music is. And; to how different expressions of a longing for freedom always have had an underlying, common denominator."

Ever since her troubled teens, Jasmine had kept a diary, written notes and letters and a blog to document her dramatic roller coaster journey to where she has arrived today. This material makes for very fascinating and captivating reading. SO much so, that her label decided to turn it into a autobiographic novel to be launched in conjunction with the album release. So far only printed in the Swedish language, the book is called ”Hälsa Henne Att Hon Ska Dö” (”Tell Her That She Is Dead”) and this debut marks the start of yet another creative aspect of the much talented and versatile artist that is Jasmine Kara.

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Dio - The Last In Line

1984. Hoy se cumplen exactamente 2 años de la llorada muerte del pequeño gran hombre, el único e inimitable Ronald James Padavona, más conocido por todos como Ronnie James Dio. Como ya van unas cuantas veces que hemos hablado de él por aquí (Elf, Rainbow, Black Sabbath...) sólo voy a comentar que, como nuevo homenaje a su obra, hoy nos ponemos el que fue segundo álbum de la banda que lleva su nombre, "The Last In Line". Tras el inmenso "Holy Diver" de 1983 y con la banda en gira continua y forma excelente se sacan de la manga esta extraordinaria continuación, con temas habituales a partir de entonces en sus set lists como We Rock, Evil Eyes o la que da título al disco. La formación se estabilizó con la entrada definitiva del teclista Claude Schnell, que ya les acompañó en la gira de "Holy Diver" y que venía a sumarse a los habituales Vivian Campbell (g), Jimmy Bain (b) y Vinny Appice (d). Poco más os cuento, discal! Ea, que hable la música. ¡Salud!

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Donald "Duck" Dunn (November 24, 1941 - May 13, 2012)

Donald "Duck" Dunn 

(November 24, 1941-May 13, 2012) 

Entre otros muchos, tocó con/en/para: Otis Redding, Wilson Pickett, Booker T & The MGs, Mar-Keys, Albert King, Isaac Hayes, The Staples Singers, Muddy Waters, Mavis Staples, David Porter, Ronnie Hawkins, Freddie King, Herbie Mann, Bill Withers, Elvis Presley, Duane Allman, Joan Baez, Rod Stewart, Manhatten Transfer, Sam & Dave, The Blues Brothers Band, Peter Frampton, Steve Crooper, Eric Clapton, Tom Petty & The Heartbreakers, Bob Dylan, Diana Ross, Muddy Waters, Jerry Lee Lewis, Willie Dixon, John Fogerty, Levon Helm's RCO AllStars, Neil Young, Ray Charles...

Louis Prima - The Wildest!

1956. Hay días en que el ánimo desfallece. Días en que el peso de los acontecimientos se hace insoportable y necesitas algo que te evada, aunque sólo sea por unos momentos, del transcurrir del mundo. Y aquí entra nuestro amigo Louis Prima, dándonos la clase de energía y positivismo que necesitamos en esos momentos, con su fantástica mezcla de swing, jazz y si me apuras rock and roll y toda la vitalidad que aporta una banda comandada por el mismo Louis y su por entonces compañera sentimental Keely Smith, amén del gran Sam Butera al saxo. Exuberancia musical y clase a partes iguales. Canciones que se han ganado un lugar en la eternidad, como el celebrado medley de "Just a gigoló / Ain't got nobody", o las enérgicas "Oh Marie" o "Jump, jive, an' wail", por citar algunas. Un disco que pertenece por derecho propio a las grandes grabaciones del siglo pasado, muy por encima de estilos o etiquetas. El disco fue grabado en 2 días de abril de 1956 y en esta reedición de 2002 se han añadido 4 temas grabados en septiembre de 1956 que fueron publicadas como singles. Poco más os cuento de uno de esos discos que toda persona de bien debería tener en casa. ¡Salud!

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Rival Sons - Pressure & Time

2011. Uno de los lanzamientos más interesantes del pasado 2011 es este segundo disco de los angelinos Rival Sons. Tras un prometedor debut en formato digital en 2009, luego editado en pequeña tirada física a principios de 2010, y un EP homónimo de 6 temas en 2010, el cuarteto de Los Ángeles da un paso adelante con "Pressure and Time", con un notable salto de calidad.

Lo que nos ofrecen no va a sorprender a nadie si no es por la calidad de la ejecución, pues no deja de ser hard-rock de corte setentero con matices blues-rock, como digo nada nuevo, pero perfectamente interpretado, con energía y pasión. De lo mejorcito del género en los últimos años, que no es decir poco, ya que salen grupos del estilo a patadas todos los años.

El grupo poco a poco va haciéndose su hueco y ha podido girar en los últimos meses con Alice Cooper, AC/DC, Judas Priest o Black Stone Cherry, convirtiéndose en grupo puntero del sello Earache, sello que viniendo principalmente del metal extremo ha experimentado una gran apertura estilística estos últimos años. 

La curiosa portada fue creada por Storm Thorgerson, diseñador gráfico responsable de decenas de portadas, desde Pink Floyd a Dream Theater, pasando por Led Zeppelin, Helloween, Megadeth, The Cramberries, Muse, Anthrax o Mars Volta. 

La edición que yo poseo es la primera de las dos ediciones especiales que han salido a la venta, esta con 3 temas extra provenientes del EP anterior.

Y bueno, hasta aquí llegamos, la banda se supone que prepara nuevo material para finales de este 2012, seguro que no defraudan. ¡Salud!

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Five long years: Reino de Mondongo cumple 5 años

Un 22 de abril de hace 5 años, curiosamente también domingo, empezamos con este invento del blog. En aquel momento ni imaginaba llegar a cumplir este aniversario, pero ya veis, aquí nos hemos puesto en un abrir y cerrar de ojos, porque lo cierto es que ha pasado bien rápido (el título del post es una licencia poética...)

Sólo quería agradecer a amigos, compañeros y visitantes ocasionales su apoyo y sus visitas. 

Sé que este es un blog manifiestamente mejorable en contenidos y periodicidad, y que hemos vivido épocas mejores, pero bueno, nos adaptamos a lo que hay y afrontamos los próximos 5 años con renovados ánimos. 

Ya sabéis que no soy de enrollarme mucho, así que lo dicho, gracias por estos cinco años y los que vendrán. ¡Saludos!

Eddie Boyd - The Complete Blue Horizon Sessions

2006. Vamos hoy con un pianista que, compruebo extrañado, todavía no había aparecido por el blog, cosa rara ya que es un tipo que está a la altura de Memphis Slim, Otis Spann, Pinetop Perkins, Champion Jack Dupree y otros grandes del piano blues. Ausencia imperdonable, por tanto. 

Eddie cumple con todos los arquetipos del género. Nació en una plantación en Mississippi, tuvo una infancia pobre y más tarde participó de la gran migración negra al norte del país en busca de mejores condiciones de vida y trabajo. Con el tiempo y tras foguearse en bandas propias, llegó a acompañar a grandes como Willie Dixon o Buddy Guy para acabar afincándose en Europa en los 70's, donde se casó y acabó cantando gospel hasta su muerte en 1994.

El CD que nos ocupa recoge todas las grabaciones para el sello de Mike Vernon, el mítico Blue Horizon, casa también de Fleetwood Mac, quienes participan más que activamente en gran parte de los temas, fundamentalmente nuestro adorado Peter Green. De hecho gran parte del repertorio aquí incluído pertenece al álbum "7936 South Rhodes" (1968) que se lanzó como Eddie Boyd with Peter Green's Fleetwood Mac. Antes ya habían colaborado en el disco de Decca Eddie Boyd and His Blues Band featuring Peter Green (1967), con temas obviamente no contenidos en esta antología de Blue Horizon.

Aunque tampoco está en el CD, no puedo dejar de recordar su tema más celebrado, el multiversionado "Five long years" que grabó en 1952 y que aún a día de hoy permanece como uno de los highlights del género. Lo dicho, que ustedes lo disfruten. ¡Salud!

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